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Categoría: Ciencia ficción
‘La llegada’, ciencia ficción del más alto nivel

LA LLEGADA

Título original: Arrival

Año: 2016

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

Director: Denis Villeneuve

Guion: Eric Heisserer (basado en el relato de Ted Chiang)

Música: Jóhann Jóhansson

Fotografía: Bradford Young

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien, Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen,Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann y Andrew Shaver

Productora: Paramount / 21 Laps Entertainment

Género: Ciencia ficción / Drama

Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre. (FilmAffinity)

Denis Villeneuve lleva una carrera imparable, demostrando ser uno de los grandes directores de hoy día con películas como ‘La llegada’, su último gran triunfo. Filme filosófico con la dosis justa de ciencia ficción y la fuerza narrativa que sólo un director como Villeneuve puede darle.

Estamos ante un gran ejemplo de lo que es la ciencia ficción como género. Hay quien entiende este tipo de películas como una forma de enseñar alienígenas, monstruos, planetas, naves espaciales, etc. pero nada más lejos, es una vía para contar inquietudes y necesidades humanas que no encajan dentro de los parámetros habituales del resto de géneros.

En ‘La llegada’ se plantea la paradoja de qué ocurriría si el ser humano pudiera controlar el tiempo. El tiempo como una dimensión más es imposible de manejar para los humanos, de ahí que plantearnos el dilema de qué haríamos si conociéramos lo que va a pasar en un futuro. ¿Cambiaríamos algo o lo dejaríamos todo igual?

Aprovechándose del lenguaje más puro de la ciencia ficción, Villeneuve crea una atmósfera asfixiante y potente. Visualmente apabullante, ‘La llegada’ es una cinta sobresaliente, que vuelve a dotar de una nueva dimensión a un género que necesitaba volver al tono más clásico para encontrarse con su auténtica esencia.

Estamos ante una película bien construida, bien llevada y bien actuada. Amy Adams (Batman v. Superman: El amanecer de la justicia) hace suyo el papel principal y lo exprime sacándole todo el jugo. Un personaje rico en matices y que es el alma de la cinta. Así mismo, no desentonan Forest Whitaker (Rogue One: Una historia de Star Wars) y Jeremy Renner (Capitán América: Civil War), en papeles secundarios.

Contada de forma no lineal, ‘La llegada’ llama la atención desde su propia narrativa. El espectador se verá inmerso en una historia que no pierde el tiempo en explicaciones vacías y que opta por hacer al espectador el narrador de una historia que se puede entender de muy diversas formas.

Otra de las virtudes, y posiblemente la más grande, está en que narra asuntos muy complejos de una forma muy sencilla. No toma al espectador por idiota para colarle temas de una manera infantil.

Realmente merecidas las nominaciones recibidas por el filme, aunque no opta a más que aquellas en los apartados técnicos. Hollywood no se ha caracterizado por premiar a las cintas de ciencia ficción, por lo que las opciones de la película de Denis Villeneuve se ven mermadas, a pesar de no desmerecer en ningún caso su presencia en la carrera final por los premios gordos.

Lo mejor: narra conceptos muy complejos de una forma fácilmente comprensible y sin necesidad de tomar al espectador por idiota.

Lo peor: el espectador del siglo XXI podría no estar acostumbrado a una película de ciencia ficción que sigue la estela de los grandes del género de los años 70, 80 y 90.

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‘Passengers’, la química entre Lawrence y Pratt traspasa la pantalla

PASSENGERS

Título original: passengers

Año: 2016

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

Director: Morten Tyldum

Guion: Jon Spaihts

Música: Thomas Newman

Fotografía: Rodrigo Prieto

Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García y Julee Cerda

Productora: Columbia Pictures / Lstar Capital / Village Roadshow Pictures / Original Film / Company Films / Start Motion Pictures

Género: Ciencia Ficción / Drama / Aventuras / Romántico

Una nave espacial, que viaja a un planeta lejano transportando miles de personas, tiene una avería en una de las cápsulas de hibernación tras el impacto con un gran meteorito. Como resultado, un pasajero se despierta 90 años antes del final del viaje. (FilmAffinity)

Cuando vas a ver una película y la pareja protagonista tiene la química que tienen Jennifer Lawrence (X-Men: Primera generación) y Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia) sales del cine con una satisfacción enorme. Ellos dos consiguen hacer un 90% de la película, y es de agradecer, ya que un filme con tan poco personaje, básicamente se limita a ellos dos, debe conseguir que sus protagonistas se entiendan y hagan partícipe de esa química al espectador. Objetivo cumplido.

