Diario Vasco
img
Categoría: Comedia
‘Florence Foster Jenkins’, la peor cantante de ópera por la mejor actriz

FLORENCE FOSTER JENKINS

Título original: Florence Foster Jenkins

Año: 2016

Duración: 110 minutos

País: Reino Unido

Director: Stephen Frears

Guion: Nicholas Martin

Música: Alexander Desplat

Fotografía: Danny Cohen

Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney,Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch y Sid Phoenix

Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films

Género: Comedia / Drama

Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos. (FilmAffinity)

Diga lo que diga Donald Trump, Meryl Streep (Mamma Mia) ha sido, es y será la mejor actriz de la historia del cine. Puede que su imagen no se vuelva nunca icónica de una generación como la de Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo), James Dean (‘Rebelde sin causa’) y Marilyn Monroe (‘La tentación vive arriba’), pero será siempre imagen del buen hacer y de la versatilidad en pantalla.

Meryl ya nos dejó hace unos años patente que sabe cantar y que lo hace bien. En ‘Florence Foster Jenkins’, en cambio, debe interpretar a la más terrible intérprete de ópera de la historia, la mujer que da nombre a la cinta. Entre el esperpento, la hilaridad y lo cómico, Meryl Streep (El Cazador) lleva a la gran pantalla uno de sus trabajos más logrados. La película podía haber caído en el más absoluto esperpento, pero el buen hacer de Streep consigue que caigamos rendidos ante la candidez, dulzura, inocencia y falta de talento de esta señora que enamora a la vez que hace pasar al espectador uno de los mejores ratos que puede haber pasado jamás en el cine.

Resumen bien dos de los personajes secundarios de la cinta al final de la misma la naturaleza de Florence Foster Jenkins. No canta bien, canta terrible, pero nos lo hace pasar tan bien que es con lo que nos quedamos. Ya me perdonarán sus fans, y si no lo hacen tampoco pasa nada, pero podríamos compararlo con Enrique Iglesias, canta fatal pero gusta a la gente y llena allá donde va.

En esta obra no se puede pasar por alto el gran trabajo de un Hugh Grant entregado a la causa. El actor británico da vida a ese gentleman que acompaña a Foster Jenkins y mueve los hilos para que sus sueños imposibles se cumplan. Grant logra que esa burbuja que ha construido alrededor de Jenkins envuelva a los espectadores. Queremos más, queremos más canciones, más gallos, más momentos cómicos y más dramas pasados por una pátina cómica que tan bien dominan los dos principales intérpretes de la cinta.

Así mismo, no desmerece el trabajo de Simon Helberg, en el papel del cándido, o no tanto, pianista de esta señora. Cuentan las malas lenguas que logró el trabajo no por su talento, sino por ser el único que no se reía mientras Jenkins interpretaba sus canciones. Esta versión puede ser muy cierta porque el pobre pianista no volvió a trabajar con nadie tras la muerte de la diva de la ópera.

La historia está contada con suma sencillez y envuelve en un montón de purpurina la triste historia de una mujer que vivió toda su vida engañada, sin oído musical alguno y con más intención que capacidad. Una intérprete que arrasó en vida y, posteriormente, con un disco en el mercado y llenando recintos tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el sancta sanctorum de la música en la capital neoyorquina. Una mujer que logró lo imposible, acercar un estilo de música “para élites” al pueblo llano, aunque fuera a costa de convertirse en una caricatura y producir ataques de risa eternos.

La película merece tanto la pena que lo voy a resumir en un “hay que verlo”. Merece la pena por el buen hacer de Streep y Grant. Merece la pena porque esa risa se contagia al instante. Merece la pena porque es un cuento de hadas, como los que de niños tanto nos gustan, pero llevado a una mujer en los últimos meses de su vida. ‘Florence Foster Jenkins’ es maravillosa.

Lo mejor: el derroche de talento y entrega de Meryl Streep y Hugh Grant.

Lo peor: cuesta elegir, pero, echo en falta más minutos musicales de la señora Jenkins.

Ver Post >
‘Dr. Strange’, Marvel arriesga y gana

DR. STRANGE (DOCTOR EXTRAÑO)

Título original: Doctor Strange

Año: 2016

Duración: 115 minutos

País: Estados Unidos

Director: Scott Derrickson

Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson y Jon Spaihts

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Ben Davis

Reparto: Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Mads Mikkelsen, Tilda Swinton, Benjamin Bratt, Michael Stuhlbarg, Scott Adkins, Zara Phythian, Alaa Safi,Katrina Durden, Neve Gachev, Amy Landecker, Dante Briggins, Tony Paul West,Daniel Eghan, Annarie Boor, Jill Buchanan, Pezhmaan Alinia y Stan Lee

