Diario Vasco
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‘Florence Foster Jenkins’, la peor cantante de ópera por la mejor actriz
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 15:23| 0

FLORENCE FOSTER JENKINS

Título original: Florence Foster Jenkins

Año: 2016

Duración: 110 minutos

País: Reino Unido

Director: Stephen Frears

Guion: Nicholas Martin

Música: Alexander Desplat

Fotografía: Danny Cohen

Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney,Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch y Sid Phoenix

Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films

Género: Comedia / Drama

Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos. (FilmAffinity)

Diga lo que diga Donald Trump, Meryl Streep (Mamma Mia) ha sido, es y será la mejor actriz de la historia del cine. Puede que su imagen no se vuelva nunca icónica de una generación como la de Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo), James Dean (‘Rebelde sin causa’) y Marilyn Monroe (‘La tentación vive arriba’), pero será siempre imagen del buen hacer y de la versatilidad en pantalla.

Meryl ya nos dejó hace unos años patente que sabe cantar y que lo hace bien. En ‘Florence Foster Jenkins’, en cambio, debe interpretar a la más terrible intérprete de ópera de la historia, la mujer que da nombre a la cinta. Entre el esperpento, la hilaridad y lo cómico, Meryl Streep (El Cazador) lleva a la gran pantalla uno de sus trabajos más logrados. La película podía haber caído en el más absoluto esperpento, pero el buen hacer de Streep consigue que caigamos rendidos ante la candidez, dulzura, inocencia y falta de talento de esta señora que enamora a la vez que hace pasar al espectador uno de los mejores ratos que puede haber pasado jamás en el cine.

Resumen bien dos de los personajes secundarios de la cinta al final de la misma la naturaleza de la misma. No canta bien, canta terrible, pero nos lo hace pasar tan bien que es con lo que nos quedamos. Ya me perdonarán sus fans, y si no lo hacen tampoco pasa nada, pero podríamos compararlo con Enrique Iglesias, canta fatal pero gusta a la gente y llena allá donde va.

En esta obra no se puede pasar por alto el gran trabajo de un Hugh Grant entregado a la causa. El actor británico da vida a ese gentleman que acompaña a Foster Jenkins y mueve los hilos para que sus sueños imposibles se cumplan. Grant logra que esa burbuja que ha construido alrededor de Jenkins envuelva a los espectadores. Queremos más, queremos más canciones, más gallos, más momentos cómicos y más dramas pasados por una pátina cómica que tan bien dominan los dos principales intérpretes de la cinta.

Así mismo, no desmerece el trabajo de Simon Helberg, en el papel del cándido, o no tanto, pianista de esta señora. Cuentan las malas lenguas que logró el trabajo no por su talento, sino por ser el único que no se reía mientras Jenkins interpretaba sus canciones. Esta versión puede ser muy cierta porque el pobre pianista no volvió a trabajar con nadie tras la muerte de la diva de la ópera.

La historia está contada con suma sencillez y envuelve en un montón de purpurina la triste historia de una mujer que vivió toda su vida engañada, sin oído musical alguno y con más intención que capacidad. Una intérprete que arrasó en vida, y posteriormente, con un disco en el mercado y llenando recintos tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el sancta sanctorum de la música en la capital neoyorquina. Una mujer que logró lo imposible, acercar un estilo de música para élites al pueblo, aunque fuera a costa de convertirse en una caricatura y producir ataques de risa eternos.

La película merece tanto la pena que lo voy a resumir en un “hay que verlo”. Merece la pena por el buen hacer de Streep y Grant. Merece la pena porque esa risa se contagia al instante. Merece la pena porque es un cuento de hadas, como los que de niños tanto nos gustan, pero llevado a una mujer en los últimos meses de su vida. ‘Florence Foster Jenkins’ es maravillosa.

Lo mejor: el derroche de talento y entrega de Meryl Streep y Hugh Grant.

Lo peor: cuesta elegir, pero, echo en falta más minutos musicales de la señora Jenkins.