Poniéndonos en situación, ‘Passengers’ se presenta como uno de los filmes de cabecera de la cartelera de ciencia ficción de esta temporada. Habrá unas cuantas opciones de ver películas del mismo género, puede que mejores o puede que peores, pero ¿hechas con el mimo y la sobriedad de ‘Passenger’? Permíteme que lo dude. El filme de Morten Tyldum cumple bien y nos trae la enésima historia reciente sobre personajes perdidos en el espacio o un lugar similar.

Con una Jennifer Lawrence siempre perfecta, esta chica va camino de superar a Meryl Streep (El cazador), la parte donde ella hace acto de presencia desata todo el conflicto y dota a la película de mucha más dimensión que con Chris Pratt en solitario. Pratt soporta bien sobre sus hombros el papel de protagonista, es atractivo, buen actor y se cree su papel, pero ella, una vez más, consigue hacer pequeño a su interlocutor con un recital de interpretación de quitarse el sombrero.

La historia puede tener sus errores científicos. He leído por ahí críticas que hablan de lo que puede o no pasar cuando un motor de una nave así se detiene o cuando no hay gravedad, etc. Esto es ciencia ficción, o sea, cine. Poniéndonos quisquillosos se le podría sacar punta hasta a los títulos de crédito, pero hay que saber diferenciar entre lo que es la ciencia de verdad y lo que es entretenimiento puro y duro. ‘Passenger’ ofrece grandes dosis de lo segundo, convirtiéndose en una película de dos horas que se pasa volando.

En otras críticas, esta vez de críticos de cine, con los que apenas coincido, hablan de que la película es una apología del hombre acosador. Pongo en antecedentes. El personaje de Chris Pratt es el primero en despertarse, y después de mucho tiempo en soledad decide, por su cuenta y riesgo, despertar a una pasajera, Jennifer Lawrence. Algunos analistas entienden que esta obsesión que Pratt desarrolla hacia Lawrence y su acto de despertarla, condenándola a morir, es acoso y maltrato. Miren señores, no. La película no trata del maltrato ni del acoso ni de nada parecido, Tyldum nos presenta una reflexión sobre la necesidad que los seres humanos tenemos de interactuar entre nosotros. La soledad buscada, nunca es total, y mucho menos lo es si esa soledad es forzada como le pasa a Pratt. ¿Que su acto es deleznable?, por supuesto, pero eso no quita que lo haya hecho con todo el amor del mundo.

Y es aquí, en el amor, donde la película flojea más. Su parte más de ciencia ficción es más interesante, el tira y afloja entre Lawrence y Pratt hace saltar chispas, pero el final edulcorado y de comedia romántica no se sostiene con el tono general. Bien es cierto que si no da ese giro sería como ver un ‘Titanic’ en el espacio, pero tampoco hace falta endulzar tanto un final.

En definitiva, ‘Passengers’ es un entretenimiento intenso y veloz de dos horas con una de las parejas protagonistas más entregadas y conectadas de los últimos años. Solo por ver la conexión y química entre Chris Pratt y Jennifer Lawrence merece la pena ver esta nueva película de ciencia ficción que ha llegado a nuestras pantallas. Ah, y en cuanto a los efectos visuales, son espectaculares, pero en ningún caso se hacen excesivos, están medidos y puestos en funcionamiento como se deben poner, para acompañar al relato y no para ser el relato.

Lo mejor: la química entre Chris Pratt y Jennifer Lawrence, saltan chispas.

Lo peor: flojea cuando más se aleja del cine de ciencia ficción.