Productora: Marvel Studios

Género: Fantástico / Acción / Comedia

Dr. Stephen Strange, cuya vida cambia para siempre luego de un accidente automovilístico que lo deja sin poder mover sus manos. Cuando la medicina tradicional falla, se ve obligado a buscar una cura y esperanzas en un lugar impensado: una comunidad aislada llamada Kamar-Taj. Rápidamente descubre que éste no es sólo un centro de recuperación, sino también la primera línea de una batalla en contra de fuerzas oscuras y ocultas empeñadas en destruir nuestra realidad. En poco tiempo, Strange, armado con sus poderes mágicos recientemente adquiridos, se ve obligado a elegir entre volver a su antigua vida de riqueza y estatus o dejarlo todo, para defender el mundo como el mago más poderoso del planeta. (FilmAffinity)

Al igual que le pasó a Marvel con Guardianes de la Galaxia, arriesgan en la producción de una historia diferente, poco conocida, y ganan. ‘Dr. Strange’ es la enésima película de superhéroes que nos llega estos días, por ese lado nada de originalidad, pero con una presentación muy original y diferente, la cinta de Scott Derrickson se alza como una historia que se sale del tono habitual de Marvel.

Visualmente, ‘Dr Strange’, es una historia apabullante. Un planteamiento de efectos digitales, escenarios y fotografía cuidados al milímetro hacen de esta una cinta inolvidable. Tal vez pueda caer en la repetición de escenas barrocas y sobrecargadas, pero eso no quita para que sea la más elaborada de las películas de Marvel hasta la fecha.

Todo esto, sin embargo, no se acompaña de un guion de 10. Está bien, estamos ante Marvel, y sabemos que hacen películas facilonas, palomiteras y de echar el rato, sí, pero también han demostrado saber hacer guiones elaborados como los de Capitán América: Civil War. Aquí se echa en falta que además de confiarlo todo a una historia potente, haya algo más que pueda convertirla en una película memorable.

En el plano actoral, bien, cubierto y con creces. Tener en el reparto a fieras como Benedict Cumberbatch (El Hobbit), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud) o Mads Mikkelsen (Casino Royale), es garantía de éxito. Marvel tiene la enorme capacidad de atraer a sus películas a grandes intérpretes que dan cuenta de su calidad actoral aun interpretando a personajes “menores”. Aquí también aparecen Rachel McAdams (Spotlight), Tilda Swinton (El Gran Hotel Budapest) o Stan Lee, con su habitual cameo.

Sin ser lector de los cómics, y sin estar familiarizado con la historia, ‘Dr. Strange’ guarda parecido con otras películas como ‘Iron Man’, ‘Thor’ o ‘Spiderman’. Se nota la mano de sus creadores en una historia que, a pesar de ser típica y previsible, no aburre en ningún momento.

Lo mejor: todo el apartado visual, es una delicia difícil de olvidar.

Lo peor: es muy maniqueo, no aporta nada nuevo y cae en los lugares comunes de siempre.

Ver Post >
Días de Festival 8: ‘American Pastoral’, ‘Ikari’, ‘Yourself And Yours’ y ‘The Odyssey’

Y así, como empezó, termina una nueva edición del Festival de San Sebastián. Entre la alegría por poder descansar de una semana intensa de cine y la tristeza por lo divertido que resulta a su vez, he podido ver y comentar 29 películas, 5 más que la pasada edición. En el último día he podido ver las 4 últimas películas de la Sección Oficial que me quedaban por ver. Desde Asia llegan la japonesa ‘Ikari’ y la coreana ‘Yourself And Yours’. El debut de Ewan McGregor como director ha tenido lugar en el Zinemaldia con ‘American Pastoral’. Y, finalmente, la vida e historia de Philippe Cousteau en la francesa ‘The Odyssey’. Un broche de oro a una edición de nivel en el Zinemaldia.

AMERICAN PASTORAL (PASTORAL AMERICANA)

Título original: American Pastoral

Director: Ewan McGregor

Duración: 126 minutos

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker y David Strathairn

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Seymour Levov, el “Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el “Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

Siempre despierta curiosidad el debut como director como un actor de renombre. Ewan McGregor (Lo imposible) es el encargado de realizar ese debut en el Zinemaldia. Su película, ‘American Pastoral’ se ha proyectado en el último día de Festival en un accidentado pase en el que han tenido que intervenir profesionales médicos por una urgencia. Tras evacuar a la persona afectada, ha podido seguir la proyección, que se ha visto detenida por unos instantes.

Pero centrándonos en el filme de McGregor, estamos ante una delicada propuesta que aborda el difícil papel de un padre entregado que ve alejarse a su hija más y más. En medio de la Guerra de Vietnam, con las luchas por los derechos raciales de fondo y con una iniciación política de la joven Merry, McGregor deberá enfrentarse al difícil papel de tener que dejar marchar a su primogénita.

Falla, no obstante, en generar mayor conexión entre personajes. Se olvida de prácticamente todo el elenco para centrarse en el propio McGregor, protagonista total de su función. Su papel de protagonista es uno de los puntos flojos de la película. McGregor no tiene peso suficiente para aguantar un rol tan grande como este.

Reflejo de la familia norteamericana de clase media de los años 40, 50 y 60, y de la sociedad americana en general. La delicadeza es su punto fuerte. Una cinta que se puede consumir perfectamente, pero que no tiene demasiadas opciones a premios.

