Diario Vasco
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Autor: eurofan93
Días de Festival 4: ‘Que Dios nos perdone’, ‘Lady MacBeth’, ‘Compte Tes Blessures’ y ‘Porto’
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Asier Manrique | 19-09-2016 | 7:24| 0

Tras un día bastante redondo, llegamos a uno de los días más agridulces de lo que llevamos de Zinemaldia. Mi planning me ha permitido probar dos píldoras de la sección Nuevos Directores, que se unen a las dos propuestas de la Sección Oficial que he añadido a la lista de vistas. El lado de las sombras llega de la sección de Nuevos Directores, la francesa ‘Compte Tes Blessures’ y la última de Anton Yelchin, digo, ‘Porto’, son dos películas que no pasarán a la historia del cine, ni del Festival de San Sebastián. En cuanto a la Sección Oficial añadimos dos películas más a las serias candidatas a premios, la británica ‘Lady MacBeth’ y la española ‘Que Dios nos perdone’.

QUE DIOS NOS PERDONE

Título original: Que Dios nos perdone

Director: Rodrigo Sorogoyen

Duración: 126 minutos

Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Mónica López, Luis Zahera, Rocío Muñoz-Cobo y José Luis García Pérez

País: España

Género: Thriller

Sinopsis: Madrid, verano de 2011. Crisis económica, movimiento 15-M y un millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores Velarde y Alfaro deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie. Esta caza contra reloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

Le sale competencia a ‘El hombre de las mil caras‘ entre las propuestas nacionales en la Sección Oficial. La película de Rodrigo Sorogoyen es una propuesta más cuidada y empacada que la de Alberto Rodríguez. Un thriller que interesa desde el minuto 1 y que no baja en su ritmo en sus 126 minutos de metraje.

Las más de dos horas de película no dejan de ser típicas en el cine policíaco. Podría ser perfectamente un capítulo extendido de una serie procedimental de policías. Y, ya se sabe, no por típica, o arquetípica, deja una cinta de interesar.

El trabajo actoral es encomiable. Antonio De la Torre (La isla mínima) está magnético, pero es su compañero, Roberto Álamo es el que consigue llevarse la mayoría de miradas de los espectadores. Álamo oposita fuerte para llevarse aquí el premio al mejor actor, sin perderle de vista para los Goya. Un reparto ensamblado y en forma para construir una de las películas más previsibles, pero más interesantes, de lo que llevamos de Sección Oficial.

LADY MACBETH

Título original: Lady MacBeth

Director: William Oldroyd

Duración: 89 minutos

Reparto: Florence Pugh, Cosmo Jarvis, Paul Hilton, Naomi Ackie y Christopher Fairbank

País: Reino Unido

Género: Drama

Sinopsis: La Inglaterra rural de 1865. Katherine vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá conseguir lo que desea.

¡Olé tus ovarios! Admito que ‘Lady MacBeth‘ era una película que me daba cierta pereza, está en Sección Oficial y tocaba comentarla, como todas las demás de esta sección. Pero es de estas películas que una vez las ves te enamoran.

La película de William Oldroy es una de esas cintas de ritmo pausado que no decaen en ningún momento. La historia de Katherine es bella, oscura y apasionante. Es tal la belleza de la obra que las atrocidades que el personaje interpretado por Florence Pugh comete se vuelven más tremendas si cabe.

Pugh deja para el Zinemaldia la mejor interpretación femenina hasta el momento, superando a Siedse Babett Knudsen en ‘La doctora de Brest‘. Su actuación es de quitar el hipo. Un retrato frío y calculador de una señora que hace todo lo que sea necesario para poder vivir tal y como le dé la gana.

Si bien sus actos son deleznables, deja un sabor tan intenso a reivindicación de la mujer como un ser humano libre y capaz de vivir sin el yugo de su marido que te lleva a un indudable aplauso. Es la película con mensaje feminista más intenso de lo que llevamos de Zinemaldia en la Sección Oficial, sin caer en el retrato burdo de la mujer de ‘Orpheline‘.