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‘Rogue One: Una historia de Star Wars’, la sensación de que algo falta flota en el ambiente

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

Título original: Rogue One: A Star Wars Story

Año: 2016

Duración: 133 minutos

País: Estados Unidos

Director: Gareth Edwards

Guion: Chris Weitz y Tony Gilroy

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Greig Fraser

Reparto: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, Jiang Wen, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk, Riz Ahmed, Jonathan Aris, Jimmy Smits,Alistair Petrie, Genevieve O’Reilly, Valene Kane y Warwick Davis

Productora: The Walt Disney Company / Lucasfilm

Género: Ciencia ficción / Acción / Bélico

El Imperio Galáctico ha terminado de construir el arma más poderosa de todas, la Estrella de la muerte, pero un grupo de rebeldes decide realizar una misión de muy alto riesgo: robar los planos de dicha estación antes de que entre en operaciones, mientras se enfrentan también al poderoso Lord Sith conocido como Darth Vader, discípulo del despiadado Emperador Palpatine. Film ambientado entre los episodios III y IV de Star Wars. (FilmAffinity)

La narrativa de ‘Star Wars’ tiene la peculiaridad de que pasa de contar los episodios 4, 5 y 6  a contar los 1, 2 y 3, para luego traernos la 7 y ahora sacarse de la manga un episodio intermedio entre el 3 y el 4. Todo muy raro, pero bueno, se puede seguir bien. En este episodio 3,5 nos cuentan cómo se robaron los planos que permitieron poder atacar la Estrella de la Muerte en el Episodio IV.

Ante la perspectiva de que se trata de una historia menor en la saga, ‘Rogue One’ no consigue disipar esa sensación en toda la cinta. Parece que algo falta o falla y eso flota en el ambiente durante las más de dos horas de película. Sigue lastrando la narrativa y convirtiendo a la cinta en lo que se esperaba desde un principio, algo que interesa a los fans y poco más.

La factura técnica es impecable, tal vez hasta más cuidada que la de El despertar de la fuerza. Además de ello, se nutre de un mejor grupo de actores que la cinta dirigida por J.J. Abrams, ya que cuenta entre sus actores con verdaderos pesos pesados como Felicity Jones (Un monstruo viene a verme), Mads Mikkelsen (Casino Royale) o Forest Whitaker. Todos ellos conforman, junto a Diego Luna y compañía el reparto de una cinta que tenía la obligación de destacar aun con todo en contra.

¿Pero es que no destaca por nada? Para nada. ‘Rogue One’ tiene la gran virtud de contener dos momentos muy potentes en su cinta. El primero de los momentos, también el segundo, tiene que ver con el personaje de Darth Vader, que apareciendo menos de 10 minutos en toda la película consigue hacerse con el protagonismo absoluto. Ese primer momento al que hacía referencia tiene que ver con un Vader que se muestra por primera vez, en un entorno donde nos queda claro que es el malo malísimo e impone.

Pero si te pensabas que esa primera aparición de Vader imponía, no es menos el segundo. El final, cuando entra en acción, es lo mejor de toda la película. Unos pocos minutos de un Vader en acción, cruel, sanguinario y masacrando todo lo que encuentra por delante. Es el malo que impactó y cautivó en las entregas originales de la saga.

Es en el personaje antagónico principal donde se encuentra la virtud mayor de la película. Respecto a todo lo demás, hablamos de una película que adolece de falta de ritmo, con un inicio totalmente pausado y aburrido y un final más apoteósico pero donde no consigue despertar nunca el interés de entregas previas.

Creo que todos coincidimos en que la existencia de ‘Rogue One’ podría haberse evitado, pero existiendo tampoco molesta. Es una cinta más, mejor que otras de la saga, pero que sigue siendo un capítulo menor en una saga de dimensiones demasiado grandes para esto. La criatura queda reducida por lo grandioso de este universo que creó George Lucas a finales de los años 70. Aun así, tiene la virtud de servir bien de bisagra, es una pieza que encaja bien en el puzzle.

Lo mejor: Darth Vader, un robaescenas en toda regla.

Lo peor: No consigue deshacerse de la sensación constante de que es un episodio menor.