IKARI

Título original: Ikari

Director: Lee Sang-il

Duración: 142 minutos

Reparto: Ken Watanabe, Ken’ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto y Mirai Moriyama

País: Japón

Género: Drama

Sinopsis: En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

Debo admitir que no soy un gran consumidor de cine asiático. El poco cine de ese continente que he visto ha provenido, en gran medida, de Japón. Al contrario que las películas chinas, que me sumen en un letargo milenario, las películas del país del sol naciente me provocan todo lo contrario, como ha ocurrido con esta ‘Ikari’.

La dosis de cine japonés de este Festival, ha sido de gran factura con ‘Your Name‘ y la película que nos ocupa. En este filme, en especial, encontramos el punto álgido de la última jornada del Zinemaldia 2016. Una película que nos sumerge en un drama de impresiones y prejuicios hacia la gente, de amor y de palabras.

Cuenta con un reparto coral donde destaca sobremanera Satoshi Tsumabuki. Su actuación es desgarradora, consiguiendo convertir sus escenas en las más interesantes de todo el filme. Interpreta a un ejecutivo homosexual que se enamora de un chico al mismo tiempo que debe cuidar de su madre enferma. La de Tsumabuki es una de las 3 historias que narra ‘Ikari‘.

Las otras dos historias se unen a esta mediante una investigación criminal. Por un lado está la historia de un padre (Ken Watanabe) que rescata a su hija de la prostitución y después, ésta, se va con un hombre perseguido por la mafia japonesa. La otra historia es la de una joven pareja que se encuentra a un desconocido en un viaje que realizan a una isla desierta. Cada historia aportará un sospechoso al caso y solo al final se sabrá cuál de ellos es el verdadero asesino.

Tal vez sea este su principal problema, ya que, a pesar de ser uno de los platos fuertes de la Sección Oficial, deja cierta sensación de no hilar del todo bien las 3 historias. Especialmente coja queda la protagonizada por Tsumabuki, que parece una historia totalmente independiente de las demás.

Narración de amor, devoción, entrega, celos, falsas impresiones, dolor, angustia, desgarro, desespero y reconciliación. Una cinta que deja la gran nota positiva de la última jornada del Festival de San Sebastián.

YOURSELF AND YOURS

Título original: Dangsinjasingwa Dangsinui Geot

Director: Hong Sang-soo

Duración: 86 minutos

Reparto: Kim Joo-hyuck y Lee You-young

País: Corea del Sur

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: El pintor Youngsoo se entera de que su novia, Minjung, se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Minjung sale de casa, diciendo que no deberían verse durante algún tiempo. Al día siguiente, Youngsoo va en su busca, pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, en Yeonnam, donde él vive, Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, tiene citas con distintos hombres. Youngsoo vaga por las calles y lucha consigo mismo, que es lo mismo que luchar contra el mundo.

Hay cosas muy curiosas con el cine. De pronto te puedes encontrar con una película de 3 horas que se te pasa volando, y de repente otra de la mitad de duración que se te hace pesada como un documental de leones en la sabana.

La cinta coreana, última a concurso presentada en la Sección Oficial, es uno de estos segundos ejemplos. Pretende ser una comedia (el público se ha reído solo en los 10 minutos finales, y se pueden contar con los dedos de una mano las carcajadas, la señora a mi lado, literalmente, se ha quedado frita), pero no pasa de ser una película simpática y poco más.

Ni los personajes, ni la narrativa, ni los actores despiertan en mi el más mínimo interés. Y su gran virtud está en ser un compendio de sketches que podrían haber funcionado mejor por separado que como una historia conjunta.

El potencial del cine asiático en este Zinemaldia queda en manos de los japoneses, con dos propuestas de gran nivel frente a la irregularidad coreana y china.

THE ODYSSEY (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: L’Odysée

Director: Jérôme Salle

Duración: 122 minutos

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams y Alberto Nicolo’

País: Francia

Género: Aventuras

Sinopsis: El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

El Festival de Cine de San Sebastián cierra con una película sobre Jacques Costeau y su hijo Philippe. Una odisea en el fondo del mar con una bellísima fotografía y un sonoro mensaje ecologista.

El filme francés se deja ver y disfrutar como una nota diferente a la tónica general de la 64 edición del Zinemaldia. Su elección como filme de cierre es un acierto, una película con mensaje y con un punto colorido y positivo para una edición donde ha predominado el negro y la oscuridad.

La historia narra la vida de Philippe, el menor de los hijos del famoso oceanógrafo galo, en su viaje de la niñez a la madurez. Su fascinación por el cine y el trabajo de su padre fue una parte importante de su vida, pero lo que deja más poso es su legado ecologista. El mensaje de protección de la fauna marina y la preservación de los océanos el gran acierto de la película.