 

 

COMPTE TES BLESSURES (Nuevos Directores)

Título original: Compte Tes Blessures / A Taste Of Ink

Director: Morgan Simon

Duración: 80 minutos

Reparto: Kevin Azaïs, Monia Chokri, Nathan Willcocks, Julien Krug, Selim Aymard y Cedric Laban

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Vincent no ha vivido ni un tercio de su vida, pero ya se ha tatuado la mitad de su cuerpo y ha enronquecido su voz con su banda post-hardcore. Desde que murió su madre, divide su tiempo entre su trabajo haciendo piercings, con el que no es feliz, y su padre pescadero, que está intentando empezar una nueva vida con una mujer más joven. Y eso le está volviendo loco.

La gran cantidad de cine francés que estoy viendo estos días me permite poder comparar entre filmes realmente atrevidos e interesantes como ‘Nocturama‘ o ‘El porvenir‘ y propuestas prescindibles como ‘Orpheline‘. ‘Compte Tes Blessures‘ entra en este segundo grupo.

La primera de las dos películas de Nuevos Directores que puedo ver en este Festival de San Sebastián, por cuestiones de agenda la Sección Oficial lleva prioridad, ha sido una decepción. Aunque siendo sincero, tampoco venía con muchas esperanzas de maravillarme, y, desgraciadamente, el resultado es totalmente inverso al de ‘Lady MacBeth‘. La película se deja ver, pero no deja poso alguno.

La cinta habla de un chico que canta heavy metal, no sé distinguir entre las miles de variantes que tiene el rock duro, lo siento puristas, y que se tatúa su cuerpo casi compulsivamente. Al mismo tiempo se escenifica una lucha padre-hijo donde habrá una mujer en discordia, la actual pareja del padre. En el escenario de reproches que el padre somete al hijo entrará ella, desencadenando todavía más el conflicto entre el hijo y el padre.

Film breve, se agradece, pero que no cuenta nada en sus 80 minutos. Hay miles de películas iguales, con argumentos similares y con mejor resultado.

PORTO (Nuevos directores)

Título original: Porto

Director: Gabe Klinger

Duración: 75 minutos

Reparto: Lucie Lucas, Anton Yelchin, Chantal Akerman, Florie Auclerc-Vialens, Françoise Lebrun, Aude Pépin, Paulo Calatré, Filomena Gigante, Diana de Sousa y Rita Pinheiro

País: Portugal

Género: Drama / Romántico

Sinopsis: Jake y Mati son dos extraños en la ciudad portuguesa de Porto que una vez tuvieron una breve conexión. El misterio en torno a los momentos que compartieron permanece, y en la búsqueda a través de sus recuerdos, reviven las profundidades de una noche sin inhibiciones.

Si ya me resultaba hasta ofensivo que el único argumento empleado para promocionar ‘Port0′ fuese que es la última película de Anton Yelchin (Star Trek), más ofensivo me parece que verdaderamente no haya otro argumento posible para llamar la atención sobre la cinta de Gabe Klinger. Al final será verdad eso de que venden lo que hay, con esta película ocurre eso, al menos.

La cinta, enmarcada en la categoría de Nuevos Directores, es un coñazo de dimensiones enormes. He tenido varios amagos de echarme la siesta durante su proyección, porque la hora invitaba más a ello que a aguantar semejante tostón. Para no quedarme dormido he tenido una pregunta rondando mi cabeza durante casi toda la película, ¿a quién se parece Anton Yelchin? La respuesta me ha llegado cuando quedaban 15 minutos para terminar, a Paul Bettany (Vengadores. La era de Ultrón), en esta película son clavados.

La historia no interesa absolutamente nada. Los personajes y el guion no consiguen meter al espectador en la trama. Ves lo que les pasa y te importa un bledo. Podrían robarles una de las cajas con libros que suben del coche al piso en una secuencia del filme y seguiría sin importarte lo más mínimo.

Pero es que en este escenario de sinsentidos Klinger trata de ponerse interesante empleando distintos aspectos de imagen, ya saben, eso de la pantalla cuadrada y ancha. De nuevo, como me ocurría con la china I Am Not Madame Bovary, no entiendo el uso de este recurso. Incluso, en la china podría llegar a entender la diferencia de los distintos aspectos según el estado de ánimo, momento y lugar. Aquí pierde todo el sentido, porque las escenas a futuro se narran con la pantalla en formato cuadrado, y las del presente, o pasado, en pantalla panorámica. Una tontería pretenciosa que trata de hacer de la película algo más interesante y no lo consigue. Deberían aprender de Xavier Dolan (Yo maté a mi madre), él sí entiende cómo hay que utilizar este recurso dentro de una película.