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Días de Festival 7: ‘La reconquista’, ‘El invierno’ y ‘Your Name’

El Zinemaldia entra en su recta final. El séptimo día del Festival de Cine de San Sebastián ha sido uno de los menos llamativos de lo que llevamos de semana. Destaca la japonesa ‘Your Name’ segunda apuesta del festival donostiarra por la animación después de la buena acogida que tuvo El niño y la bestia en la pasada edición. En el apartado de decepciones están la española ‘La reconquista’ y la argentina ‘El invierno’, que no han ayudado a sobrellevar demasiado el cansancio que se va notando entre un público entregado que no ha parado de devorar cine durante esta semana.

LA RECONQUISTA

Título original: La reconquista

Director: Jonás Trueba

Duración: 108 minutos

Reparto: Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio y Pablo Hoyos

País: España

Género: Drama

Sinopsis: Manuela y Olmo se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, ‘La reconquista’ es, en realidad, una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.

Negar que a estas alturas del Festival comienzo a experimentar cierto empacho cinematográfico sería faltar a la verdad. El Zinemaldia dura una semana, pero es una semana intensa de cine sin parar, y aunque sarna con gusto no pica, el cansancio se va haciendo notar. Es por esto, que acudo a las últimas películas en ser proyectadas, las 7 que veo en los dos últimos días, con ganas de encontrar algo que me consiga sorprender lo suficiente como para estar dos horas totalmente pendiente de la pantalla de cine y no mirar el reloj a cada rato.

La primera película proyectada en este día corresponde a la cinta española ‘La reconquista’. Se trata una película nostálgica y ñoña en la que se pretende ensalzar el primer amor y mostrar cómo se comporta el ser humano al reencontrarse con ese amor años después, aunque dejando claro que el primer amor es eso, el primero, que no volverá ni será lo mismo nunca. Todo esto acompañado de mucha cursilería, un ritmo lento y muchas canciones de cantautor.

No soy muy dado a películas románticas, lo reconozco, me parecen películas cortadas todas por el mismo patrón, con excepciones, claro. Pero, sintiéndolo mucho, esta película no es una excepción a esa regla, y a pesar de que adorne el conjunto con cierto aire melancólico y canciones de cantautor repetidas como un taladro, es una más. Es un mejunje complicado de aguantar a primera hora de la mañana, cuando lo que más te apetece es algo vivo como El hombre de las mil caras, Nocturama, Que Dios nos perdone, Colossal o Un monstruo viene a verme para terminar de despertarte y afrontar con ganas el maratón cinematográfico del día. ‘La reconquista’, aunque bien intencionada, queda mejor como cinta para una tarde de fin de semana en cualquier canal de televisión.

No le doy menos nota por varias razones que paso a explicar. Tiene cierto interés todo el arco argumental que va desde el concierto del padre del personaje interpretado por Itsaso Arana hasta que termina la fiesta en la que bailan Arana y Francesco Carril, los dos protagonistas. El otro momento álgido de la película es toda la secuencia en la que Carril vuelve a casa, hasta que empieza el innecesario flashback que rompe del todo el ritmo de la cinta. A la película de Jonás Trueba le reconozco también la virtud de ser, hasta ahora, la única película de la Sección Oficial sin un trasfondo violento o turbio. Por estos motivos, la cinta no se convierte en un mayor desastre.

Es, con diferencia, la peor propuesta española en una Sección Oficial que nos ha dejado un muy buen sabor de nuestro cine con las antes mencionadas películas de Alberto Rodríguez y Juan Antonio Bayona, o con la hilarante Manda huevos de Diego Galán. La cinta de Jonás Trueba, en cambio, navega entre aquellas propuestas menores de las películas a concurso, y que pueden darse con un canto en los dientes (aquí va el aporte violento para que la película no desentone del todo) por estar seleccionadas en la categoría más importante del Festival de San Sebstián.

EL INVIERNO

Título original: El invierno

Director: Emiliano Torres

Duración: 93 minutos

Reparto: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrián Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal, Eva Jarriau, Raphaël Turrents, Rodrigo Iturralde, Ramiro Arlandi, Omar Baigorria, Perro El Diablo, Nazareno Ramírez, Sebastián Ferrari Ivovich, Pedro Pablo Burgos y Ana Laura Hernández

País: Argentina

Género: Drama

Sinopsis: Evans, el viejo capataz de una estancia patagónica, recibe a un grupo de trabajadores que llega para la temporada de esquila. Cada año es igual, lo único que cambia son los rostros de los hombres, pero esta vez al final de la esquila, Evans es despedido de la estancia y reemplazado en su puesto por Jara, un joven peón llegado del norte. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. Cada uno a su manera deberá sobrevivir al siguiente invierno.

