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Categoría: Comedia
‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’, la sátira más mordaz sobre la Guerra Fría

¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ

Título original: Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

Año: 1964

Duración: 93 minutos

País: Reino Unido

Director: Stanley Kubrick

Guion: Stanley Kubrick, Terry Southern y Peter George

Música: Laurie Johnson

Fotografía: Gilbert Taylor

Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, James Earl Jones, Keenan Wynn,Slim Pickens, Peter Bull, Tracy Reed, Jack Creley, Frank Berry, Glenn Beck, Shane Rimmer, Paul Tamarin, Gordon Tanner, Robert O’Neil y Roy Stephens

Productora: Columbia

Género: Comedia / Drama

Convencido de que los comunistas están contaminando los Estados Unidos, un general ordena, en un acceso de locura, un ataque aéreo nuclear sorpresa contra la Unión Soviética. Su ayudante, el capitán Mandrake, trata de encontrar la fórmula para impedir el bombardeo. Por su parte, el Presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. (FilmAffinity)

Stanley Kubrick fue uno de los grandes cineastas de la historia, que supo dirigir todo tipo de películas, trabajando todos, o casi todos, los géneros con maestría. En su filmografía encontramos películas bélicas (‘Senderos de Gloria’ y ‘La chaqueta metálica’), románticas (‘Lolita’), eróticas (‘Eyes Wide Shut’), de terror (El resplandor), dramáticas (‘La naranja mecánica’), de romanos (‘Espartaco’), de ciencia ficción (2001: una odisea en el espacio), históricas (‘Barry Lyndon’) o humorísticas (‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’).

En ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’ vemos la faceta más irónica del cineasta. Kubrick construye la más mordaz sátira sobre la Guerra Fría.

‘Dr. Strangelove’ es una película para deleite de los amantes de las comedias clásicas y no facilonas del Hollywood actual. Una película edificada sobre un guion inteligente, potente, lleno de guiños y señales, con unos personajes tridimensionales y con, probablemente, el mejor manejo del ritmo de la carrera de Kubrick. Memorables las escenas en la sala de guerra, todas ellas.

‘¿Teléfono rojo?’ consigue mantener al espectador pegado a la pantalla durante su hora y media dejando para la posteridad el duro relato sobre la locura de los dirigentes de las grandes potencias nucleares durante la Guerra Fría. El filme sirve como llamada de atención a la población sobre el hecho de tener al mando de armas que podrían acabar con la humanidad a seres de escaso nivel moral e intelectual, de gatillo fácil y pocas luces. Reflexión que se podría seguir aplicando a los dirigentes del planeta 52 años después.

 

Kubrick era un controlador de todo lo que ocurría en el proceso de filmación de sus películas, todo tenía que ir de acuerdo al guion y a lo que él planteaba. En ‘¿Teléfono rojo?’ tenemos uno de los escasos ejemplos de improvisaciones dentro del cine de Kubrick, las que realizó Peter Sellers, intérprete de 3 papeles en el filme.

Lo mejor: guion y dirección

Lo peor: la excesiva oscuridad de algunas escenas

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‘Looking: The Movie’, cierre amable para una serie que le faltó riesgo

LOOKING: THE MOVIE

Título original: Looking: The Movie

Año: 2016

Duración: 85 minutos

País: Estados Unidos

Director: Andrew Haigh

Guion: Andrew Haigh y Michael Lannan

Fotografía: Xavier Grobet

Reparto: Jonathan Groff, Russell Tovey, Derek Phillips, Daniel Franzese, Raúl Castillo, Murray Bartlett, Lauren Weedman, Vanessa Ross, Teresa Navarro, Frankie J. Alvarez,Natalie Stephany Aguilar, Suilma Rodriguez, Christopher Michael Holley, Steven Wiig, AnnaCorey y Felix Chu

Productora: Fair Harbor Productions

Género: Comedia / Drama

Después de pasar casi un año en Denver diseñando videojuegos, Patrick regresa a San Francisco para celebrar la boda de Agustín y Eddie. Durante su ausencia, Agustín se alejó de las drogas, el negocio de Dom prosperó, Doris continúa su relación monógama con Malik y Richie permanece junto a su novio Brady. (Wikipedia)

En el año 2014 se estrenó la serie ‘Looking’ en el canal HBO. Esta serie seguía las peripecias de un grupo de homosexuales en San Francisco. A priori, teniendo en cuenta el punto de partida y el canal que lo producía, todo hacía indicar que el éxito estaba garantizado. Pero los mediocres resultados llevaron a que la serie fuera cancelada tras su segunda temporada y se produjera esta película para contentar a los fans y dar un cierre definitivo a las tramas.