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‘Fences’, ¿qué pasaría si quitamos a Denzel Washington y Viola Davis?
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Asier Manrique | 20-02-2017 | 17:54| 0

FENCES

Título original: Fences

Año: 2016

Duración: 139 minutos

País: Estados Unidos

Director: Denzel Washington

Guion: August Wilson (basado en la obra de August Wilson)

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Reparto: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq y Chris McCail

Productora: Paramount Pictures

Género: Drama

En los años 50, un padre afroamericano lucha contra los prejuicios raciales mientras trata de sacar adelante a su familia en una serie de eventos fundamentales en su vida para él y para los suyos. Denzel Washington lleva al cine una obra de teatro que ya interpretó en Broadway. (FilmAffinity)

Película basada en la obra de teatro homónima que Denzel Washington protagonizó y con el que ya cosechó un éxito importante. Ahora, como director y protagonista de la cinta, Washington, se hace dueño y señor de este dramón de dimensiones considerables donde sólo le hace sombra una Viola Davis siempre espectacular.

Ahora bien, pongámonos en la situación de que esta película no la protagonizan dos monstruos de la actuación como Viola Davis y Denzel Washington. Ninguno de ellos dos lleva sobre sus hombros el enorme peso dramático de la cinta. ninguno de ellos está ahí para dotar de credibilidad y fuerza dramática a dos personajes que cargan sobre sus hombres con todo el peso de la actuación. Entonces, ¿qué pasaría si quitamos a Denzel Washington y Viola Davis? Pues que nos quedamos sin película, básicamente.

Se trata de una cinta que adapta con sus luces y sus sombras una obra de teatro. En el teatro existe la limitación del espacio, de los escenarios, pero en el cine esa limitación no existe, por lo que puedes dotar a la historia de mucha más dimensión. En ‘Fences’ nos encontramos, en cambio, una historia muy limitada en sus localizaciones, quedándose en una obra de teatro llevada directamente al cine y sin ganar en la riqueza extra que el séptimo arte le puede dar.

La crítica y el público se han rendido ante el enésimo dramón de estos Óscars, pero debo discrepar, una vez más, del parecer general, para decir que me aburrió sobremanera esta película en la que soy incapaz de encontrar nada más que las actuaciones de su dúo protagonista. Una cinta hecha a la medida de dos actores adorados por el público y las academias de cine y que se dedican a recoger premios casi por cada trabajo que realizan, y esto no lo pienso discutir, porque ambos están sobresalientes.

La película navega en una linealidad temporal falsa donde podemos distinguir los diferentes actos de la obra teatral. En esa linealidad, lo único interesante son las extensísimas líneas de diálogo que interpretan todos los personajes. A pesar de lo complicado que puede ser seguir sus discursos, por lo pesados, extensos y cargantes que llegan a ser, son el otro gran aspecto positivo, junto a las actuaciones del dúo protagonista.

Y es que si reparamos en todo lo demás, este ‘Fences’, es una película que se toma licencias artísticas risibles como el cielo abriéndose al son de la trompeta en la última escena. Así mismo, tampoco aportan nada los monólogos de Denzel con sus “demonios”, sobran.

Lo mejor: las actuaciones de Denzel Washington y Viola Davis.

Lo peor: no aporta nada más a la obra teatral, no se dota de las ventajas que sí tiene el cine.

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‘Hasta el último hombre’, la redención de Mel Gibson
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Asier Manrique | 21-02-2017 | 10:04| 0

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE

Título original: Hacksaw Ridge

Año: 2016

Duración: 131 minutos

País: Estados Unidos

Director: Mel Gibson

Guion: Robert Schnkkan y Andrew Knight

Música: Rupert Gregson-Williams

Fotografía: Simon Duggan

Reparto: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer,Luke Bracey, Rachel Griffiths, Richard Roxburgh, Matt Nable, Nathaniel Buzolic,Ryan Corr, Goran D. Kleut, Firass Dirani, Milo Gibson, Ben O’Toole, Richard Pyros,Robert Morgan, Dennis Kreusler, Michael Sheasby, Ben Mingay, Damien Thomlinson, Nico Cortez, Darcy Bryce y Roman Guerriero