La puntuación únicamente es porque la película va dedicada a Anton Yelchin, el momento de pantalla en negro con la frase “To Anton” es lo mejor de la película, imagínate. Y también porque, aunque sea un pestiño tremendo, no te mienten al promocionarla, en ningún momento te venden la propia peli, sino que es la última del recientemente fallecido Anton Yelchin.

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Días de Festival 3: ‘Nocturama’, ‘The Giant’, ‘On The Milky Road’ y ‘El porvenir’
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Asier Manrique | 18-09-2016 | 7:54| 0

Tercera jornada del Festival de Cine de San Sebastian 2016. La Sección Oficial sigue mostrando sus candidatas a llevarse los principales premios. En este tercer día hemos podido ver ‘Nocturama’, una película francesa sobre el terrorismo y los millennials, y desde Suecia llega ‘The Giant’, una propuesta que pretende remover conciencias sobre el trato recibido por personas con algún tipo de minusvalía mezclando fantasía y realidad. El 18 de septiembre ha dado para mucho, tanto como para poder ver dos de las propuestas de la sección Perlas, que muestra lo mejor que ha pasado por otros festivales de cine y que aquí opta al premio del público. Perlas ha regalado en el día de hoy cintas como ‘On The Milky Road’,  tragicomedia ambientada en la guerra de los Balcanes, y ‘El porvenir’, cinta francesa que aboga por la reinvención de la mujer.

NOCTURAMA

Título original: Nocturama

Director: Bertrand Bonello

Duración: 130 minutos

Reparto: Vincent Rottiers, Finnegan Oldfield, Jamil McCraven, Hamza Meziani, Manal Issa, Laure Valentinelli, Adèle Haenel, Luis Rego y Hermine Karagheuz

País: Francia

Género: Thriller

Sinopsis: Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza…

Bertrand Bonello plantea una curiosa reflexión sobre el terrorismo y los millennials en una película a caballo entre el cine de festivales y comercial. Con imágenes potentes, puede ser la esperanza de los espectadores menos cercanos al cine comercial dentro de la Sección Oficial.

La cinta comienza con media hora de silencio de los protagonistas deambulando por París. Aunque se vislumbra lo que va a ocurrir, consigue llegar a sorprender por su intensidad narrativa. También juega a su favor el hecho de tener muy próximos los atentados recientes en Francia.

El trabajo actoral, si bien sencillo, es bueno, algo complicado de encontrar en una película protagonizada por adolescentes. Son estos adolescentes los que plantean el principal dilema de la cinta, ¿hay algún motivo para hacer lo que hacen o es simplemente reivindicarse como individuo de la peor de las formas? Además de ser ellos, sus personajes, el principal azote para la sociedad francesa y occidental. Bonello plantea la cuestión de que el terrorista puede ser cualquiera desde el chico árabe a un niño bien con corbata y aspiraciones a político. Todo un tortazo que Bonello da a los espectadores.

La película se divide en dos mitades: preparación de los atentados y grandes almacenes. La primera mitad es enigmática y mete al espectador en una duda constante sobre lo que está viendo. La segunda mitad sorprende más a pesar de ser más típica. El uso de la música y la deriva de los personajes son su gran fuerte.

Película muy disfrutable que divide al público entre los que se sienten fascinados y los que no han reaccionado al tortazo que Bonello plantea. El Victoria Eugenia tardado en arrancar en aplausos, igual que ocurría con ‘High-Rise‘ en la pasada edición.Gran película con opciones a los premios.