La pasada edición terminó con ‘London Road‘ un musical que narra los asesinatos de un grupo de mujeres en un barrio de Londres. Aquella película puede verse hoy como un punto de partida común para lo que ha sido esta edición cargada de cine oscuro y violento. ¿Podrá ser ‘The Odyssey‘ un avance a la temática que predominará en el Festival de San Sebastián 2017?

Ver Post >
Días de Festival 5: ‘As You Are’, ‘Playground’ y ‘Colossal’

 

La programación del Festival de Cine de San Sebastián tiene la peculiaridad de condensar en días concretos películas de temáticas similares. Hay días que resultan indiferentes, otros son un soplo de aire fresco y hay días en los que algo se mueve en tu interior y te hace sentir tremendamente incómodo. El quinto día tiene la virtud de no dejarte indiferente y mover tu conciencia. La violencia en manos de los niños y el bullying es el tema detrás de la polaca ‘Playground’. Desde Canadá, Nacho Vigalondo trae una reivindicación feminista entre monstruos y robots llamada ‘Colossal’. Finalmente, el cine indie americano presenta un relato de adolescentes de la generación X, ‘As You Are’.

AS YOU ARE

Título original: As You Are

Director: Miles Joris-Peyrafitte

Duración: 105 minutos

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo y Billy Thomas Myott

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

Dije el pasado domingo que la gente tardó en aplaudir ‘Nocturama‘ puesto que estaban todavía en shock por lo mostrado por Bertrand Bonello. En esta ocasión debo admitir que el que se ha quedado tocado he sido yo.

Por alguna extraña razón hay películas que te dan en la tecla correcta y corroen por dentro. Hay películas que aunque no te toquen por una vivencia personal consiguen rebuscar dentro de ti y buscar las cosquillas. ‘As You Are‘ es una de esas películas, al menos en mi caso.

La cinta narra las idas y venidas de dos adolescentes de principios de los 90 que se hacen inseparables cuando sus padres inician una relación. La unión pronto la compartirán con una chica del instituto que se les une, aunque con cierta sensación de que sobra en todo el lienzo que Miles Joris-Peyrafitte dibuja.

Los chicos experimentan las drogas, la pérdida de ídolos y referentes (Kurt Cobain), el inicio de las relaciones amorosas, las armas y los padres castradores. Todo ello resume ‘As You Are‘, yo probablemente sea este su principal problema, trata de abarcar demasiado.

Pero, ante todo, es una película indie americana con una fuerte carga de denuncia social. Si ya hemos tocado el tema de la mujer, el del terrorismo, el de las minusvalías y el de las relaciones padre-hijo cuando éstos se hacen mayores, aquí tachamos el resto de la lista de un plumazo. Se aborda la política de armas, el acceso a las armas y a las drogas por menores, la dureza del trato padre-hijo, el despertar sexual, la homosexualidad y hasta un pequeño conato de travestismo.

Todo ello, aunque hay quien piensa lo contrario, encaja a la perfección en una Sección Oficial que se ha empeñado este año en ser una reivindicación social constante. El problema que ‘As You Are‘ tendrá es que hay mejores propuestas en la Sección Oficial, también peores, por lo que su canto de “socorro” quedará empañado por propuestas más redondas.

PLAYGROUND

Título original: Plac Zabaw

Director: Barstoz M. Kowalski

Duración: 82 minutos

Reparto: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda y Przemek Balinski

País: Polonia

Género: Drama

Sinopsis: Último día de colegio en una pequeña ciudad polaca. Es la última oportunidad para Gabrysia, de 12 años, de declararse a un compañero de clase. Gabrysia organiza una cita secreta y chantajea al objeto de su amor para que se presente. Pero lo que se esperaba que fuera una charla íntima se descontrola y conduce a un final inesperado. La película, más allá de plantear una pregunta obvia —¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?—, cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta.

El cine te traslada a mundos de todo tipo. El cine tiene el poder de transmitir todo tipo de sensaciones al espectador. Unas imágenes en movimiento y el sonido son capaces de convertir una sala de cine en todo un deleite o una experiencia traumática. El trauma, podría venir desde algo malo o desde algo bueno, pero hecho con toda la intención de incomodar al espectador. Esto es lo que le pasa a ‘Playground’.

Seré el raro que le de una oportunidad a la película de Brastoz M. Kowalski, ya que el comentario generalizado en San Sebastián es de repulsa absoluta hacia ella. Pero tengo que opinar que se confunden la repulsa hacia la historia que la película narra con el sentimiento hacia la película. Comparto la repulsa hacia el contenido del filme, no hacia el filme.

‘Playground’ es una película tremendamente incómoda, deliberadamente incómoda diría para ser más preciso. Su objetivo no es otro que ser una bala en el estómago de los espectadores, que asisten a un espectáculo horripilante de violencia que tiene como protagonistas a niños. Y aquí está el principal acierto de la cinta de Kowalski, ya que todo lo que hagan los niños se magnifica. El cineasta polaco es capaz de jugar con la hipocresía del espectador, que no condena de forma tan descarada este comportamiento cuando lo cometen adultos.