Productora: Lionsgate

Género: Bélico / Drama

Narra la historia de Desmond Doss, un joven médico militar que participó en la batalla de Okinawa, en el Pacífico durante la II Guerra Mundial, y se convirtió en el primer objetor de conciencia en la historia estadounidense en recibir la Medalla de Honor del Congreso. (FilmAffinity)

Si ha habido un retorno este año, además del programa Operación Triunfo, en lo que a cine se refiere, ha sido la vuelta de Mel Gibson a la dirección. El cineasta y actor ha vuelto por la puerta grande con un drama bélico, ambientado en la II Guerra Mundial y que ha emocionado por su potente mensaje y contener algunas de las mejores escenas de guerra desde Salvar al soldado Ryan.

La cinta cuenta la historia de Desmond Doss. Se trata del primer objetor de conciencia en recibir  la Medalla de Honor del Congreso. Se alistó en el ejército pero no disparó un rifle jamás, su labor de médico le permitió salvar la vida de cientos de compañeros, en un acto tan heroico como cinematográfico.

‘Hasta el último hombre’ brilla especialmente en su hora final, toda una lección de ritmo y de cine. Apoyado en la grandísima actuación de un actor que se ha revelado como la sensación de la temporada, Andrew Garfield, la película de Gibson consigue despuntar como una de las cintas más loables de los Óscars. Ya era hora de que un actorazo como Garfield recibiera el aplauso unánime de crítica y público. Lleva demostrando que vale, y mucho, para esto desde hace años, pero, tal vez, necesitaba trabajar con Mel Gibson y Martin Scorsese, para terminar de reivindicarse.

Probablemente se vaya de vacío, pero no deja de ser una oportunidad tomada por la Academia de redimirse con un director polémico como Gibson. Su ausencia los últimos años y sus constantes idas y venidas por temas religiosos sitúan en una posición complicada cualquier trabajo que haga. De hecho, este ‘Hasta el último hombre’ decae cuando la oda religiosa lo inunda todo. Aunque este canto a los beneficios de la religión también sirve para dar uno de los momentos más potentes de la película, justo al final, cuando Garfield pide su Biblia.

Bien interpretada y bien llevada. Con un granado grupo de actores entre los que destacan Sam Worthington, Hugo Weaving (Las aventuras de Priscilla) o Vince Vaughn, la película logra una de las historias más potentes del cine bélico de los últimos años.

Lo mejor: La actuación de Andrew Garfield y la hora final de película.

Lo peor: El excesivo tono religioso que tiene la cinta en muchas ocasiones.

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‘La llegada’, ciencia ficción del más alto nivel
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 18:45| 0

LA LLEGADA

Título original: Arrival

Año: 2016

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

Director: Denis Villeneuve

Guion: Eric Heisserer (basado en el relato de Ted Chiang)

Música: Jóhann Jóhansson

Fotografía: Bradford Young

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien, Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen,Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann y Andrew Shaver

Productora: Paramount / 21 Laps Entertainment

Género: Ciencia ficción / Drama

Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre. (FilmAffinity)

Denis Villeneuve lleva una carrera imparable, demostrando ser uno de los grandes directores de hoy día con películas como ‘La llegada’, su último gran triunfo. Filme filosófico con la dosis justa de ciencia ficción y la fuerza narrativa que sólo un director como Villeneuve puede darle.

Estamos ante un gran ejemplo de lo que es la ciencia ficción como género. Hay quien entiende este tipo de películas como una forma de enseñar alienígenas, monstruos, planetas, naves espaciales, etc. pero nada más lejos, es una vía para contar inquietudes y necesidades humanas que no encajan dentro de los parámetros habituales del resto de géneros.

En ‘La llegada’ se plantea la paradoja de qué ocurriría si el ser humano pudiera controlar el tiempo. El tiempo como una dimensión más es imposible de manejar para los humanos, de ahí que plantearnos el dilema de qué haríamos si conociéramos lo que va a pasar en un futuro. ¿Cambiaríamos algo o lo dejaríamos todo igual?