THE GIANT

Título original: Jätten

Director: Johannes Nyholm

Duración: 90 minutos

Reparto: Christian Andrén, Johan Kylén, Anna Bjelkerud, Linda Faith, Niclas Fransson, Moa Malan, Stina Elinderson, Martin Högdahl, Stig Rehncrona, Daniel Presuttis, Bengt Carlsson, Tobias Åkesson, Pia Edlund, Lasse Dithmar, Lars Refn y Archana Khanna

País: Suecia

Género: Drama

Sinopsis: Rikard es un autista con deformidades graves que fue separado de su madre al nacer. Treinta años despues, está convencido de que su madre volverá con él si gana el campeonato de petanca de Escandinavia. Su frágil físico y un entorno hostil y criticón no van a conseguir pararlo. Además, cuenta con la ayuda de un gigante de 60 metros…

El cine sueco tiene su presencia en la Sección Oficial de la mano de ‘The Giant’ de Johannes Nyholm. Se trata de una propuesta alegórica, a caballo entre la fantasía y la realidad.

Rikard y su madre parecen conectados por un gigante con la forma de él. Poco a poco, sus vidas e historias se van entrelazando con el gigante como nexo de unión. Rikard, un máquina de la petanca, busca su lugar en el mundo expresándose a través de este deporte, mientras su madre vive aislada, víctima de la psicosis que padece.

La cinta sueca navega entre la denuncia social por el trato que reciben las personas con algún tipo de minusvalía o enfermedad y el espíritu de superación evocando en esa figura del gigante de los sueños de Rikard. La película consigue emocionar en algunos pasajes, pero se trata de una emoción más bien contenida. Falta explotar mejor este factor.

Buena película, que sumada a ‘Nocturama‘ nos deja, de momento, el mejor día en cuanto a la Sección Oficial. Dos grandes candidatas a llevarse sendos premios o en convertirse en placeres culpables de crítica y público.

ON THE MILKY ROAD (Perlas)

Título original: Na Mlijecnom Putu

Director: Emir Kusturica

Duración: 125 minutos

Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan y Maria Darkina

País: Serbia

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: Primavera en tiempo de guerra. Cada día un lechero cruza el frente en un burro, esquivando balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Tocado por la buena fortuna en su cometido y amado por una bella lugareña, un apacible futuro parece aguardarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana pone su vida patas arriba. Así comienza una historia de amor apasionado y prohibido que sumergirá a ambos en una serie de fantásticas y peligrosas aventuras. El destino les ha alcanzado y nada ni nadie parece capaz de detenerles…

Película de mitades. Se puede dividir en una primera parte donde vemos más la parte de la guerra y cómo se van fraguando las relaciones entre los personajes. Todo ello plagado de buena música, la antigua Yugoslavia es una delicia para los melómanos, y de una fotografía que quita el hipo, los bellísimos paisajes de los Balcanes se prestan a la labor.

En cambio, la película torna en una segunda mitad espesa, aburrida y lenta donde se repite todo en bucle una y otra vez. Es la huída constante hacia la libertad sin renunciar al amor. Película que navega entre lo irónico y absurdo y donde tanta fantasía termina por hacerse realmente pesada.

No consigue despertar el suficiente interés, y el que despierta se lo carga en esa segunda mitad tediosa. Una película de mitades que, por esto mismo, se lleva la mitad de puntos posibles.

EL PORVENIR (Perlas)

Título original: L’avenir / Things To Come

Director: Mia Hansen-Løve

Duración: 102 minutos

Reparto: Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon y Marion Ploquin

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, antiguos alumnos y su madre, una mujer muy posesiva. Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Nathalie se verá obligada a llevar a la práctica sus teorías sobre la libertad y reinventar su vida.

Nuevo ejemplo de cine francés en el Festival de Cine de San Sebastián, y van unos cuantos. La cinta de Mia Hansen-Løve es una película sobre aprender a afrontar la soledad. Saber envejecer y reinventarse para estar al día son las principales pretensiones de la película gala mostrada en la sección Perlas del Zinemaldia.

Mezclando con acierto la potente carga dramática con pequeños momentos de humor, ‘El porvenir’ es una cinta recomendable, pausada y amena sobre una mujer que, de la noche a la mañana, ve su vida cambiada por completo. La infidelidad de su marido, su devoción por el trabajo y la literatura, la marcha de sus hijos de casa… son algunos de los aspectos vitales que tendrá que afrontar el personaje de Isabelle Huppert para poder volver a ser feliz como antes.

