Diario Vasco
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Autor: eurofan93
‘El código Da Vinci’, la película anticlímax
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Asier Manrique | 17-10-2016 | 10:49| 0

EL CÓDIGO DA VINCI

Título original: The Da Vinci Code

Año: 2006

Duración: 147 minutos

País: Estados Unidos

Director: Ron Howard

Guion: Akiva Goldsman (basado en la novela de Dan Brown)

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Salvatore Totino

Reparto: Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen, Alfred Molina, Jean Reno, Jürgen Prochnow, Paul Bettany, Etienne Chicot, Jean-Pierre Marielle, Clive Carter, Seth Gabel y Jean-Yves Berteloot

Productora: Columbia Pictures

Género: Thriller

Puedes leer también sobre otras películas basadas en las novelas de Dan Brown como Ángeles y demonios’ e Inferno.

El catedrático y afamado simbologista Robert Langdon se ve obligado a acudir una noche al Museo del Louvre, cuando el asesinato de un restaurador deja tras de sí un misterioso rastro de símbolos y pistas. Con la ayuda de la criptógrafa de la policía Sophie Neveu y poniendo en juego su propia vida, Langdon descubre que la obra de Leonardo Da Vinci esconde una serie de misterios que apuntan a una sociedad secreta encargada de custodiar un antiguo secreto que ha permanecido oculto durante dos mil años… (FilmAffinity)

Vapuleada por la crítica, no sin razón, ‘El código Da Vinci’ es una gran película de acción, ya está, punto y final. No es una película que deba estar entre las películas favoritas de ningún amante del cine, no lo estará seguramente. No es una película que vaya a aparecer en el listado de mejores películas de la historia, ni tampoco entre las peores. Es una película más, entretenida, palomitera y que pretende ser muy seria, pero no lo consigue del todo.

La película de Ron Howard, director que no me genera nada, bueno, sí, indiferencia, es una sucesión de escenas con el único propósito de crear un gran clímax, pero, atención, aquí también fracasa. Y es que la cinta pierde fuelle una vez salen de la mansión del personaje interpretado por Ian McKellen (Mr. Holmes). Todo lo que ocurre después de los sucesos de Château Villette no interesa lo más mínimo. Es la película anticlímax, ya que comienza con su parte más interesante (París) y termina por diluirse como un azucarillo hasta no ofrecer nada interesante en su recta final.

Junto a McKellen, es Tom Hanks (Salvar al soldado Ryan) el que sube el nivel actoral de la cinta. Tenemos grandes nombres como Jean Reno, Alfred Molina o Paul Bettany (Vengadores. La era de Ultrón), pero ninguno aporta demasiado a la historia, tal vez se podría salvar a Bettany, como el famoso monje albino. Audrey Tautou (The Odyssey) no convence como protagonista de la película y, debo admitir, que le tengo cierta manía por ser la protagonista de esa insufrible película llamada ‘Amélie’.

Como espectador asistirá usted a un recital de escenas imparables con un ritmo veloz, pero sorprendentemente lento en el conjunto. Una cinta que hay que tomársela como un divertimento y no como un ensayo sesudo sobre la religión y su trasfondo. Es entretenido y punto.

Lo sorprendente es que la iglesia católica siga escandalizándose por películas que tocan su dogma, su historia y sus códigos. Cada vez que alguien les hace referencia salen en tromba y hablan de ello sin parar, ¿no se dan cuenta de que le hacen publicidad gratis? Es por motivos como este que la película llegó a ser todo un éxito, igual que el best-seller en el que se basa.

Lo mejor: todo lo que ocurre en París resulta muy interesante y entretenido.

Lo peor: empieza todo muy fuerte pero deriva en un final soporífero.