Un problema con el que se ha encontrado siempre ‘Looking’ es la comparación inevitable con ‘Queer as folk’, serie sobre un grupo de homosexuales en Pittsburgh, Estados Unidos, que se produjo 14 años antes. Es cierto que ‘Looking’ busca el realismo absoluto en sus historias, mientras que ‘Queer as folk’ empleaba la exageración para la mordaz crítica social que hacía. ‘Queer as folk’ consiguió ser todo un revulsivo en televisión y situó las tramas homosexuales en las series en un primer plano que nunca tuvieron hasta que ellos, ‘Will And Grace’ y ‘Ellen’ llegaron a la pequeña pantalla. Sin un escenario tan adverso en frente, ‘Looking’ nunca tuvo que enfrentarse a una sociedad que rechazaba su contenido, era una serie amable más que no aportó nunca ese extra que se le debe exigir a este tipo de productos.

Jonathan Groff, Russell Tovey y compañía crearon una serie interesante, amable y fácil de seguir. Las historias estaban bien escritas, estaba bien filmado y era fácil de seguir. Pero nunca llegó a cumplir con las expectativas de un público que siempre la situó por debajo de la mentada ‘Queer as folk’, gran referente del género. Las historias de los chicos de San Francisco no llenaron y emocionaron tanto como la de los chicos de Pittsburgh, y de ahí la fallida serie.

Para cerrar el círculo se produjo esta película que es más un regalo para fans que otra cosa. Termina por situar en el mapa el futuro de los personajes meses después de haber concluido la serie. La boda de Agustín, el negocio de Dom o las dudas de Patrick sobre si estar con Kevin o Richie centran el filme. Con el mismo tono reposado y pausado, ‘Looking’ se despide con este especial de hora y media que ha quedado por debajo de las expectativas, incluso, generadas por la serie. Eso sí, satisface, que no es poco.

Dentro de unos años se hablará de ‘Looking’, no me cabe la duda. Lo que sí dudo es si se hablará de ella como un quiero y no puedo o un producto de culto que no fue reconocido en cuanto se emitió. Opto por oír las dos versiones, que para gustos los colores.

Con ‘Looking: The Movie’, película que me ha costado ver, porque la serie me dejó con una sensación extraña de decepción, tengo sentimientos encontrados. Me costó ver la segunda temporada de ‘Looking’, porque la primera me la esperaba mejor y no cumplió mis expectativas, pero le di una oportunidad. La segunda temporada no era mejor que la primera y, por eso, la película se me antojaba pesada y falta de interés. Pero tras semanas en mi particular lista de películas pendientes de ver, me he decidido a ver ‘Looking: The Movie’. ¿Qué me ha parecido? Agradable, entretenido y ya está. Me hubiese quedado igual de no haberla visto, así que ahí está la valoración general.

Lo mejor: HBO ha tenido la decencia de cerrar de alguna manera una serie que canceló de la noche a la mañana, ojalá otras cadenas aprendieran.

Lo peor: Sigue sin ser un producto atemporal y trasgresor como ‘Queer as folk’.

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‘El bar’, el mejor Álex de la Iglesia en mucho tiempo

EL BAR

Título original: El Bar

Año: 2017

Duración: 102 minutos

País: España

Director: Álex de la Iglesia

Guion: Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría

Música: Carlos Riera y Joan Valent

Fotografía: Ángel Amorós

Reparto: Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Carmen Machi, Jaime Ordóñez,Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García

Productora: Pokeepsie Films / Nadie es perfecto PC

Género: Thriller / Comedia

9:00 horas. Un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa; al salir por la puerta recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados. (FilmAffinity)

El director bilbaíno Álex de la Iglesia (Mi gran noche) vuelve en plena forma con su mejor trabajo desde ‘Balada triste de trompeta’, ‘El bar’. En esta disparatada comedia, con su innegable toque personal, De la Iglesia nos adentra en un mundo entre cuatro paredes donde lo más surrealista puede ocurrir. Una serie de clientes de un bar, todos de su madre y de su padre, presencian un extraño suceso donde dos personas son disparadas en la calle y se quedan encerrados dentro del local. Presas del pánico, tendrán que buscar la forma de salir de allí y de conservar la vida, algo incluso más complejo.