Aprovechándose del lenguaje más puro de la ciencia ficción, Villeneuve crea una atmósfera asfixiante y potente. Visualmente apabullante, ‘La llegada’ es una cinta sobresaliente, que vuelve a dotar de una nueva dimensión a un género que necesitaba volver al tono más clásico para encontrarse con su auténtica esencia.

Estamos ante una película bien construida, bien llevada y bien actuada. Amy Adams (Batman v. Superman: El amanecer de la justicia) hace suyo el papel principal y lo exprime sacándole todo el jugo. Un personaje rico en matices y que es el alma de la cinta. Así mismo, no desentonan Forest Whitaker (Rogue One: Una historia de Star Wars) y Jeremy Renner (Capitán América: Civil War), en papeles secundarios.

Contada de forma no lineal, ‘La llegada’ llama la atención desde su propia narrativa. El espectador se verá inmerso en una historia que no pierde el tiempo en explicaciones vacías y que opta por hacer al espectador el narrador de una historia que se puede entender de muy diversas formas.

Otra de las virtudes, y posiblemente la más grande, está en que narra asuntos muy complejos de una forma muy sencilla. No toma al espectador por idiota para colarle temas de una manera infantil.

Realmente merecidas las nominaciones recibidas por el filme, aunque no opta a más que aquellas en los apartados técnicos. Hollywood no se ha caracterizado por premiar a las cintas de ciencia ficción, por lo que las opciones de la película de Denis Villeneuve se ven mermadas, a pesar de no desmerecer en ningún caso su presencia en la carrera final por los premios gordos.

Lo mejor: narra conceptos muy complejos de una forma fácilmente comprensible y sin necesidad de tomar al espectador por idiota.

Lo peor: el espectador del siglo XXI podría no estar acostumbrado a una película de ciencia ficción que sigue la estela de los grandes del género de los años 70, 80 y 90.

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‘Comanchería’, un western del siglo XXI
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Asier Manrique | 14-02-2017 | 09:17| 0

COMANCHERÍA

Título original: Hell or High Water

Año: 2016

Duración: 102 minutos

Director: David Mackenzie

Guion: Taylor Sheridan

Música: Nick Cave, Warren Ellis

Fotografía: Giles Nuttgens

Reparto: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey,Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez-Cunningham, Amber Midthunder,Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini y John-Paul Howard

 

Productora: CBS Films

Género: Thriller / Western / Drama

Un padre divorciado y su hermano, un ex presidiario recién salido de la cárcel, se dirigen al Oeste de Texas con el objetivo realizar una serie de robos en una serie de sucursales bancarias, con el fin de poder conseguir el dinero suficiente como para poder salvar la granja familiar. (FilmAffinity)

‘Comanchería’ ha sido la gran sorpresa entre las nominadas al Óscar a mejor película. El cine independiente siempre tiene alguna película en la carrera final, aunque sea para darle presencia y poco más. Con esta intención estará ‘Comanchería’ en la gala de los Óscars del próximo 26 de febrero, donde, si no hay sorpresa, se irá de vacío.

Planteado como un western moderno, ‘Comanchería’ cuenta la historia de dos hermanos que se dedican a robar bancos, mientras la policía les da caza en un entorno agreste y duro. El filme plantea si la épica que se mostraba en los westerns tradicionales tendría cabida en la actualidad. ¿Está bien que se atraquen bancos? ¿Lo aprueba la gente? Parece que no.

‘Comanchería’, de título original ‘Hell or High Water’, expresión realmente complicada de traducir al castellano, consigue erigirse como una de las grandes sorpresas del año. Una película tremendamente potente, aunque esté contada desde la contención más absoluta, con personajes que tardan en explotar, pero que guardan un potencial visual y un atractivo difícil de evitar para un espectador que desde el minuto 1 se siente atrapado por la historia.

Enmarcado en un paisaje hipnótico, a pesar de lo agreste, ‘Comanchería’, es una película que apetece, a pesar de ser un golpe en el estómago para el espectador. En esa dicotomía entre lo que es bueno y malo, donde se enfrentan la ética y la necesidad. La intención de la pareja de atracadores no es otra que salvar la granja familiar que han recibido en herencia.