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‘Mommy’, la más completa de Xavier Dolan
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Asier Manrique | 14-10-2016 | 10:10| 0

MOMMY

Título original: Mommy

Año: 2014

Duración: 139 minutos

País: Canadá

Director: Xavier Dolan

Guion: Xavier Dolan

Música: Eduardo Noya

Fotografía: André Turpin

Reparto: Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon, Suzanne Clément, Alexandre Goyette y Patrick Huard

Productora: Metafilms

Género: Drama

En una Canadá ficticia, se aprueba una ley que permite que los padres incapaces de controlar a sus hijos problemáticos les internen en un centro especial. Sin embargo, Diane “Die” Despres, una madre viuda con carácter, decide educar ella misma a su hijo adolescente Steve, que padece ADHD y que puede llegar a resultar violento. Kyla, la vecina de enfrente de su casa, le ofrece su ayuda a Die. La relación entre los tres se hará cada vez más estrecha, surgiendo preguntas sobre el misterio de su vida. (FilmAffinity)

Ya comenté cuando abrí el año con Yo maté a mi madre que Xavier Dolan es de esos directores que admiro y que sigo con mucho interés. Será porque tenemos cosas en común, porque tenemos un gusto musical y cinematográfico similar, porque su tipo de hacer cine conecta mejor conmigo o por la cercanía en cuanto a la edad, pero es de estos cineastas que me llaman mucho la atención. Me pasa como a los jurados de Cannes que le aplauden sin parar cada vez que se presenta allí.

Este enfant terrible del cine canadiense está  llamado a ser uno de los grandes referentes del cine en los próximos años. Su carrera, al principio centrada en Canadá, va cogiendo más peso internacional y se le tiene en cuenta para producciones de envergadura. Actores de prestigio se matan por trabajar con él, y él se hace querer.

En este universo cinematográfico que se va expandiendo con casi una película por año, Dolan nos deja entrever ese mundo personal y único donde se percibe el innegable toque del cine de Almodóvar. Especialmente reconocible es la influencia del director manchego en el canadiense en la presencia protagónica y potente de una serie de actrices como Anne Dorval o Suzanne Clément, protagonistas aquí, en numerosos filmes.

Pero centrándome en ‘Mommy’, este filme supone la madurez de Xavier Dolan como director. Se nota su evolución en el tiempo, pero, sin perder ese toque personal que hace que sus películas sean únicas. Un director que se desgarra en cada una de sus cintas, ofreciendo un espectáculo único y trepidante. Pecará de excesivo en ocasiones, sí, pero de lo contrario no sería él.

Algunos tachan ‘Mommy’ de pretenciosa, pero lo es porque apenas se quedan en la imagen superficial de una película presentada en un claustrofóbico aspecto de 1:1. Dolan juega con las proporciones y ensancha y contrae la pantalla, como ya hiciera tímidamente en ‘Tom à la ferme’, pero llevándolo aquí a una dimensión mucho mayor. Igual que en I Am Not Madame Bovary, pero bien hecho.

Como es habitual, la imagen es un punto importantísimo de las películas del director quebequés. Él decide desde el vestuario hasta la banda sonora, e imprime ese estilo tan personal y único de hacer cine. Cada secuencia y plano tiene la fuerza de ser única en su conjunto, mostrando una fuerza dramática que se plasma, especialmente, en el personaje de Steve, interpretado brillantemente por Antoine-Olivier Pilon. El actor va variando en su forma de vestir y en su look en esas idas y venidas del trastorno por déficit de atención con hiperactividad que sufre.

El protagonista, acompañado de dos grandes señoras del cine canadiense, y del cine de Dolan en particular, nos dejan una película desgarradora. Con la cuestión de si los padres deben asumir el cuidado de sus hijos a pesar de que éstos les hagan la vida imposible. Si el desastre más absoluto como familia puede ayudar a una persona a liberarse de los miedos que tiene. O si hay que anteponer la libertad y la salud a la obligación. Temas, todos ellos, habituales en el cine del director de Montreal.

Lo mejor: es Xavier Dolan en estado puro, los que conozcan su cine y lo amen, amarán este filme.