Rodeado de gran parte de sus habituales, entre los que no faltan Terele Pávez, Secun de la Rosa, Mario Casas, Joaquin Climent, Blanca Suárez, Carmen Machi o Jaime Ordóñez, el bilbaíno consigue sobresalir de nuevo con un inicio apabullante que no encuentra, de nuevo también, un final a la altura. El tema de cerrar las películas de forma realmente redonda no es lo de Álex de la Iglesia, que siempre deja el amargo poso de que la historia se le ha hecho demasiado grande y que se ha tenido que terminar de algún modo.

Pero si algo hace grande ‘El bar’ no es tanto el pulso que mantiene De la Iglesia como director con el espectador, sino el gran elenco del que se rodea. Hablamos del director que mejor ha sabido explotar el talento de dos actores encasillados en la comedia facilona o en el papel de mal actor (ganado a pulso, también hay que decirlo, aunque está dando un giro importante a su carrera, todo hay que decirlo también), Secun de la Rosa y Mario Casas, respectivamente. Ambos vuelven a repetir con el director bilbaíno, y nuevamente, brillan en sus respectivos papeles.

En el lado femenino, sobresale Carmen Machi. No es que Blanca Suárez o Terele Pávez estén mal, pero la Machi vuelve a dar toda una lección de hacer comedia de una forma brillante. La vis cómica de Carmen Machi no conoce límites. Basta con que la actriz que dio vida a Aída aparezca con las manos vendadas, y nada más, para que el público se desternille. Su personaje, además, es de los que van de menos a más, quedando en un segundo plano cuando hay muchos personajes y ganando en fuerza a medida que avanza la película.

Así y todo, hay un nombre que destaca por encima de todos, el de Jaime Ordóñez. Tercera colaboración con De la Iglesia después de ‘Las brujas de Zugarramurdi’ y ‘Mi gran noche’, con tres personajes totalmente opuestos, y los tres ejes centrales de todas ellas. Este actor se reivindica una vez más como un secundario de lujo, un robaescenas en toda regla y que de nuevo da una lección de actuación. Desde aquí espero que la cuarta colaboración con Álex de la Iglesia sea con Ordóñez de protagonista.

Lo mejor: un elenco espectacular y el mejor Álex de la Iglesia en muchos años.

Lo peor: sigue el director bilbaíno sin rematar bien sus películas.

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‘Florence Foster Jenkins’, la peor cantante de ópera por la mejor actriz

FLORENCE FOSTER JENKINS

Título original: Florence Foster Jenkins

Año: 2016

Duración: 110 minutos

País: Reino Unido

Director: Stephen Frears

Guion: Nicholas Martin

Música: Alexander Desplat

Fotografía: Danny Cohen

Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney,Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch y Sid Phoenix

Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films

Género: Comedia / Drama

Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos. (FilmAffinity)

Diga lo que diga Donald Trump, Meryl Streep (Mamma Mia) ha sido, es y será la mejor actriz de la historia del cine. Puede que su imagen no se vuelva nunca icónica de una generación como la de Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo), James Dean (‘Rebelde sin causa’) y Marilyn Monroe (‘La tentación vive arriba’), pero será siempre imagen del buen hacer y de la versatilidad en pantalla.

Meryl ya nos dejó hace unos años patente que sabe cantar y que lo hace bien. En ‘Florence Foster Jenkins’, en cambio, debe interpretar a la más terrible intérprete de ópera de la historia, la mujer que da nombre a la cinta. Entre el esperpento, la hilaridad y lo cómico, Meryl Streep (El Cazador) lleva a la gran pantalla uno de sus trabajos más logrados. La película podía haber caído en el más absoluto esperpento, pero el buen hacer de Streep consigue que caigamos rendidos ante la candidez, dulzura, inocencia y falta de talento de esta señora que enamora a la vez que hace pasar al espectador uno de los mejores ratos que puede haber pasado jamás en el cine.

Resumen bien dos de los personajes secundarios de la cinta al final de la misma la naturaleza de Florence Foster Jenkins. No canta bien, canta terrible, pero nos lo hace pasar tan bien que es con lo que nos quedamos. Ya me perdonarán sus fans, y si no lo hacen tampoco pasa nada, pero podríamos compararlo con Enrique Iglesias, canta fatal pero gusta a la gente y llena allá donde va.