Chris Pine (Star Trek) y Ben Foster (Inferno) dan vida a los dos hermanos. Su actuación está muy lograda, se mimetizan con el entorno y dan buena cuenta de lo en serio que se han tomado el trabajo. Su trabajo es creíble, oscuro, taciturno, contenido y salvaje, todo al mismo tiempo. Estremece su frialdad y su capacidad para dotar de realismo a dos personajes que podrían haber caído en el esperpento absoluto.

En el lado contrario tenemos al sherif, encarnado por Jeff Bridges, totalmente entregado a su papel. Él es quien pone el toque ácido y sarcástico con el que se presenta toda la película. Su relación con su compañero policía es uno de los puntos a destacar del filme, además de su gran trabajo que le ha permitido estar nominado a Mejor actor secundario en la próxima edición de los Óscars.

No quiero terminar sin aplaudir el buen trabajo en fotografía y en la elección de la banda sonora, es, junto a ‘La La Land’ el mejor ejemplo a este respecto que he visto de momento entre las grandes candidatas al Óscar. Toda la historia consigue ganar más con el estupendo trabajo que en este aspecto se ha tomado desde la película dirigida por David Mackenzie.

La mayor pega que se le puede sacar a la película es que no termina de explotar hasta la media hora final. Toda la cinta se mantiene en un tono plano hasta que consigue ganar en ritmo y fuerza con los 30 últimos minutos, absolutamente apoteósicos.

Lo mejor: gran trabajo actoral, de fotografía y de banda sonora.

Lo peor: no termina de ganar ritmo hasta la media hora final que es apoteósica.

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‘Moonlight’, silencioso canto contra los estereotipos
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Asier Manrique | 07-02-2017 | 19:12| 0

MOONLIGHT

Título original: Moonlight

Año: 2016

Duración: 111 minutos

País: Estados Unidos

Director: Barry Jenkins

Guion: Barry Jenkins y Tarell McCraney

Música: Nicholas Britell

Fotografía: James Laxton

Reparto: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson y Edson Jean

Productora: Plan B Entertainment

Género: Drama

Chiron es un joven afroamericano con una difícil infancia, adolescencia y madurez que crece en una zona conflictiva de Miami. A medida que pasan los años, el joven se descubre a sí mismo y encuentra el amor en lugares inesperados. Al mismo tiempo, tiene que hacer frente a la incomprensión de su familia y a la violencia de los chicos del barrio. (FilmAffinity)

‘Moonlight’ cuenta en 3 momentos diferentes de la vida de Chiron el ir y venir de un chico que crece con una madre drogadicta y que es víctima de bullying. Contada con suma delicadeza y con muy pocas palabras, ‘Moonlight’ ha convencido a una crítica entregada y se ha llevado el Globo de Oro a la mejor película dramática.

Chiron es un niño pequeño que a través de 3 momentos (infancia, adolescencia y edad adulta), va descubriendo su propia sexualidad mientras lucha contra una madre sumergida en el mundo de las drogas y un ambiente escolar donde no se le respeta. A pesar de sus pocas palabras y de la frialdad del personaje, consigue que el espectador empatice con él desde el primer momento.

Pero ‘Moonlight’ es mucho más que una película sobre la homosexualidad y las drogas, es una película sobre combatir los estereotipos. Ni los vendedores de droga son todos gente desalmada, ni una madre tiene que actuar como una madre por el simple hecho de ser una madre y bullying y el acoso escolar se combaten desde los centros educativos.

‘Moonlight’ habla de encontrar esa pequeña luz cuando todo está oscuro, porque bajo la luz de la luna todos nos vemos azules, no hay diferencias. Lo hace con total sencillez, buscando un relato que, a pesar de ser específico en sus tramas, se puede entender como una historia universal de búsqueda de tu lugar.

En esta carrera hacia los Óscars, ‘Moonlight’ tendrá una rival que ya ha conseguido arrasar allá donde se ha presentado, aun compitiendo una contra otra. Pero películas así no necesitan de una o varias estatuillas, llegar hasta la carrera final por los premios les da la visibilidad suficiente para que su historia llegue a todos.