Lo peor: para los que no acostumbran al tono excesivo y casi pretencioso, de Dolan, puede ser un pasatiempo demasiado largo.


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‘Saw III’, recreándose en el sadismo
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Asier Manrique | 07-10-2016 | 11:05| 0

SAW III

Título original: Saw III

Año: 2006

Duración: 107 minutos

País: Estados Unidos

Director: Darren Lynn Bousman

Guion: Leigh Whannell y Jan Wan

Música: Charlie Clouser

Fotografía: David Armstrong

Reparto: Tobin Bell, Shawnee Smith, Angus Macfadyen, Bahar Soomekh, Dina Meyer, Lyriq Bent, Debra McCabe, Barry Flatman, Mpho Koaho, Donnie Wahlberg, Costas Mandylor, J. LaRose, Leigh Whannell, Betsy Russell

Productora: Lions Gate Films

Género: Terror

Nuevas y macabras aventuras del siniestro Jigsaw, el hombre que mueve los hilos de los espantosos juegos que han aterrorizado a la comunidad y desconcertado a la policía. Jigsaw, una vez más, ha conseguido escapar, esta vez con la ayuda de su nueva aprendiz, Amanda. Mientras la policía local intenta localizarle, la Doctora Lynn Denlon y Jeff no saben que están a punto de convertirse en los siguientes peones de este horrible juego. (Filmaffinity)

Otro año pasó desde que Saw II fuese proyectada en los cines hasta que llegara su secuela, ‘Saw III’. Parece que la fórmula de la segunda entrega gustó y vuelve el director, el guionista y parte importante del reparto.

Si algo distingue a ‘Saw III’ de sus predecesoras es el placer que sus creadores sintieron al convertir la violencia en el todo de la película, cuando en las entregas anteriores la violencia era la consecuencia de algo mucho mayor. Aquí los personajes siguen manteniendo ese fondo atormentado que les lleva a encontrarse en el lugar donde se encuentran, pero todos están llevados al extremo, lo que convierte a ‘Saw III’ en la más gore de las entregas presentadas hasta la fecha dentro de la saga.

Los personajes de Tobin Bell y Shawnee Smith siguen siendo los principales de la historia, profundizando en ellos. Bell volvería a ser nominado en los MTV Movie Awards al Mejor Villano, igual que porSaw II, perdiendo el premio por segunda vez consecutiva. Se vería superado por Hayden Christensen (Star Wars III, la venganza de los Sith), la primera vez, y Jack Nicholson (‘Infiltrados’) la segunda. Volverá a la película también Donnie Wahler.

En esta ocasión las víctimas principales del juego serán Angus Macfadyen y Bahar Soomekh. Macfadyen interpreta a Jeff, un padre con deseo de vengar la muerte de su hijo. El actor ha participado en producciones importantes como ‘Braveheart’ o ‘Equilibrium’.

Bahar Soomekh interpreta a la doctora Lynn Denlon, atormentada por su desdichada vida. Denlon es repudiada por su marido, al que ha engañado, y arrastrada ante Jigsaw, obligada a mantenerlo con vida. Soomekh es una actriz iraní que ha participado como secundaria en multitud de producciones como las series ’24′ y ‘Bones’.

Mismo director y mismos guionistas, incluyendo a Jan Wan, director de la primera parte. En este caso la película pierde a uno de sus creadores, Gregg Hoffman, fallecido poco después del estreno de Saw II.  Comienza a notarse la ausencia de ideas, suplidas aquí por mayor dosis de violencia y escenas gore. Por primera vez en toda la saga los espectadores asistirán a escenas realmente repugnantes. Aquellos que pensaron que las dos primeras cintas de Saw eran visualmente duras, cambiarán de opinión con esta.