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Días de Festival 2: ‘El hombre de las mil caras’, ‘I Am Not Madame Bovary’, ‘The Oath’ y ‘Vivir y otras ficciones’
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Asier Manrique | 17-09-2016 | 10:57| 0

Segundo día de Zinemaldia y la lluvia sigue acompañándonos a los cinéfilos entre película y película. En esta segunda jornada hemos podido ver 4 películas de la Sección Oficial muy diferentes, pero cargadas todas ellas de una crítica política y social considerable. Desde las corruptelas de ‘El hombre de las mil caras’ al papel de los padres en la educación de sus hijos en ‘The Oath’, pasando por el drama del divorcio en clave de poesía oriental en ‘I Am Not Madame Bovary’ y la búsqueda de felicidad en ‘Vivir y otras ficciones’. Todas ellas mejoran el nivel medio mostrado en el primer día y nos dejan con ganas de más cine.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Título original: El hombre de las mil caras

Director: Alberto Rodríguez

Duración: 123 minutos

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura y Emilio Gutiérrez Caba

País: España

Género: Thriller

Sinopsis: El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

La película de Alberto Rodríguez (La isla mínima) ha llegado a San Sebastián con mucho predicamento. En general el público ha recibido bien a la película con sendas ovaciones en sus dos pases en el día de hoy. La película se presta al interés del público, aunque cae en vaguedades y errores que lastran el resultado final.

Rodríguez da el paso de contar una de las historias más tremendas que España vivió a mediados de los años 90. La gota que terminó por colmar el vaso del Gobierno de Felipe González fue el caso de Luis Roldán, aquí detallado. La película se atreve a meter ciertos personajes públicos como Juan Alberto Belloch, entonces superministro de Justicia e Interior y, posteriormente, alcalde de la ciudad de Zaragoza durante 12 años. Pero termina sin implicar realmente a actores políticos de renombre que tomaran parte en las negociaciones, negociaciones que “jamás” existieron.

La indefinición política, por no querer meter la pata, tal vez, también se sufre en un indefinición generalizada entre los personajes. Tenemos los actores principales, Roldán, Paesa, Camoes, la mujer de Roldán, Belloch… pero desconocemos cómo llegan hasta ahí, por qué están ahí y qué les une entre ellos. Especialmente resaltable es la nula explicación de la relación entre Paesa y Camoes. No sabemos qué une a los personajes interpretados por Eduard Fernández (Lejos del mar) y José Coronado (El Cuerpo), cómo se llegan a conocer y qué beneficio saca, especialmente Camoes, de su relación con Paesa.

Obviando estos aspectos, nos encontramos ante un thriller disfrutable, aunque peca de largo. La primera hora fluye bien, y la segunda se divide en unos 40 minutos donde el ritmo general se ralentiza demasiado, y unos 10 minutos finales donde vuelve a remontar. Buena elección de la música, buena calidad técnica.

I AM NOT MADAME BOVARY

Título original: Wo Bu Shi Pan Jinlian

Director: Xiaogang Feng

Duración: 128 minutos

Reparto: Fan Binbing, Guo Tao, Da Peng y Zhang Jiayi

País: China

Género: Comedia

Sinopsis: Li Xuelian y su marido Qin Yuhe montan un falso divorcio para obtener un segundo apartamento. Seis meses después, Qin se vuelve a casar con otra mujer. Llena de ira, Li presenta una demanda que pierde, porque el divorcio cumplía con los procedimientos legales. Y además Qin la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Una década después, sin que el matrimonio ni su reputación se hayan restaurado, Li viaja a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo para completar su absurdo periplo de diez años por el hijo que no tuvo.

Se ha puesto de moda esto de jugar con la relación de aspecto. Xavier Dolan (Yo maté a mi madre) lo utilizó con coherencia y sentido en ‘Mommy’, pero aquí es más un recurso estético que propio del relato. Tenemos la pantalla en círculo prácticamente todo el tiempo, combinándolo con la pantalla cuadrada (1:1) en las escenas en Pekín y los últimos minutos de la cinta en la pantalla ancha a la que tan acostumbrados estamos.