Lo mejor: Es cuidadosa, delicada y poderosa.

Lo peor: Su pausado ritmo puede hacer que la cinta decaiga en varios momentos.

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‘Manchester frente al mar’, vivir eternamente con la culpa encima
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Asier Manrique | 07-02-2017 | 09:20| 1

MANCHESTER FRENTE AL MAR

Título original: Manchester by the Sea

Año: 2016

Duración: 135 minutos

País: Estados Unidos

Director: Kenneth Lonergan

Guion: Kenneth Lonergan

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jody Lee Lipes

Reparto: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Susan Pourfar, Christian J. Mallen,Frankie Imbergamo, Shawn Fitzgibbon, Richard Donelly, Mark Burzenski y Mary Mallen

Productora: Amazon Studios

Género: Drama

Lee Chandler es un fontanero que se ve obligado a regresar a su pequeño pueblo natal tras enterarse de que su hermano ha fallecido. Allí se encuentra con su sobrino de 16 años, del que tendrá que hacerse cargo. De pronto, Lee se verá obligado a enfrentarse a un pasado trágico que le llevó a separarse de su esposa Randi y de la comunidad en la que nació y creció. (FilmAffinity)

‘Manchester frente al mar’ habla de cómo sobrellevar la culpa, el remordimiento, el dolor y cómo convivir con todo ello sin poder exteriorizarlo. Y no se trata de que al protagonista, Casey Affleck, no le dejen exteriorizar todo lo que carga sobre sus hombres, él no es de esas personas que cuentan las cosas.

Sin tener que entrar en más detalles, para no caer en spoilers, Lee, el personaje interpretado por Affleck, ha vivido un hecho tan traumático que condiciona el resto de su vida. Se vuelve una persona solitaria, que evita toda relación social, que se refugia en sí mismo y que se ve obligado a vivir una y otra vez aquello que le atormenta.

La película va contando en pequeñas píldoras a modo de flashbacks lo que pasó con Lee, mientras vamos viendo cómo afronta la muerte de su hermano y el hacerse cargo del hijo de este. Además, Lee, tendrá que afrontar volver a su ciudad natal, reencontrarse con los fantasmas de su pasado, con su exmujer, con aquello de lo que ha estado huyendo siempre.

Con un trabajo encomiable del único Affleck que sabe actuar, ‘Manchester frente al mar’ crece como un melodrama con mucha palabra, pero sin apenas comunicación. Los personajes se evitan constantemente, aunque estén cerca físicamente, no dan nunca el paso de acercarse, de compartir momentos, de entender al que tienen en frente.

La historia cabalga a buen ritmo con escenas desgarradoras. Una de ellas un flashback donde Casey Affleck recuerda lo que pasó con su mujer y sus hijos y marcó para siempre su vida. Este momento es el que explica la razón de ser de Lee en la actualidad. Este momento de quiebro se ve intensificado con el reencuentro en la calle de Affleck y Michelle Williams, que interpreta a su mujer. En una escena donde vemos que hay heridas que son imposibles de cerrar, culpas de las que no se puede uno desembarazar.

Contada con delicadeza, a pesar de ser tremendamente dura y descarnada, ‘Manchester frente al mar’ es la dósis dramática que los Óscars necesitaban. Bien interpretada y dirigida con pulso firme. Peca en no incluir personajes femeninos realmente redondos, aunque es una historia de dos hombres, de Patrick y de su tío Lee.

La primera gran película de Amazon como productora opta realmente a un único premio, el de mejor actor para Casey Affleck, aunque eso no desmerece la cinta. Recomendable para los amantes de los verdaderos dramones, aquí irán serviditos.

Lo mejor: la actuación de Casey Affleck.

Lo peor: se echan en falta personajes femeninos de más peso dentro de la película.