Lo más acertado de la cinta es su final, muy en la línea de lo ofrecido en las anteriores partes, encajando todas las piezas y dejando al espectador con ganas de más, a pesar de haberlo pasado mal durante algo más de hora y media. El guion resulta confuso en muchos momentos, perdiendo la brillantez de las dos primeras partes y convirtiéndose en una mezcla complicada de flashbacks, necesarias en algunos puntos para explicar sucesos pasados como pedían los fans de la franquicia, y escenas de tortura. Tampoco el presupuesto de 10 millones, frente al millón y medio de Saw y los cuatro millones deSaw II convierten a esta cinta en una película que aporte algo más.

Lo mejor: Tobin Bell, sigue siendo lo mejor de la franquicia.

Lo peor: Pierde el rumbo completamente respecto a las anteriores entregas, es la violencia por la violencia.

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‘El último emperador’, irregular biopic sobre Pu Yi
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Asier Manrique | 30-09-2016 | 12:54| 0

EL ÚLTIMO EMPERADOR

Título original: The Last Emperor

Año: 1987

Duración: 156 minutos

País: Reino Unido

Director: Bernardo Bertolucci

Guion: Mark Peploe y Bernardo Bertolucci

Música: Ryuichi Sakamoto, David Byrne y Cong Su

Fotografía: Vittorio Storaro

Reparto: John Lone, Peter O’Toole, Joan Chen, Ying Ruocheng, Victor Wong, Dennis Dun,Ryuichi Sakamoto y Cary-Hiroyuki Tagawa

Productora: Columbia Pictures

Género: Biográfico / Drama

Pekín, 1908. China se encuentra en plena decadencia. Pu Yi, un niño de tres años, es arrancado de los brazos de su madre, en medio de la noche, y conducido hasta la Ciudad Prohibida, donde es coronado emperador, pero tendrá que vivir recluido dentro de este recinto inaccesible. (FilmAffinity)

El hecho de haber sido la primera película en ser rodada en la Ciudad Prohibida de Pekín ya es razón para marcar esta película con letras doradas. Además, la vida del último emperador chino, Pu Yi, parece, a simple vista, motivo suficiente como para encontrarnos ante una gran historia cinematográfica.

Fue coronado a los 3 años. Vivió durante casi dos décadas prisionero en la Ciudad Prohibida donde ejercía de emperador de forma interna, aunque China llevara tiempo siendo una república. Fue expulsado y después nombrado emperador títere de Manchuria, durante la ocupación japonesa. Hasta que finalmente fue aprisionado y llegó a terminar sus días trabajando de jardinero.

¿Interesante, verdad? Pues bien, ‘El último emperador’ narra todo eso pero con un ritmo tan irregular que hay partes muy interesantes y otras donde la sensación de que falta algo se apodera de todo. Las escenas de prisión, la apertura y las escenas en la Ciudad Prohibida son magnéticas. En cambio, toda la parte de Manchuria no genera la misma sensación de plenitud.

La potente escenografía, una banda sonora perfectamente cuidada y el detalle en cada plano hacen de la cinta de Bertolucci todo un deleite. Las grandes escenas con la enorme cantidad de extras que manejaron durante el rodaje convierten a la película en algo especial. Las actuaciones son buenas, aunque no lo mejor de la película. A destacar el trabajo del mítico ‘Lawrence de Arabia’, Peter O’Toole.

Si bien, visualmente es potente, pierde en mantener la atención. Una película de casi 3 horas debe ser capaz de mantener el nivel de atención en todo momento. Una historia de las dimensiones colosales de ésta debe ser apasionante de principio a fin. Tanto es así que la propia historia ya da pie a crear una película épica, película que finalmente no es así.

La película fue una coproducción entre China, con colaboración del gobierno comunista del país, que se volcó en la película; Italia; Reino Unido, y Francia. Una película de dimensiones colosales, y que es la cumbre del cine de Bertolucci.

Con todo esto, el filme logró llevarse 9 Óscars, incluyendo el de Mejor película, 3 BAFTA, 4 Globos de oro, 9 David di Donatello, e innumerables premios más. Y, aunque no sea la mejor película posible, merece mucho la pena conocer la historia de este emperador de intensa vida.