Hoy el Kursaal se ha ido vaciando a pasos agigantados en los últimos 10 minutos de película, probablemnte los más polémicos y con los que se quedarán los espectadores. Un eterno, eternísimo, plano secuencia de los dos protagonistas masculinos al lado de una vía de tren, y un niño pequeño. No pienso desvelar nada de lo que hacen, pero entiendo perfectamente la sensación de incomodidad de los espectadores que han decidido marcharse. También los que nos hemos quedado, algunos tenemos la “extraña manía” de ver una película de principio a final para poder juzgarla, nos hemos sentido así y nos hemos dejado de sentir cómodos en nuestra butaca.

‘Playground’ es un polémico filme que levanta ampollas, dispara directo al espectador y lo deja perturbado. Solo el buen cine consigue dejar poso en el espectador, y si ‘Playground’ le ha provocado admiración, desprecio, repulsa u odio estamos hablando de una gran película. En cambio, si les ha dejado indiferenteslo que falla es la película, y su humanidad, porque no hay humano que pueda resistir semejantes actos sin sentir nada.

El quinto día lo ha dejado potente el señor José Luis Rebordinos, al que tengo que aplaudir por atreverse, una vez más, a meter en Sección Oficial películas de todo tipo, que pueden gustar a unos y espantar a otros. Un festival de cine como este es grande porque no teme mostrar cine, sea del tipo que sea, y más si es para mover algo en el espectador. Rebordinos y su equipo han demostrado esta edición no tener miedo a nada, programando Nocturama, vetada en Cannes, y esta ‘Playground’, probablemente las cintas más polémicas en la Sección Oficial.

Para finalizar voy a plantear una pregunta, ¿vetaría alguien una película de Haneke (Funny Games), del que claramente bebe esta cinta polaca, en un festival de cine por ser tremendamente incómoda y violenta? La respuesta es evidente, NO. ¿Entonces por qué hay quienes se plantean el veto a ‘Playground’?

COLOSSAL (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: Colossal

Director: Nacho Vigalondo

Duración: 110 minutos

Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Agam Darshi, Hannah Cheramy y Christine Lee

País: Canadá

Género: Ciencia ficción / Thriller / Comedia

Sinopsis: Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

La propuesta más gamberra de lo que llevamos de Zinemaldia llega de manos de Nacho Vigalondo. Comedia, drama y ciencia ficción se unen en un relato que es, ante todo, un canto a la libertad de la mujer. Una película feminista que lucha contra eso que Alberto Garzón denominó como “heteropatriarcado”

Protagonizada por Anne Hathaway (Interstellar) y Jason Sudeikis (Somos Los Miller), ‘Colossal‘ es la propuesta más comercial de lo que llevamos de Sección Oficial. Tal vez haya quien no quiera verla por ser una película de ciencia ficción, pero merece mucho la pena. Vigalondo nos relata una de las historias más interesantes de este Festival de San Sebastián. Todo ello apoyando en la gran actuación de Hathaway.

La historia sigue al personaje de Anne, que muestra una extraña conexión con un monstruo que destruye Seul. Su vida se cruzará con un antiguo compañero de escuela, que servirá de apoyo a Hathaway en un momento donde se ha visto abandonada por su novio por su comportamiento fiestero.

Entre copas, idas y venidas y regalos en forma de sofás y televisores, Sudeikis va entrando en la vida de Hathaway. Pero el conflicto estalla por parte del ex, un hombre incapaz de entender el comportamiento de su chica, y el nuevo chico, que de ninguna forma acepta que ella pueda no elegirle y se haya quedado con uno de sus amigos.

Hathaway no se quedará parada y tomará el toro por los cuernos. Ella refleja el empoderamiento de la mujer, mientras que su antiguo compañero de clase el tipo de hombre que sobra en la sociedad. Como he comentado, un canto al feminismo que no se anda con chiquitas, atención al final de la cinta.

No compite por premios, tampoco se los iba a llevar. Pero así y todo,es uno de los mejores aportes que nos deja la Sección Oficial de este 64º Festival de San Sebastián.

Ver Post >
Días de Festival 3: ‘Nocturama’, ‘The Giant’, ‘On The Milky Road’ y ‘El porvenir’

Tercera jornada del Festival de Cine de San Sebastian 2016. La Sección Oficial sigue mostrando sus candidatas a llevarse los principales premios. En este tercer día hemos podido ver ‘Nocturama’, una película francesa sobre el terrorismo y los millennials, y desde Suecia llega ‘The Giant’, una propuesta que pretende remover conciencias sobre el trato recibido por personas con algún tipo de minusvalía mezclando fantasía y realidad. El 18 de septiembre ha dado para mucho, tanto como para poder ver dos de las propuestas de la sección Perlas, que muestra lo mejor que ha pasado por otros festivales de cine y que aquí opta al premio del público. Perlas ha regalado en el día de hoy cintas como ‘On The Milky Road’,  tragicomedia ambientada en la guerra de los Balcanes, y ‘El porvenir’, cinta francesa que aboga por la reinvención de la mujer.