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‘Lion’, la importancia de cerrar heridas
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 20:07| 0

LION

Título original: Lion

Año: 2016

Duración: 120 minutos

País: Australia

Director: Garth Davis

Guion: Luke Davies (basado en la novela de Saroo Brierley)

Música: Volker Bertelmann y Dustin O’Halloran

Fotografía: Greig Fraser

Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham,Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose y Divian Ladwa

Productora: Weinstein Company

Género: Drama

Saroo Brierley es un niño que con tan sólo cinco años se perdió en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa. Tras un largo viaje acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Veinticinco años después, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentará encontrar a su familia biológica. (FilmAffinity)

Nominada a seis Premios de la Academia, ‘Lion’ es la única película de las 9 que optan a mejor cinta que no se ha rodado en Estados Unidos. Cuenta la historia de un niño perdido, alejado de su familia, que se ve obligado a superar cada uno de los duros peldaños que se le presentan.

Dividida en dos partes, ‘Lion’ destaca más en su primera parte, la que se centra en la infancia del niño Saroo en la India. Sin necesidad de recurrir a paisajes espectaculares, ni a una fotografía al servicio de ganar por los ojos aquello que no se puede ganar por el fondo, ‘Lion‘ llama la atención desde el primer minuto. Aún incluso cuando la historia puede resultar lejana para la mayoría, consigue la implicación absoluta del espectador con ella.

En su segunda mitad cae en un relato más lineal, menos espectacular, más típico. Toda la parte australiana navega entre el melodrama más convencional, restándole intensidad a una cinta que comienza de la forma más potente posible. Es una verdadera pena, porque la película podría haber sido mucho más grande de haber conseguido que todo el pack fuese igual de potente.

Bien interpretada, ‘Lion’ destaca especialmente por el gran trabajo de Dev Patel, que ha crecido y muy bien desde ‘Slumdog Milionaire’. Así y todo, sin que Patel cuente con los mejores minutos de la película, es el que mejor exprime su papel. No desmerece tampoco el trabajo de Sunny Pawar, como el niño Saroo, y Nicole Kidman, en el papel de la madre adoptiva.

Como drama, ‘Lion’ funciona de cine. Su final, muy potente y sencillo, consigue tocar la fibra sensible de lleno, cautivando al espectador, implicándolo en la historia como sí lo hace en su primer tercio.

La cinta habla de la importancia de cerrar las heridas del pasado, acabar con aquello que nos atormenta y poner la vida en orden. Un mensaje de encontrarse a sí mismo con el que ‘Lion’ ya ha cautivado a los encargados de decidir los nominados a los Óscars, premios en los que probablemente se tenga que conformar con poquitas estatuillas.

Lo mejor: toda la parte inicial en la India.

Lo peor: la parte australiana es mucho más típica, lineal y previsible.

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‘Tarde para la ira’, a vueltas con las expectativas
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Asier Manrique | 01-02-2017 | 10:37| 0

TARDE PARA LA IRA

Título original: Tarde para la ira

Año: 2016

Duración: 92 minutos

País: España

Director: Raúl Arévalo

Guion: Raúl Arévalo y David Pulido

Música: Lucio Godoy

Fotografía: Arnau Valls Colomer

Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez y Font García

Productora: La Canica Films

Género: Thriller

Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco a una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su novia Ana y su hijo, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José. (FilmAffinity)

No es la primera vez que hablo en este espacio de lo importantes que son las expectativas con las que te pones a ver una película. Cuando se presentó ‘Tarde para la ira’ en cine no pude verla. Las críticas fueron muy buenas, y ahora con tanto premio que ha recibido, las expectativas estaban por las nubes. Pues bien, de nuevo las expectativas me juegan una mala pasada.

El debut cinematográfico, como director, de Raúl Arévalo (La isla mínima) es más que sólido. El actor presenta una historia con buenos mimbres, con una narración que va increscendo y con unos actores principales en forma. ¿El problema donde está? En que no es para tanto. Su mayor virtud está en el trabajo de los personajes, pero la historia en su conjunto adolece de elementos que vuelvan el conjunto más completo.