Lo mejor: decorado, escenografía y banda sonora.

Lo peor: podría haber dado mucho más de sí.


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Días de Festival 8: ‘American Pastoral’, ‘Ikari’, ‘Yourself And Yours’ y ‘The Odyssey’
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Asier Manrique | 23-09-2016 | 11:35| 0

Y así, como empezó, termina una nueva edición del Festival de San Sebastián. Entre la alegría por poder descansar de una semana intensa de cine y la tristeza por lo divertido que resulta a su vez, he podido ver y comentar 29 películas, 5 más que la pasada edición. En el último día he podido ver las 4 últimas películas de la Sección Oficial que me quedaban por ver. Desde Asia llegan la japonesa ‘Ikari’ y la coreana ‘Yourself And Yours’. El debut de Ewan McGregor como director ha tenido lugar en el Zinemaldia con ‘American Pastoral’. Y, finalmente, la vida e historia de Philippe Cousteau en la francesa ‘The Odyssey’. Un broche de oro a una edición de nivel en el Zinemaldia.

AMERICAN PASTORAL (PASTORAL AMERICANA)

Título original: American Pastoral

Director: Ewan McGregor

Duración: 126 minutos

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker y David Strathairn

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Seymour Levov, el “Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el “Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

Siempre despierta curiosidad el debut como director como un actor de renombre. Ewan McGregor (Lo imposible) es el encargado de realizar ese debut en el Zinemaldia. Su película, ‘American Pastoral’ se ha proyectado en el último día de Festival en un accidentado pase en el que han tenido que intervenir profesionales médicos por una urgencia. Tras evacuar a la persona afectada, ha podido seguir la proyección, que se ha visto detenida por unos instantes.

Pero centrándonos en el filme de McGregor, estamos ante una delicada propuesta que aborda el difícil papel de un padre entregado que ve alejarse a su hija más y más. En medio de la Guerra de Vietnam, con las luchas por los derechos raciales de fondo y con una iniciación política de la joven Merry, McGregor deberá enfrentarse al difícil papel de tener que dejar marchar a su primogénita.

Falla, no obstante, en generar mayor conexión entre personajes. Se olvida de prácticamente todo el elenco para centrarse en el propio McGregor, protagonista total de su función. Su papel de protagonista es uno de los puntos flojos de la película. McGregor no tiene peso suficiente para aguantar un rol tan grande como este.

Reflejo de la familia norteamericana de clase media de los años 40, 50 y 60, y de la sociedad americana en general. La delicadeza es su punto fuerte. Una cinta que se puede consumir perfectamente, pero que no tiene demasiadas opciones a premios.

IKARI

Título original: Ikari

Director: Lee Sang-il

Duración: 142 minutos

Reparto: Ken Watanabe, Ken’ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto y Mirai Moriyama

País: Japón

Género: Drama

Sinopsis: En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

Debo admitir que no soy un gran consumidor de cine asiático. El poco cine de ese continente que he visto ha provenido, en gran medida, de Japón. Al contrario que las películas chinas, que me sumen en un letargo milenario, las películas del país del sol naciente me provocan todo lo contrario, como ha ocurrido con esta ‘Ikari’.

La dosis de cine japonés de este Festival, ha sido de gran factura con ‘Your Name‘ y la película que nos ocupa. En este filme, en especial, encontramos el punto álgido de la última jornada del Zinemaldia 2016. Una película que nos sumerge en un drama de impresiones y prejuicios hacia la gente, de amor y de palabras.

Cuenta con un reparto coral donde destaca sobremanera Satoshi Tsumabuki. Su actuación es desgarradora, consiguiendo convertir sus escenas en las más interesantes de todo el filme. Interpreta a un ejecutivo homosexual que se enamora de un chico al mismo tiempo que debe cuidar de su madre enferma. La de Tsumabuki es una de las 3 historias que narra ‘Ikari‘.