Uno de estos pasados días comentaba que la programación del Festival de San Sebastián tiene días muy buenos y días para olvidar, pues bien, el penúltimo día es para olvidar. A la aburrida ‘La reconquista’ se suma la todavía más tediosa ‘El invierno’. La cinta argentina es lenta como ninguna, con muy pocos diálogos y ningún interés posible del espectador hacia la película.

Los personajes no interesan, y en un película que se supone dramática, donde los personajes ven perdida su posición social, su trabajo y su modo de vida la identificación y el interés deben ser elementos fundamentales. Aquí no hay nada de eso, al contrario, la indiferencia es tal que al espectador le importa muy poco echarse una cabezada durante su proyección.

Al salir del pase del Kursaal de las 16:00 he tratado de encontrar una similitud de esta película con algo. Pues he aquí la similitud, es como el Tour de Francia para los espectadores de la tele. ‘El invierno’ es algo que cualquier cinéfilo se pondría a ver un día donde haya descansado poco y necesite algún ruido de fondo mientras echa la siesta.

Su único punto a favor es la fotografía, espectacular el paisaje de la Patagonia. Para ver algo interesante este año la Sección Oficial ha reservado mejores platos.

YOUR NAME

Título original: Kimi No Na Wa

Director: Makoto Shinkai

Duración: 105 minutos

País: Japón

Género: Animación / Drama / Ciencia ficción

Sinopsis: Taki despierta de lo que parece haber sido un sueño muy importante. Pero en una habitación desconocida y no en su cuerpo… sino en el de una chica. Por otro lado, Mitsuha es una adolescente aburrida de vivir en un pueblo en las montañas, que ruega a Dios poder ser un apuesto chico de Tokio en su próxima vida. A la mañana siguiente, Mitsuha despierta convertida en un estudiante de bachillerato. Gracias a la información que va recopilando a su alrededor, descubre a quién pertenece el cuerpo que está habitando. Se llama Taki. Sus cuerpos se han intercambiado. Cuando vuelven a despertar, descubren que han regresado a su yo anterior. Pero el sueño trae consigo el intercambio de cuerpos una y otra vez. Misteriosamente, se repite el mismo patrón todos los días. Los dos actúan dando palos de ciego en esos cuerpos que les resultan tan poco familiares, pero comienzan a dejarse notas para comunicarse. Torpemente, consiguen ir superando un reto tras otro y se va creando entre ellos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más. Sin embargo, hay algo que todavía no saben… Algo inesperado está a punto de ser revelado.

En la pasada edición del Zinemaldia debutó una cinta de animación entre las propuestas de la Sección Oficial. Aquel ‘El niño y la bestia‘, me cautivó, convirtiéndose en mi cinta favorita de las que compitieron en la 63 edición del Festival de San Sebastián. Este año recibí con alegría la proyección de ‘Your Name’ dentro de la misma sección, aunque fuera de concurso.

La película japonesa es el único punto positivo de un día que se ha tornado triste en cuanto a nivel cinematográfico. La película de Makoto Shinkai es luz, sobre todo en su primera hora. Una propuesta viva, alegre, intensa y emocional. Consigue estar al nivel, e incluso superar, a muchas de las películas de carne y hueso que hemos podido ver estos días.

Tal vez peque de repetir en exceso los momentos musicales. En verdad, dichos momentos sobran bastante, podríamos haber terminado la película 20 minutos antes. Pero todo ello no es óbice para que haya recibido uno de los mayores aplausos por parte de la prensa acreditada. Un sonoro aplauso de un público entregado que ha recibido con los brazos abiertos la segunda apuesta de Rebordinos por la animación.