Antonio de la Torre demuestra una vez más que es uno de los mejores actores del momento. Su personaje es inquietante, sucio y oscuro. En este aura desasosegante y sórdido que monta el director, su personaje sobresale por ser todavía más sórdido y desasosegante. Un personaje desesperado y enloquecido que vamos conociendo poco a poco.

Ahora bien, esta historia de venganza que Arévalo plantea pierde todo su potencial desde el momento en que este sentimiento en el personaje de de la Torre pierde todo el interés para el espectador. El rimo tan sumamente lento con el que la película está construido tampoco ayuda. El sentimiento descarnado que debería ser la venganza, se torna en desesperanza y hastío. Llega un momento donde es tal la pesadez generada que como espectador buscamos que termine ya todo.

¿Qué ha llevado entonces al mundo a premiar tanto a ‘Tarde para la ira’? Puede ser el efecto ópera prima que un internauta describía en un foro estos días. Nos cegamos ante las primeras películas de un director, las valoramos mucho mejor que a otras películas porque les presuponemos menos talento o manejo del lenguaje cinematográfico, no lo sé, pero ocurre. Tesis o Whiplash son igualmente óperas primas y el resultado es mucho más compacto que en el filme de Arévalo.

Así y todo, crítica y academia se han puesto de acuerdo para premiar a ‘Tarde para la ira’ como la mejor película del año, y en unos días sabremos si los Goya ratifican esta tendencia. Personalmente, prefiero que Que Dios nos perdone o Un monstruo viene a verme se lleven el gran premio del cine español.

Lo mejor: la actuación de Antonio de la Torre.

Lo peor: el ritmo tan lento, tan monótono y el poco interés generado por la venganza planteada lastran la película.

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‘Nightcrawler’, un Gyllenhaal soberbio y espeluznante
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Asier Manrique | 21-01-2017 | 19:27| 0

NIGHTCRAWLER

Título original: Nightcrawler

Año: 2014

Duración: 113 minutos

País: Estados Unidos

Director: Dan Gilroy

Guion: Dan Gilroy

Música: James Newton Howard

Fotografía: Robert Elswit

Reparto: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Ann Cusack,Eric Lange, Anne McDaniels, Kathleen York y Michael Hyatt

Productora: Open Road Films

Género: Thriller

Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom, un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. (FilmAffinity)

Dan Gilroy dirige un espeluznante thriller que pone en imágenes un tipo de periodismo sensacionalista, alejado de toda ética y sentido común. La película incide en la morbosidad, el sensacionalismo y el amarillismo de cierta clase de periodismo, representado en un noticiario de quinta fila de Los Ángeles que basa su éxito en emitir imágenes de accidentes y crímenes sin ninguna censura ni filtro.

Jake Gyllenhaal interpreta al fracasado Lou Bloom, que pasa de no conseguir trabajo a fabricarse su propia empresa de producción de vídeos. Gyllenhaal ve la opción de conseguir dinero fácil, persiguiendo los crímenes y accidentes que tienen lugar en su ciudad. El actor representa a un personaje que personifica lo peor de la profesión, el autoritarismo como jefe y la falta de códigos éticos y morales a la hora de trabajar.

La cinta navega en la fina línea de caer en aquello que critica, la morbosidad, y la crítica más cruda a un tipo de periodismo de dudosa ética. Una fotografía cuidada y una banda sonora acertada convierten a ‘Nightcrawler’ en un viaje de incomodidad en el espectador.

La película se desarrolla bajo un ritmo pausado pero constante, introduciendo de forma escalonada personajes que van cambiando la forma de actuar del protagonista. El ejemplo más claro es el del personaje interpretado por Rene Russo, una directora de informativos obsesionada con el dato de audiencia, empeñada en sacar todo a la luz sin importar quién se esconde tras esas imágenes y las consecuencias que podría tener mostrarlas.

Riz Ahmed es el joven empleado que se ve obligado a trabajar bajo unas condiciones penosas, que sabe que lo que hace no está bien, pero que su situación económica le obliga a tragar y continuar.

Lo mejor: la actuación de Gyllenhaal y la crítica.

Lo peor: la fina línea de la morbosidad sobre la que hace equilibrios la película.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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