La película china, firmada por Xiaogang Feng, es un ejemplo más de la cadencia y ritmo lento del cine chino. Las escenas se prolongan mucho, las transiciones son pausadas y los movimientos de cámara son lentos. No es que una película con este ritmo sea mala, no, es que el espectador occidental medio no está acostumbrado a esta manera de relatar una película.

Se puede enmarcar a ‘I Am Not Madame Bovary’ como comedia por algún que otro puntazo que tiene en sus más de dos horas de metraje. Consigue dibujar la sonrisa en el espectador y sacar alguna que otra carcajada tímida. La misma idea en manos de un realizador occidental hubiese ganado en ritmo y comicidad. Así y todo, la única propuesta china en la sección oficial supera con creces la propuesta del mismo país que el año pasado se proyecto, Back To The North, aquella sí que invitaba a echar una buena siesta.

THE OATH

Título original: Eiðurinn

Director: Baltasar Kormákur

Duración: 110 minutos

Reparto: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gísli Örn Garðarsson, Margrét Bjarnadóttir, Auður Aradóttir, Guðrún Sesselja Arnardóttir, Þorsteinn Bachmann y Ingvar Eggert Sigurðsson

País: Islandia

Género: Drama / Thriller

Sinopsis: Finnur es un cardiocirujano de éxito y tiene dos hijos. Su vida familiar empieza a complicarse cuando su hija Anna inicia una relación con un traficante de drogas muy manipulador. Como el control del novio sobre Anna y sobre toda la familia es cada vez más estrecho, Finnur se ve obligado a tomar medidas drásticas.

La dósis islandesa en el 64 Festival de San Sebastián recuerda demasiado a ‘Prisioneros’, película que también se presentó en su momento en Donostia.  Su planteamiento es su gran piedra en el camino, ya que no sorprende por ningún lado. Thriller típico y con un esquema también típico que poca novedad aporta al mundo del thriller.

En cambio su gran potencial viene de ser una película rodada en Islandia. Este país, tan de moda en televisión por ‘Juego de Tronos’ y ‘Sense8′, enamora con cada plano. La fotografía es espectacular, quita el hipo y se convierte en un personaje más de la película.

‘The Oath’ navega entre lo típico y lo previsible. Impregna todo el guion de giros altamente violentos, ilustrando el cambio de actitud del padre sobreprotector de su hija. La película de Baltasar Kormákur, director y protagonista de la cinta, plantea el complicado dilema para los padres de hasta qué punto el destino de sus hijos les pertenece. Que cada uno saque las consecuencias que quiera al verla.

VIVIR Y OTRAS FICCIONES (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Vivir y otras ficciones

Director: Jo Sol

Duración: 81 minutos

Reparto: Pepe Rovira, Antonio Centeno, Arántzazu Ruiz y Ann Perelló

País: España

Género: Drama

Sinopsis: Pepe ha salido del psiquiátrico tras cumplir condena por robar para trabajar. Su necesidad de encajar en un mundo sin sentido se convierte en una tarea desesperada. Antonio, escritor tetrapléjico, lucha por el derecho al acceso al propio cuerpo y por la sexualidad de las personas con diversidad funcional, despertando los prejuicios de su entorno más cercano. La amistad entre Antonio y Pepe interpela nuestra mirada sobre la vida y nos invita a reconocernos como anomalía.

En este día de reivindicaciones en la Sección Oficial, no podía faltar el grito de “aquí estamos, somos personas como todos los demás” de la película de Jo Sol. El filme catalán consigue meter al espectador en ese mundo de una persona tetrapléjica y un hombre que ha salido del psiquiátrico y buscan su lugar en el mundo.

La película lo que relata, básicamente, es la búsqueda de la felicidad por parte de sus protagonistas. No se trata de una búsqueda material. No intentan tener una casa más grande, ni más dinero. La búsqueda de la felicidad puede venir de algo tan cotidiano como que te hagan una paja o poder cantar una canción. Y este es el mensaje que Pepe Rovira y Antonio Centeno transmiten mejor, el de que vivir es cosa de pequeñas cosas que hacen  que nos sintamos humanos.