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Días de Festival 5: ‘As You Are’, ‘Playground’ y ‘Colossal’

 

La programación del Festival de Cine de San Sebastián tiene la peculiaridad de condensar en días concretos películas de temáticas similares. Hay días que resultan indiferentes, otros son un soplo de aire fresco y hay días en los que algo se mueve en tu interior y te hace sentir tremendamente incómodo. El quinto día tiene la virtud de no dejarte indiferente y mover tu conciencia. La violencia en manos de los niños y el bullying es el tema detrás de la polaca ‘Playground’. Desde Canadá, Nacho Vigalondo trae una reivindicación feminista entre monstruos y robots llamada ‘Colossal’. Finalmente, el cine indie americano presenta un relato de adolescentes de la generación X, ‘As You Are’.

AS YOU ARE

Título original: As You Are

Director: Miles Joris-Peyrafitte

Duración: 105 minutos

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo y Billy Thomas Myott

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

Dije el pasado domingo que la gente tardó en aplaudir ‘Nocturama‘ puesto que estaban todavía en shock por lo mostrado por Bertrand Bonello. En esta ocasión debo admitir que el que se ha quedado tocado he sido yo.

Por alguna extraña razón hay películas que te dan en la tecla correcta y corroen por dentro. Hay películas que aunque no te toquen por una vivencia personal consiguen rebuscar dentro de ti y buscar las cosquillas. ‘As You Are‘ es una de esas películas, al menos en mi caso.

La cinta narra las idas y venidas de dos adolescentes de principios de los 90 que se hacen inseparables cuando sus padres inician una relación. La unión pronto la compartirán con una chica del instituto que se les une, aunque con cierta sensación de que sobra en todo el lienzo que Miles Joris-Peyrafitte dibuja.

Los chicos experimentan las drogas, la pérdida de ídolos y referentes (Kurt Cobain), el inicio de las relaciones amorosas, las armas y los padres castradores. Todo ello resume ‘As You Are‘, yo probablemente sea este su principal problema, trata de abarcar demasiado.

Pero, ante todo, es una película indie americana con una fuerte carga de denuncia social. Si ya hemos tocado el tema de la mujer, el del terrorismo, el de las minusvalías y el de las relaciones padre-hijo cuando éstos se hacen mayores, aquí tachamos el resto de la lista de un plumazo. Se aborda la política de armas, el acceso a las armas y a las drogas por menores, la dureza del trato padre-hijo, el despertar sexual, la homosexualidad y hasta un pequeño conato de travestismo.

Todo ello, aunque hay quien piensa lo contrario, encaja a la perfección en una Sección Oficial que se ha empeñado este año en ser una reivindicación social constante. El problema que ‘As You Are‘ tendrá es que hay mejores propuestas en la Sección Oficial, también peores, por lo que su canto de “socorro” quedará empañado por propuestas más redondas.

PLAYGROUND

Título original: Plac Zabaw

Director: Barstoz M. Kowalski

Duración: 82 minutos

Reparto: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda y Przemek Balinski

País: Polonia

Género: Drama

Sinopsis: Último día de colegio en una pequeña ciudad polaca. Es la última oportunidad para Gabrysia, de 12 años, de declararse a un compañero de clase. Gabrysia organiza una cita secreta y chantajea al objeto de su amor para que se presente. Pero lo que se esperaba que fuera una charla íntima se descontrola y conduce a un final inesperado. La película, más allá de plantear una pregunta obvia —¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?—, cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta.

El cine te traslada a mundos de todo tipo. El cine tiene el poder de transmitir todo tipo de sensaciones al espectador. Unas imágenes en movimiento y el sonido son capaces de convertir una sala de cine en todo un deleite o una experiencia traumática. El trauma, podría venir desde algo malo o desde algo bueno, pero hecho con toda la intención de incomodar al espectador. Esto es lo que le pasa a ‘Playground’.

Seré el raro que le de una oportunidad a la película de Brastoz M. Kowalski, ya que el comentario generalizado en San Sebastián es de repulsa absoluta hacia ella. Pero tengo que opinar que se confunden la repulsa hacia la historia que la película narra con el sentimiento hacia la película. Comparto la repulsa hacia el contenido del filme, no hacia el filme.

‘Playground’ es una película tremendamente incómoda, deliberadamente incómoda diría para ser más preciso. Su objetivo no es otro que ser una bala en el estómago de los espectadores, que asisten a un espectáculo horripilante de violencia que tiene como protagonistas a niños. Y aquí está el principal acierto de la cinta de Kowalski, ya que todo lo que hagan los niños se magnifica. El cineasta polaco es capaz de jugar con la hipocresía del espectador, que no condena de forma tan descarada este comportamiento cuando lo cometen adultos.