En esta obra no se puede pasar por alto el gran trabajo de un Hugh Grant entregado a la causa. El actor británico da vida a ese gentleman que acompaña a Foster Jenkins y mueve los hilos para que sus sueños imposibles se cumplan. Grant logra que esa burbuja que ha construido alrededor de Jenkins envuelva a los espectadores. Queremos más, queremos más canciones, más gallos, más momentos cómicos y más dramas pasados por una pátina cómica que tan bien dominan los dos principales intérpretes de la cinta.

Así mismo, no desmerece el trabajo de Simon Helberg, en el papel del cándido, o no tanto, pianista de esta señora. Cuentan las malas lenguas que logró el trabajo no por su talento, sino por ser el único que no se reía mientras Jenkins interpretaba sus canciones. Esta versión puede ser muy cierta porque el pobre pianista no volvió a trabajar con nadie tras la muerte de la diva de la ópera.

La historia está contada con suma sencillez y envuelve en un montón de purpurina la triste historia de una mujer que vivió toda su vida engañada, sin oído musical alguno y con más intención que capacidad. Una intérprete que arrasó en vida y, posteriormente, con un disco en el mercado y llenando recintos tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el sancta sanctorum de la música en la capital neoyorquina. Una mujer que logró lo imposible, acercar un estilo de música “para élites” al pueblo llano, aunque fuera a costa de convertirse en una caricatura y producir ataques de risa eternos.

La película merece tanto la pena que lo voy a resumir en un “hay que verlo”. Merece la pena por el buen hacer de Streep y Grant. Merece la pena porque esa risa se contagia al instante. Merece la pena porque es un cuento de hadas, como los que de niños tanto nos gustan, pero llevado a una mujer en los últimos meses de su vida. ‘Florence Foster Jenkins’ es maravillosa.

Lo mejor: el derroche de talento y entrega de Meryl Streep y Hugh Grant.

Lo peor: cuesta elegir, pero, echo en falta más minutos musicales de la señora Jenkins.

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‘Dr. Strange’, Marvel arriesga y gana

DR. STRANGE (DOCTOR EXTRAÑO)

Título original: Doctor Strange

Año: 2016

Duración: 115 minutos

País: Estados Unidos

Director: Scott Derrickson

Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson y Jon Spaihts

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Ben Davis

Reparto: Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Mads Mikkelsen, Tilda Swinton, Benjamin Bratt, Michael Stuhlbarg, Scott Adkins, Zara Phythian, Alaa Safi,Katrina Durden, Neve Gachev, Amy Landecker, Dante Briggins, Tony Paul West,Daniel Eghan, Annarie Boor, Jill Buchanan, Pezhmaan Alinia y Stan Lee

Productora: Marvel Studios

Género: Fantástico / Acción / Comedia

Dr. Stephen Strange, cuya vida cambia para siempre luego de un accidente automovilístico que lo deja sin poder mover sus manos. Cuando la medicina tradicional falla, se ve obligado a buscar una cura y esperanzas en un lugar impensado: una comunidad aislada llamada Kamar-Taj. Rápidamente descubre que éste no es sólo un centro de recuperación, sino también la primera línea de una batalla en contra de fuerzas oscuras y ocultas empeñadas en destruir nuestra realidad. En poco tiempo, Strange, armado con sus poderes mágicos recientemente adquiridos, se ve obligado a elegir entre volver a su antigua vida de riqueza y estatus o dejarlo todo, para defender el mundo como el mago más poderoso del planeta. (FilmAffinity)

Al igual que le pasó a Marvel con Guardianes de la Galaxia, arriesgan en la producción de una historia diferente, poco conocida, y ganan. ‘Dr. Strange’ es la enésima película de superhéroes que nos llega estos días, por ese lado nada de originalidad, pero con una presentación muy original y diferente, la cinta de Scott Derrickson se alza como una historia que se sale del tono habitual de Marvel.

Visualmente, ‘Dr Strange’, es una historia apabullante. Un planteamiento de efectos digitales, escenarios y fotografía cuidados al milímetro hacen de esta una cinta inolvidable. Tal vez pueda caer en la repetición de escenas barrocas y sobrecargadas, pero eso no quita para que sea la más elaborada de las películas de Marvel hasta la fecha.