La cinta navega entre los momentos tragicómicos y la emoción absoluta. Especialmente intensas son las escenas donde Pepe Rovira aguanta la cámara mientras suena la música. De nuevo, también, pocos medios, pero un momento que consigue condensar con gran acierto la emoción que requiere esta historia.

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Días de Festival 1: ‘La doctora de Brest’, ‘Orpheline’ y ‘Manda huevos’
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Asier Manrique | 16-09-2016 | 8:27| 0

Había muchas ganas de volver al Festival de Cine de San Sebastián. Tras una primera experiencia en 2015 llena de grandes recuerdos no podía faltar en esta ocasión tampoco a uno de los eventos más importantes de nuestra ciudad. De nuevo me presento en el Festival de San Sebastián con ganas de repasar las películas de la Sección Oficial y alguna que otra joyita que pueda caer de Perlas y Nuevos Directores.

LA DOCTORA DE BREST

Título original: La Fille De Brest / 150 milligrams

Directora: Emmanuelle Bercot

Duración: 128 minutos

Reparto: Sidse Babett Knudsen y Benoît Magimel

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Basada en el libro Mediator 150 mg., de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

La película de apertura del 64 Festival de San Sebastián es un arranque positivo con lo mejor y lo peor del cine francés. Con cierto aire a TV movie, la cinta gala explora el complicado mundo de las farmacéuticas y la lucha que unos pocos valientes emprenden contra ellas.

Robando el protagonismo al resto del elenco, la danesa Sidse Babett Knudsen, a la que hemos visto en la serie ‘Borgen’, se hace con la película, ganando el favor del público y buscando la complicidad dentro de una trama complicada. Son, precisamente, los momentos más distendidos, en manos de Knudsen, los que hacen grande a la película.

La propia lucha contra las farmacéuticas deriva en un recorrido previsible que no despierta el suficiente interés entre el público. Absténganse de verla personas que se impresionen fácil al ver vísceras, órganos, cuerpos, sangre… ya saben.

En definitiva, una película correcta, interesante de ver y con subidas y bajadas. Lo mejor y lo peor del cine francés condensado en dos horas de película que no se hacen pesadas, pero que tampoco se quedarán en la memoria del espectador.


ORPHELINE

Título original: Orpheline / Orphan

Director: Arnaud des Pallières

Duración: 111 minutos

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar y Rayan Rabia

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Cuatro momentos en las vidas de cuatro personajes femeninos. Una niña que vive en el campo y cuyo juego del escondite se convierte en tragedia. Una adolescente atrapada en una interminable sucesión de huidas, hombres y contratiempos, porque cualquier cosa es mejor que su desolado hogar familiar. Una joven que se muda a París y roza el desastre. Y finalmente una mujer adulta de éxito que se pensaba a salvo de su propio pasado. Poco a poco estos personajes se unen para formar una sola protagonista.

Cuatro historias y ninguna me mueve más que el dolor y el sufrimiento. Bien dirigida y bien actuada, pero complicada de resistir. Es una película desasosegante, dura, cruel y directa.

Película de festival, que puede tener predicamento en círculos más minoritarios, pero complicada de salir de ahí. Su narración no ayuda nada. Se hace complicada, dura, difícil y pesada. Las historias no capturan y así es imposible interesarse por la cinta.

La película cuenta con un reparto femenino de excepción, pero también destaca el catalán Sergi López (Un día perfecte per volar), que no falta a su cita habitual con el Festival de Cine de San Sebastián.

Ningún aplauso en el pase de prensa.

 

 

MANDA HUEVOS (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Manda huevos

Director: Diego Galán

Duración: 95 minutos

País: España

Género: Documental / Comedia

Sinopsis: Manda huevos sería la lógica prolongación del documental ‘Con la pata quebrada’. Utilizando sólo fragmentos de películas, Con la pata quebrada intentó sintetizar con ritmo narrativo y buen humor cómo el cine español había representado a la mujer española desde los años 30 hasta nuestros días y, con ello, su evolución en la sociedad. Del mismo modo, con similar tratamiento, cabe contar cómo las películas españolas han contemplado al varón español, o al menos a ciertos prototipos. Lo que quedará esbozado finalmente es un retrato sociológico desde la posguerra hasta el presente, o lo que es lo mismo, el reflejo de una parte significativa de la historia de nuestro país.