Las otras dos historias se unen a esta mediante una investigación criminal. Por un lado está la historia de un padre (Ken Watanabe) que rescata a su hija de la prostitución y después, ésta, se va con un hombre perseguido por la mafia japonesa. La otra historia es la de una joven pareja que se encuentra a un desconocido en un viaje que realizan a una isla desierta. Cada historia aportará un sospechoso al caso y solo al final se sabrá cuál de ellos es el verdadero asesino.

Tal vez sea este su principal problema, ya que, a pesar de ser uno de los platos fuertes de la Sección Oficial, deja cierta sensación de no hilar del todo bien las 3 historias. Especialmente coja queda la protagonizada por Tsumabuki, que parece una historia totalmente independiente de las demás.

Narración de amor, devoción, entrega, celos, falsas impresiones, dolor, angustia, desgarro, desespero y reconciliación. Una cinta que deja la gran nota positiva de la última jornada del Festival de San Sebastián.

YOURSELF AND YOURS

Título original: Dangsinjasingwa Dangsinui Geot

Director: Hong Sang-soo

Duración: 86 minutos

Reparto: Kim Joo-hyuck y Lee You-young

País: Corea del Sur

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: El pintor Youngsoo se entera de que su novia, Minjung, se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Minjung sale de casa, diciendo que no deberían verse durante algún tiempo. Al día siguiente, Youngsoo va en su busca, pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, en Yeonnam, donde él vive, Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, tiene citas con distintos hombres. Youngsoo vaga por las calles y lucha consigo mismo, que es lo mismo que luchar contra el mundo.

Hay cosas muy curiosas con el cine. De pronto te puedes encontrar con una película de 3 horas que se te pasa volando, y de repente otra de la mitad de duración que se te hace pesada como un documental de leones en la sabana.

La cinta coreana, última a concurso presentada en la Sección Oficial, es uno de estos segundos ejemplos. Pretende ser una comedia (el público se ha reído solo en los 10 minutos finales, y se pueden contar con los dedos de una mano las carcajadas, la señora a mi lado, literalmente, se ha quedado frita), pero no pasa de ser una película simpática y poco más.

Ni los personajes, ni la narrativa, ni los actores despiertan en mi el más mínimo interés. Y su gran virtud está en ser un compendio de sketches que podrían haber funcionado mejor por separado que como una historia conjunta.

El potencial del cine asiático en este Zinemaldia queda en manos de los japoneses, con dos propuestas de gran nivel frente a la irregularidad coreana y china.

THE ODYSSEY (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: L’Odysée

Director: Jérôme Salle

Duración: 122 minutos

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams y Alberto Nicolo’

País: Francia

Género: Aventuras

Sinopsis: El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

El Festival de Cine de San Sebastián cierra con una película sobre Jacques Costeau y su hijo Philippe. Una odisea en el fondo del mar con una bellísima fotografía y un sonoro mensaje ecologista.

El filme francés se deja ver y disfrutar como una nota diferente a la tónica general de la 64 edición del Zinemaldia. Su elección como filme de cierre es un acierto, una película con mensaje y con un punto colorido y positivo para una edición donde ha predominado el negro y la oscuridad.

La historia narra la vida de Philippe, el menor de los hijos del famoso oceanógrafo galo, en su viaje de la niñez a la madurez. Su fascinación por el cine y el trabajo de su padre fue una parte importante de su vida, pero lo que deja más poso es su legado ecologista. El mensaje de protección de la fauna marina y la preservación de los océanos el gran acierto de la película.

La pasada edición terminó con ‘London Road‘ un musical que narra los asesinatos de un grupo de mujeres en un barrio de Londres. Aquella película puede verse hoy como un punto de partida común para lo que ha sido esta edición cargada de cine oscuro y violento. ¿Podrá ser ‘The Odyssey‘ un avance a la temática que predominará en el Festival de San Sebastián 2017?

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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