NOCTURAMA

Título original: Nocturama

Director: Bertrand Bonello

Duración: 130 minutos

Reparto: Vincent Rottiers, Finnegan Oldfield, Jamil McCraven, Hamza Meziani, Manal Issa, Laure Valentinelli, Adèle Haenel, Luis Rego y Hermine Karagheuz

País: Francia

Género: Thriller

Sinopsis: Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza…

Bertrand Bonello plantea una curiosa reflexión sobre el terrorismo y los millennials en una película a caballo entre el cine de festivales y comercial. Con imágenes potentes, puede ser la esperanza de los espectadores menos cercanos al cine comercial dentro de la Sección Oficial.

La cinta comienza con media hora de silencio de los protagonistas deambulando por París. Aunque se vislumbra lo que va a ocurrir, consigue llegar a sorprender por su intensidad narrativa. También juega a su favor el hecho de tener muy próximos los atentados recientes en Francia.

El trabajo actoral, si bien sencillo, es bueno, algo complicado de encontrar en una película protagonizada por adolescentes. Son estos adolescentes los que plantean el principal dilema de la cinta, ¿hay algún motivo para hacer lo que hacen o es simplemente reivindicarse como individuo de la peor de las formas? Además de ser ellos, sus personajes, el principal azote para la sociedad francesa y occidental. Bonello plantea la cuestión de que el terrorista puede ser cualquiera desde el chico árabe a un niño bien con corbata y aspiraciones a político. Todo un tortazo que Bonello da a los espectadores.

La película se divide en dos mitades: preparación de los atentados y grandes almacenes. La primera mitad es enigmática y mete al espectador en una duda constante sobre lo que está viendo. La segunda mitad sorprende más a pesar de ser más típica. El uso de la música y la deriva de los personajes son su gran fuerte.

Película muy disfrutable que divide al público entre los que se sienten fascinados y los que no han reaccionado al tortazo que Bonello plantea. El Victoria Eugenia tardado en arrancar en aplausos, igual que ocurría con ‘High-Rise‘ en la pasada edición.Gran película con opciones a los premios.

THE GIANT

Título original: Jätten

Director: Johannes Nyholm

Duración: 90 minutos

Reparto: Christian Andrén, Johan Kylén, Anna Bjelkerud, Linda Faith, Niclas Fransson, Moa Malan, Stina Elinderson, Martin Högdahl, Stig Rehncrona, Daniel Presuttis, Bengt Carlsson, Tobias Åkesson, Pia Edlund, Lasse Dithmar, Lars Refn y Archana Khanna

País: Suecia

Género: Drama

Sinopsis: Rikard es un autista con deformidades graves que fue separado de su madre al nacer. Treinta años despues, está convencido de que su madre volverá con él si gana el campeonato de petanca de Escandinavia. Su frágil físico y un entorno hostil y criticón no van a conseguir pararlo. Además, cuenta con la ayuda de un gigante de 60 metros…

El cine sueco tiene su presencia en la Sección Oficial de la mano de ‘The Giant’ de Johannes Nyholm. Se trata de una propuesta alegórica, a caballo entre la fantasía y la realidad.

Rikard y su madre parecen conectados por un gigante con la forma de él. Poco a poco, sus vidas e historias se van entrelazando con el gigante como nexo de unión. Rikard, un máquina de la petanca, busca su lugar en el mundo expresándose a través de este deporte, mientras su madre vive aislada, víctima de la psicosis que padece.

La cinta sueca navega entre la denuncia social por el trato que reciben las personas con algún tipo de minusvalía o enfermedad y el espíritu de superación evocando en esa figura del gigante de los sueños de Rikard. La película consigue emocionar en algunos pasajes, pero se trata de una emoción más bien contenida. Falta explotar mejor este factor.

Buena película, que sumada a ‘Nocturama‘ nos deja, de momento, el mejor día en cuanto a la Sección Oficial. Dos grandes candidatas a llevarse sendos premios o en convertirse en placeres culpables de crítica y público.

ON THE MILKY ROAD (Perlas)

Título original: Na Mlijecnom Putu

Director: Emir Kusturica

Duración: 125 minutos

Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan y Maria Darkina

País: Serbia

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: Primavera en tiempo de guerra. Cada día un lechero cruza el frente en un burro, esquivando balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Tocado por la buena fortuna en su cometido y amado por una bella lugareña, un apacible futuro parece aguardarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana pone su vida patas arriba. Así comienza una historia de amor apasionado y prohibido que sumergirá a ambos en una serie de fantásticas y peligrosas aventuras. El destino les ha alcanzado y nada ni nadie parece capaz de detenerles…

Película de mitades. Se puede dividir en una primera parte donde vemos más la parte de la guerra y cómo se van fraguando las relaciones entre los personajes. Todo ello plagado de buena música, la antigua Yugoslavia es una delicia para los melómanos, y de una fotografía que quita el hipo, los bellísimos paisajes de los Balcanes se prestan a la labor.