Todo esto, sin embargo, no se acompaña de un guion de 10. Está bien, estamos ante Marvel, y sabemos que hacen películas facilonas, palomiteras y de echar el rato, sí, pero también han demostrado saber hacer guiones elaborados como los de Capitán América: Civil War. Aquí se echa en falta que además de confiarlo todo a una historia potente, haya algo más que pueda convertirla en una película memorable.

En el plano actoral, bien, cubierto y con creces. Tener en el reparto a fieras como Benedict Cumberbatch (El Hobbit), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud) o Mads Mikkelsen (Casino Royale), es garantía de éxito. Marvel tiene la enorme capacidad de atraer a sus películas a grandes intérpretes que dan cuenta de su calidad actoral aun interpretando a personajes “menores”. Aquí también aparecen Rachel McAdams (Spotlight), Tilda Swinton (El Gran Hotel Budapest) o Stan Lee, con su habitual cameo.

Sin ser lector de los cómics, y sin estar familiarizado con la historia, ‘Dr. Strange’ guarda parecido con otras películas como ‘Iron Man’, ‘Thor’ o ‘Spiderman’. Se nota la mano de sus creadores en una historia que, a pesar de ser típica y previsible, no aburre en ningún momento.

Lo mejor: todo el apartado visual, es una delicia difícil de olvidar.

Lo peor: es muy maniqueo, no aporta nada nuevo y cae en los lugares comunes de siempre.

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Días de Festival 8: ‘American Pastoral’, ‘Ikari’, ‘Yourself And Yours’ y ‘The Odyssey’

Y así, como empezó, termina una nueva edición del Festival de San Sebastián. Entre la alegría por poder descansar de una semana intensa de cine y la tristeza por lo divertido que resulta a su vez, he podido ver y comentar 29 películas, 5 más que la pasada edición. En el último día he podido ver las 4 últimas películas de la Sección Oficial que me quedaban por ver. Desde Asia llegan la japonesa ‘Ikari’ y la coreana ‘Yourself And Yours’. El debut de Ewan McGregor como director ha tenido lugar en el Zinemaldia con ‘American Pastoral’. Y, finalmente, la vida e historia de Philippe Cousteau en la francesa ‘The Odyssey’. Un broche de oro a una edición de nivel en el Zinemaldia.

AMERICAN PASTORAL (PASTORAL AMERICANA)

Título original: American Pastoral

Director: Ewan McGregor

Duración: 126 minutos

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker y David Strathairn

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Seymour Levov, el “Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el “Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

Siempre despierta curiosidad el debut como director como un actor de renombre. Ewan McGregor (Lo imposible) es el encargado de realizar ese debut en el Zinemaldia. Su película, ‘American Pastoral’ se ha proyectado en el último día de Festival en un accidentado pase en el que han tenido que intervenir profesionales médicos por una urgencia. Tras evacuar a la persona afectada, ha podido seguir la proyección, que se ha visto detenida por unos instantes.

Pero centrándonos en el filme de McGregor, estamos ante una delicada propuesta que aborda el difícil papel de un padre entregado que ve alejarse a su hija más y más. En medio de la Guerra de Vietnam, con las luchas por los derechos raciales de fondo y con una iniciación política de la joven Merry, McGregor deberá enfrentarse al difícil papel de tener que dejar marchar a su primogénita.

Falla, no obstante, en generar mayor conexión entre personajes. Se olvida de prácticamente todo el elenco para centrarse en el propio McGregor, protagonista total de su función. Su papel de protagonista es uno de los puntos flojos de la película. McGregor no tiene peso suficiente para aguantar un rol tan grande como este.

Reflejo de la familia norteamericana de clase media de los años 40, 50 y 60, y de la sociedad americana en general. La delicadeza es su punto fuerte. Una cinta que se puede consumir perfectamente, pero que no tiene demasiadas opciones a premios.

IKARI

Título original: Ikari

Director: Lee Sang-il

Duración: 142 minutos

Reparto: Ken Watanabe, Ken’ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto y Mirai Moriyama

País: Japón

Género: Drama

Sinopsis: En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

Debo admitir que no soy un gran consumidor de cine asiático. El poco cine de ese continente que he visto ha provenido, en gran medida, de Japón. Al contrario que las películas chinas, que me sumen en un letargo milenario, las películas del país del sol naciente me provocan todo lo contrario, como ha ocurrido con esta ‘Ikari’.

La dosis de cine japonés de este Festival, ha sido de gran factura con ‘Your Name‘ y la película que nos ocupa. En este filme, en especial, encontramos el punto álgido de la última jornada del Zinemaldia 2016. Una película que nos sumerge en un drama de impresiones y prejuicios hacia la gente, de amor y de palabras.