Hoy el Kursaal se ha ido vaciando a pasos agigantados en los últimos 10 minutos de película, probablemnte los más polémicos y con los que se quedarán los espectadores. Un eterno, eternísimo, plano secuencia de los dos protagonistas masculinos al lado de una vía de tren, y un niño pequeño. No pienso desvelar nada de lo que hacen, pero entiendo perfectamente la sensación de incomodidad de los espectadores que han decidido marcharse. También los que nos hemos quedado, algunos tenemos la “extraña manía” de ver una película de principio a final para poder juzgarla, nos hemos sentido así y nos hemos dejado de sentir cómodos en nuestra butaca.

‘Playground’ es un polémico filme que levanta ampollas, dispara directo al espectador y lo deja perturbado. Solo el buen cine consigue dejar poso en el espectador, y si ‘Playground’ le ha provocado admiración, desprecio, repulsa u odio estamos hablando de una gran película. En cambio, si les ha dejado indiferenteslo que falla es la película, y su humanidad, porque no hay humano que pueda resistir semejantes actos sin sentir nada.

El quinto día lo ha dejado potente el señor José Luis Rebordinos, al que tengo que aplaudir por atreverse, una vez más, a meter en Sección Oficial películas de todo tipo, que pueden gustar a unos y espantar a otros. Un festival de cine como este es grande porque no teme mostrar cine, sea del tipo que sea, y más si es para mover algo en el espectador. Rebordinos y su equipo han demostrado esta edición no tener miedo a nada, programando Nocturama, vetada en Cannes, y esta ‘Playground’, probablemente las cintas más polémicas en la Sección Oficial.

Para finalizar voy a plantear una pregunta, ¿vetaría alguien una película de Haneke (Funny Games), del que claramente bebe esta cinta polaca, en un festival de cine por ser tremendamente incómoda y violenta? La respuesta es evidente, NO. ¿Entonces por qué hay quienes se plantean el veto a ‘Playground’?

COLOSSAL (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: Colossal

Director: Nacho Vigalondo

Duración: 110 minutos

Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Agam Darshi, Hannah Cheramy y Christine Lee

País: Canadá

Género: Ciencia ficción / Thriller / Comedia

Sinopsis: Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

La propuesta más gamberra de lo que llevamos de Zinemaldia llega de manos de Nacho Vigalondo. Comedia, drama y ciencia ficción se unen en un relato que es, ante todo, un canto a la libertad de la mujer. Una película feminista que lucha contra eso que Alberto Garzón denominó como “heteropatriarcado”

Protagonizada por Anne Hathaway (Interstellar) y Jason Sudeikis (Somos Los Miller), ‘Colossal‘ es la propuesta más comercial de lo que llevamos de Sección Oficial. Tal vez haya quien no quiera verla por ser una película de ciencia ficción, pero merece mucho la pena. Vigalondo nos relata una de las historias más interesantes de este Festival de San Sebastián. Todo ello apoyando en la gran actuación de Hathaway.

La historia sigue al personaje de Anne, que muestra una extraña conexión con un monstruo que destruye Seul. Su vida se cruzará con un antiguo compañero de escuela, que servirá de apoyo a Hathaway en un momento donde se ha visto abandonada por su novio por su comportamiento fiestero.

Entre copas, idas y venidas y regalos en forma de sofás y televisores, Sudeikis va entrando en la vida de Hathaway. Pero el conflicto estalla por parte del ex, un hombre incapaz de entender el comportamiento de su chica, y el nuevo chico, que de ninguna forma acepta que ella pueda no elegirle y se haya quedado con uno de sus amigos.

Hathaway no se quedará parada y tomará el toro por los cuernos. Ella refleja el empoderamiento de la mujer, mientras que su antiguo compañero de clase el tipo de hombre que sobra en la sociedad. Como he comentado, un canto al feminismo que no se anda con chiquitas, atención al final de la cinta.