En cambio, la película torna en una segunda mitad espesa, aburrida y lenta donde se repite todo en bucle una y otra vez. Es la huída constante hacia la libertad sin renunciar al amor. Película que navega entre lo irónico y absurdo y donde tanta fantasía termina por hacerse realmente pesada.

No consigue despertar el suficiente interés, y el que despierta se lo carga en esa segunda mitad tediosa. Una película de mitades que, por esto mismo, se lleva la mitad de puntos posibles.

EL PORVENIR (Perlas)

Título original: L’avenir / Things To Come

Director: Mia Hansen-Løve

Duración: 102 minutos

Reparto: Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon y Marion Ploquin

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, antiguos alumnos y su madre, una mujer muy posesiva. Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Nathalie se verá obligada a llevar a la práctica sus teorías sobre la libertad y reinventar su vida.

Nuevo ejemplo de cine francés en el Festival de Cine de San Sebastián, y van unos cuantos. La cinta de Mia Hansen-Løve es una película sobre aprender a afrontar la soledad. Saber envejecer y reinventarse para estar al día son las principales pretensiones de la película gala mostrada en la sección Perlas del Zinemaldia.

Mezclando con acierto la potente carga dramática con pequeños momentos de humor, ‘El porvenir’ es una cinta recomendable, pausada y amena sobre una mujer que, de la noche a la mañana, ve su vida cambiada por completo. La infidelidad de su marido, su devoción por el trabajo y la literatura, la marcha de sus hijos de casa… son algunos de los aspectos vitales que tendrá que afrontar el personaje de Isabelle Huppert para poder volver a ser feliz como antes.

Ver Post >
Días de Festival 2: ‘El hombre de las mil caras’, ‘I Am Not Madame Bovary’, ‘The Oath’ y ‘Vivir y otras ficciones’

Segundo día de Zinemaldia y la lluvia sigue acompañándonos a los cinéfilos entre película y película. En esta segunda jornada hemos podido ver 4 películas de la Sección Oficial muy diferentes, pero cargadas todas ellas de una crítica política y social considerable. Desde las corruptelas de ‘El hombre de las mil caras’ al papel de los padres en la educación de sus hijos en ‘The Oath’, pasando por el drama del divorcio en clave de poesía oriental en ‘I Am Not Madame Bovary’ y la búsqueda de felicidad en ‘Vivir y otras ficciones’. Todas ellas mejoran el nivel medio mostrado en el primer día y nos dejan con ganas de más cine.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Título original: El hombre de las mil caras

Director: Alberto Rodríguez

Duración: 123 minutos

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura y Emilio Gutiérrez Caba

País: España

Género: Thriller

Sinopsis: El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

La película de Alberto Rodríguez (La isla mínima) ha llegado a San Sebastián con mucho predicamento. En general el público ha recibido bien a la película con sendas ovaciones en sus dos pases en el día de hoy. La película se presta al interés del público, aunque cae en vaguedades y errores que lastran el resultado final.

Rodríguez da el paso de contar una de las historias más tremendas que España vivió a mediados de los años 90. La gota que terminó por colmar el vaso del Gobierno de Felipe González fue el caso de Luis Roldán, aquí detallado. La película se atreve a meter ciertos personajes públicos como Juan Alberto Belloch, entonces superministro de Justicia e Interior y, posteriormente, alcalde de la ciudad de Zaragoza durante 12 años. Pero termina sin implicar realmente a actores políticos de renombre que tomaran parte en las negociaciones, negociaciones que “jamás” existieron.

La indefinición política, por no querer meter la pata, tal vez, también se sufre en un indefinición generalizada entre los personajes. Tenemos los actores principales, Roldán, Paesa, Camoes, la mujer de Roldán, Belloch… pero desconocemos cómo llegan hasta ahí, por qué están ahí y qué les une entre ellos. Especialmente resaltable es la nula explicación de la relación entre Paesa y Camoes. No sabemos qué une a los personajes interpretados por Eduard Fernández (Lejos del mar) y José Coronado (El Cuerpo), cómo se llegan a conocer y qué beneficio saca, especialmente Camoes, de su relación con Paesa.

Obviando estos aspectos, nos encontramos ante un thriller disfrutable, aunque peca de largo. La primera hora fluye bien, y la segunda se divide en unos 40 minutos donde el ritmo general se ralentiza demasiado, y unos 10 minutos finales donde vuelve a remontar. Buena elección de la música, buena calidad técnica.

I AM NOT MADAME BOVARY

Título original: Wo Bu Shi Pan Jinlian

Director: Xiaogang Feng

Duración: 128 minutos

Reparto: Fan Binbing, Guo Tao, Da Peng y Zhang Jiayi

País: China

Género: Comedia

Sinopsis: Li Xuelian y su marido Qin Yuhe montan un falso divorcio para obtener un segundo apartamento. Seis meses después, Qin se vuelve a casar con otra mujer. Llena de ira, Li presenta una demanda que pierde, porque el divorcio cumplía con los procedimientos legales. Y además Qin la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Una década después, sin que el matrimonio ni su reputación se hayan restaurado, Li viaja a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo para completar su absurdo periplo de diez años por el hijo que no tuvo.