Cuenta con un reparto coral donde destaca sobremanera Satoshi Tsumabuki. Su actuación es desgarradora, consiguiendo convertir sus escenas en las más interesantes de todo el filme. Interpreta a un ejecutivo homosexual que se enamora de un chico al mismo tiempo que debe cuidar de su madre enferma. La de Tsumabuki es una de las 3 historias que narra ‘Ikari‘.

Las otras dos historias se unen a esta mediante una investigación criminal. Por un lado está la historia de un padre (Ken Watanabe) que rescata a su hija de la prostitución y después, ésta, se va con un hombre perseguido por la mafia japonesa. La otra historia es la de una joven pareja que se encuentra a un desconocido en un viaje que realizan a una isla desierta. Cada historia aportará un sospechoso al caso y solo al final se sabrá cuál de ellos es el verdadero asesino.

Tal vez sea este su principal problema, ya que, a pesar de ser uno de los platos fuertes de la Sección Oficial, deja cierta sensación de no hilar del todo bien las 3 historias. Especialmente coja queda la protagonizada por Tsumabuki, que parece una historia totalmente independiente de las demás.

Narración de amor, devoción, entrega, celos, falsas impresiones, dolor, angustia, desgarro, desespero y reconciliación. Una cinta que deja la gran nota positiva de la última jornada del Festival de San Sebastián.

YOURSELF AND YOURS

Título original: Dangsinjasingwa Dangsinui Geot

Director: Hong Sang-soo

Duración: 86 minutos

Reparto: Kim Joo-hyuck y Lee You-young

País: Corea del Sur

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: El pintor Youngsoo se entera de que su novia, Minjung, se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Minjung sale de casa, diciendo que no deberían verse durante algún tiempo. Al día siguiente, Youngsoo va en su busca, pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, en Yeonnam, donde él vive, Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, tiene citas con distintos hombres. Youngsoo vaga por las calles y lucha consigo mismo, que es lo mismo que luchar contra el mundo.

Hay cosas muy curiosas con el cine. De pronto te puedes encontrar con una película de 3 horas que se te pasa volando, y de repente otra de la mitad de duración que se te hace pesada como un documental de leones en la sabana.

La cinta coreana, última a concurso presentada en la Sección Oficial, es uno de estos segundos ejemplos. Pretende ser una comedia (el público se ha reído solo en los 10 minutos finales, y se pueden contar con los dedos de una mano las carcajadas, la señora a mi lado, literalmente, se ha quedado frita), pero no pasa de ser una película simpática y poco más.

Ni los personajes, ni la narrativa, ni los actores despiertan en mi el más mínimo interés. Y su gran virtud está en ser un compendio de sketches que podrían haber funcionado mejor por separado que como una historia conjunta.

El potencial del cine asiático en este Zinemaldia queda en manos de los japoneses, con dos propuestas de gran nivel frente a la irregularidad coreana y china.

THE ODYSSEY (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: L’Odysée

Director: Jérôme Salle

Duración: 122 minutos

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams y Alberto Nicolo’

País: Francia

Género: Aventuras

Sinopsis: El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

El Festival de Cine de San Sebastián cierra con una película sobre Jacques Costeau y su hijo Philippe. Una odisea en el fondo del mar con una bellísima fotografía y un sonoro mensaje ecologista.

El filme francés se deja ver y disfrutar como una nota diferente a la tónica general de la 64 edición del Zinemaldia. Su elección como filme de cierre es un acierto, una película con mensaje y con un punto colorido y positivo para una edición donde ha predominado el negro y la oscuridad.

La historia narra la vida de Philippe, el menor de los hijos del famoso oceanógrafo galo, en su viaje de la niñez a la madurez. Su fascinación por el cine y el trabajo de su padre fue una parte importante de su vida, pero lo que deja más poso es su legado ecologista. El mensaje de protección de la fauna marina y la preservación de los océanos el gran acierto de la película.

La pasada edición terminó con ‘London Road‘ un musical que narra los asesinatos de un grupo de mujeres en un barrio de Londres. Aquella película puede verse hoy como un punto de partida común para lo que ha sido esta edición cargada de cine oscuro y violento. ¿Podrá ser ‘The Odyssey‘ un avance a la temática que predominará en el Festival de San Sebastián 2017?

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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