Para cerrar la primera jornada, la última de las proyecciones de la Sección Oficial correspondientes a este día. ‘Manda huevos’ es una película para verdaderos amantes del cine. Llena de multitud de escenas sacadas de películas españolas de todas las épocas, la cinta de Diego Galán, otrora director del Zinemaldia, es un deleite para los amantes de la ironía.

Pero, sobre todo, es una forma de retratarse a uno mismo lo que muestra Galán en su documental.  Se trata de un documento que retrata lo absurdo y tonto del cine de la dictadura, del cambio radical con el paso de los años y del empleo del humor para caricaturizarlo todo. Seña de identidad, ésta última, de la sociedad española.

No nace con pretensión de ser un documental sesudo y definitivo sobre el cine español y el papel del hombre en él, nace con la pretensión de que el espectador quede ojiplático.

En comparación a ‘Orpheline’, y con el Teatro Principal sin llenar en el pase de prensa, ha recibido bastantes más aplausos.

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‘Café Society’, refinado y mordaz
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Asier Manrique | 09-09-2016 | 11:07| 0

CAFÉ SOCIETY

Título original: Café Society

Año: 2016

Duración: 96 minutos

País: Estados Unidos

Director: Woody Allen

Guion: Woody Allen

Fotografía: Vittorio Storaro

Reparto: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Jeannie Berlin, Ken Stott, Anna Camp, Gregg Binkley, Paul Schneider, Sari Lennick y Stephen Kunken

Productora: Amazon Studios

Género: Comedia / Romántica

Los Ángeles, años 30. En la meca del cine, el joven recién llegado Bobby Dorfman, sobrino de un poderoso agente y productor de Hollywood, se enamora de Vonnie, la guapa secretaria de su tío Phil. (FilmAffinity)

Woody Allen vuelve en estado de gracia con una película donde demuestra de nuevo su capacidad para narrar historias cotidianas llenas de mordacidad, pero sin perder el refinamiento.

‘Café Society’ es una rara avis en el cine actual. Las comedias han pasado a ser bastas y toscas, pero Allen consigue mantener ese aire refinado que hace grande a esta película. Ocurre algo similar a lo que pasaba en El gran hotel Budapest de Wes Anderson. Se agradecen las comedias que no toman al espectador por idiota y tratan de hacer reír con el típico “caca, pedo, culo, pis”.

La película es una comedia adulta, para gente con cierta edad y que disfruta de una historia madura y amable. Amable, a pesar de retratar a lo peorcito de la alta sociedad estadounidense de finales de los 30. Personajes variopintos, excéntricos y deslumbrantes a pesar de su oscuro fondo y forma. Grandes estrellas de Hollywood rodeadas de glamour y de apariencia. Gángsters de corbata, ejecutivos de dudosa moral y la sociedad que no para de aparentar.

Al igual que ocurría en la cinta de Anderson, Allen construye un relato muy básico, sin necesidad de grandes escenarios o derroches creativos. Se trata de una historia de un amor no correspondido y del fuego que quedó de lo que pudo haber sido y no fue. A caballo entre Nueva York y Hollywood y con un abanico de personajes disparatados.

Jesse Eisenberg (Ahora me ves), consigue llevar bien el peso del protagonista. Tiene esa vis cómica que recuerda mucho al propio Woody Allen. En frente tiene a Steve Carell (Pequeña Miss Sunshine), siempre en forma, y Kristen Stewart, que no me convence por su frialdad y pasotismo en cada toma.

El ritmo de la película va en ascenso. Después de un comienzo dubitativo, pasa a mostrarnos un tercio final muy en forma y altamente entretenido, sobre todo gracias al hermano mafioso del protagonista. Pequeños gags y chistes escondidos en un guion sencillo y fácil de seguir.

Si eres de los espectadores que disfrutan de comedias más trabajadas, menos simplonas, esta es tu película. Un Woody Allen con el mejor toque personal, en plena forma y con fuerza para seguir contando más historias como las de este café que bien merece la pena una entrada de cine.

Lo mejor: es humor de alta clase, refinado y mordaz, sin zafiedades y tosquedades.

Lo peor: Kristen Stewart.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.