No compite por premios, tampoco se los iba a llevar. Pero así y todo,es uno de los mejores aportes que nos deja la Sección Oficial de este 64º Festival de San Sebastián.

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‘El quinto elemento’, ciencia ficción de culto de los años 90

EL QUINTO ELEMENTO

Título original: The Fifth Element (Le cinquième élément)

Año: 1997

Duración: 127 minutos

País: Francia

Director: Luc Besson

Guion: Luc Besson y Robert Mark Kamen

Música: Eric Serra

Fotografía: Thierry Arbogast

Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, Ian Holm, Chris Tucker, Brion James, Maïwenn Le Besco, Tommy ‘Tiny’ Lister y Hon Ping Tang

Productora: Gaumont

Género: Ciencia ficción / Acción

En el siglo XXIII, Korben Dallas, un ex agente de las fuerzas especiales que ahora ejerce como taxista, se encuentra atrapado en una lucha en la que tendrá que desafiar a un malvado que quiere destruir la Tierra. Cuando una misteriosa mujer entra en el asiento trasero de su taxi, todo da un giro inesperado. Él es perseguido por el gobierno y por un poderoso magnate reclutado por las fuerzas del Mal. Esta mujer pelirroja que acaba de conocer resultará ser la clave para la salvación de la Tierra, conocida como el quinto elemento. (Sensacine)

El cine de culto tiene la particularidad de que cualquier tipo de película puede convertirse en algo de culto. Hablamos de una calificación, “cine de culto”, que puede valer para ‘El Padrino’, ‘Pulp Fiction’ o ‘Psicosis’, pero también para películas de más dudosa calidad pero que han influido en cierta forma en la sociedad. ‘El quinto elemento’ es algo intermedio entre ambos bandos, se trata de una película referente en el cyberpunk y en el cine de ciencia ficción de los años 90 en Europa, así como una sátira de las películas de ciencia ficción.

La película dirigida por el francés Luc Besson es un divertimento de 2 horas que mezcla con gran maestría el cine de ciencia ficción más ortodoxo con la sátira más mordaz. Humor y ciencia ficción se mezclan tan bien que el espectador a veces duda de si está ante una sátira o una película seria.

Con una estética rompedora, ‘El quinto elemento’, tenía todas consigo para convertirse en el tipo de película que sobrepasa la pantalla y se vuelve un fenómeno “viral”. El trabajo de Gaultier como diseñador del vestuario de la película, hizo de ésta uno de los ejemplos más claros de cine que marca tendencia.

La visión de futuro de Besson, con modelos imposibles, ciudades en el aire y con mucho poder de marketing es atractiva y amable. Dista del futuro sombrío de ‘Blade Runner’ o del, tan de moda, futuro post-apocalíptico de películas más recientes como Los juegos del hambre o El corredor del laberinto. En este futuro apetece vivir, aunque también se muestra un lado oscuro que aventura una involución de la humanidad.

Bruce Willis (Jungla de cristal) se echa la película a la espalda y soporta bien el papel de protagonista. Su papel como héroe de acción de moda en la época y su consistencia hacen que su participación sea convincente. Lo mismo ocurre con su compañera de reparto, Milla Jovovich (Chaplin), en el papel de Leeloo. En la cinta también vemos a Ian Holm (El Hobbit), en el papel de sacerdote, y al ídolo de adolescentes del momento, Luke Perry, en un brevísimo papel. En el papel de villano tenemos a Gary Oldman, siempre en forma. Se echa de menos que su papel sea más serio, pero incluso en un rol más cómico se desenvuelve bien Oldman. También está Chris Tucker en un insoportable papel.

Puede que ‘El quinto elemento’ no sea una película con unos efectos especiales de vértigo, ni los necesita. Es tan potente en su desarrollo y en su magnetismo estético que es de por sí grande. Exponente del cine de ciencia ficción de los años 90 en Europa, se convirtió en la película más cara jamás hecha en el cine europeo, 90 millones de dólares. Con 264 millones de dólares de recaudación fue, hasta 2011, la película francesa más taquillera de la historia, hasta que Intocable le arrebató ese honor.

Lo mejor: es capaz de tomarse igualmente en serio como en broma.

Lo peor: el personaje de Chris Tucker es insoportable.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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