Se ha puesto de moda esto de jugar con la relación de aspecto. Xavier Dolan (Yo maté a mi madre) lo utilizó con coherencia y sentido en ‘Mommy’, pero aquí es más un recurso estético que propio del relato. Tenemos la pantalla en círculo prácticamente todo el tiempo, combinándolo con la pantalla cuadrada (1:1) en las escenas en Pekín y los últimos minutos de la cinta en la pantalla ancha a la que tan acostumbrados estamos.

La película china, firmada por Xiaogang Feng, es un ejemplo más de la cadencia y ritmo lento del cine chino. Las escenas se prolongan mucho, las transiciones son pausadas y los movimientos de cámara son lentos. No es que una película con este ritmo sea mala, no, es que el espectador occidental medio no está acostumbrado a esta manera de relatar una película.

Se puede enmarcar a ‘I Am Not Madame Bovary’ como comedia por algún que otro puntazo que tiene en sus más de dos horas de metraje. Consigue dibujar la sonrisa en el espectador y sacar alguna que otra carcajada tímida. La misma idea en manos de un realizador occidental hubiese ganado en ritmo y comicidad. Así y todo, la única propuesta china en la sección oficial supera con creces la propuesta del mismo país que el año pasado se proyecto, Back To The North, aquella sí que invitaba a echar una buena siesta.

THE OATH

Título original: Eiðurinn

Director: Baltasar Kormákur

Duración: 110 minutos

Reparto: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gísli Örn Garðarsson, Margrét Bjarnadóttir, Auður Aradóttir, Guðrún Sesselja Arnardóttir, Þorsteinn Bachmann y Ingvar Eggert Sigurðsson

País: Islandia

Género: Drama / Thriller

Sinopsis: Finnur es un cardiocirujano de éxito y tiene dos hijos. Su vida familiar empieza a complicarse cuando su hija Anna inicia una relación con un traficante de drogas muy manipulador. Como el control del novio sobre Anna y sobre toda la familia es cada vez más estrecho, Finnur se ve obligado a tomar medidas drásticas.

La dósis islandesa en el 64 Festival de San Sebastián recuerda demasiado a ‘Prisioneros’, película que también se presentó en su momento en Donostia.  Su planteamiento es su gran piedra en el camino, ya que no sorprende por ningún lado. Thriller típico y con un esquema también típico que poca novedad aporta al mundo del thriller.

En cambio su gran potencial viene de ser una película rodada en Islandia. Este país, tan de moda en televisión por ‘Juego de Tronos’ y ‘Sense8′, enamora con cada plano. La fotografía es espectacular, quita el hipo y se convierte en un personaje más de la película.

‘The Oath’ navega entre lo típico y lo previsible. Impregna todo el guion de giros altamente violentos, ilustrando el cambio de actitud del padre sobreprotector de su hija. La película de Baltasar Kormákur, director y protagonista de la cinta, plantea el complicado dilema para los padres de hasta qué punto el destino de sus hijos les pertenece. Que cada uno saque las consecuencias que quiera al verla.

VIVIR Y OTRAS FICCIONES (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Vivir y otras ficciones

Director: Jo Sol

Duración: 81 minutos

Reparto: Pepe Rovira, Antonio Centeno, Arántzazu Ruiz y Ann Perelló

País: España

Género: Drama

Sinopsis: Pepe ha salido del psiquiátrico tras cumplir condena por robar para trabajar. Su necesidad de encajar en un mundo sin sentido se convierte en una tarea desesperada. Antonio, escritor tetrapléjico, lucha por el derecho al acceso al propio cuerpo y por la sexualidad de las personas con diversidad funcional, despertando los prejuicios de su entorno más cercano. La amistad entre Antonio y Pepe interpela nuestra mirada sobre la vida y nos invita a reconocernos como anomalía.

En este día de reivindicaciones en la Sección Oficial, no podía faltar el grito de “aquí estamos, somos personas como todos los demás” de la película de Jo Sol. El filme catalán consigue meter al espectador en ese mundo de una persona tetrapléjica y un hombre que ha salido del psiquiátrico y buscan su lugar en el mundo.

La película lo que relata, básicamente, es la búsqueda de la felicidad por parte de sus protagonistas. No se trata de una búsqueda material. No intentan tener una casa más grande, ni más dinero. La búsqueda de la felicidad puede venir de algo tan cotidiano como que te hagan una paja o poder cantar una canción. Y este es el mensaje que Pepe Rovira y Antonio Centeno transmiten mejor, el de que vivir es cosa de pequeñas cosas que hacen  que nos sintamos humanos.

La cinta navega entre los momentos tragicómicos y la emoción absoluta. Especialmente intensas son las escenas donde Pepe Rovira aguanta la cámara mientras suena la música. De nuevo, también, pocos medios, pero un momento que consigue condensar con gran acierto la emoción que requiere esta historia.

Ver Post >
Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

Otros Blogs de Autor