Diario Vasco
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Categoría: Documental
‘Ot: la película’, para los auténticos fans de los triunfitos

OT: LA PELÍCULA

Título original: OT: la película

Año: 2002

Duración: 85 minutos

País: España

Director: Jaume Balagueró y Paco Plaza

Guion: Jaume Balagueró y Paco Plaza

Fotografía: Pablo Rosso

Reparto: Rosa López, David Bisbal, David Bustamante, Chenoa, Manu Tenorio, Verónica Romero, Gisela Lladó, Nuria Fergó, Naim Thomas, Álex Casademunt, Alejandro Parreño, Juan Camus, Natalia, Geno Machado, Javián, Mireia Montávez y Poty

Productora: Academia de Artistas S.L.

Género: Documental

Documental sobre la multitudinaria gira de los alumnos de “Operación Triunfo”, un exitoso programa español consistente en una academia musical televisada para formar a jóvenes cantantes. Dicho programa obtuvo altísimas cuotas de audiencia en la televisión española, los discos de sus galas se vendieron por cientos de miles y facilitaron -inicialmente- las carreras profesionales de todos sus participantes. Narra la gira veraniega durante la cual los jóvenes, convertidos en estrellas, recorrieron España dando conciertos. (FilmAffinity)

2002 fue el año en que España entera se paralizó para ver la aventura de 16 chicos y chicas en busca de su sueño, cantar. Operación Triunfo fue, es y será historia viva de nuestra televisión y cultura popular. Negar la influencia de este programa en toda una generación, incluso en más de una, es negar la realidad. Operación Triunfo marcó de tal manera que hoy, con el reencuentro, 15 años después, está volviendo a paralizar al país.

Aquellos Bisbal, Chenoa, Bustamante, Rosa, Naim, Gisela, Manu, Verónica o Nuria, enamoraron a todo un país con sus ilusiones durante 5 meses de programa de televisión. Ellos devolvieron al Festival de Eurovisión al primer plano que nunca debió haber abandonado, y consiguieron un hito histórico al marcar la increíble cifra de un 80% de cuota de pantalla durante el Festival de Eurovisión 2002, algo imposible de repetir hoy por hoy. Más de 12 millones de personas seguían en directo a unos chicos crecer hasta convertirse en estrellas de la música.

El cuento fue bonito, nos ilusionó a todos, pero también dejó tras de sí una película, un documental. Los posteriormente directores de cine de terror, Balagueró y Plaza, probaron suerte con este documental que tiene más de intención que de resultado. Una historia únicamente contada para los fans fans fans del formato, entre los que me incluyo, pero que tiene poco de artístico o cinematográfico. En general, todos los documentales sobre conciertos tienen esa carencia, aportan realmente poco más.

Su mayor virtud es mostrar como un grupo de chavales pasa del anonimato más absoluto, con permiso de Naim Thomas que sí había tenido algún que otro papel relevante en el cine, incluyendo la famosa escena de bañera en ‘Caricias’, al estrellato más desmesurado. Las dudas, los miedos, los llantos, las alegrías, los baños de masas y las soledades más buscadas, todo eso lo recoge un documental, al que hay que reprochar que se queda más en la insinuación que en el mensaje directo que debería tener. Se dejan entrever algunas de las confesiones que estos días, los mismos protagonistas, están volviendo a sacar a colación.

Operación Triunfo aportó mucho a la música, ya que consiguió que la imparable decadencia de un sistema de industria musical en España viviera un par de años extra de esplendor gracias a chicos y chicas que fueron dejados de lado por los importantes de la industria, los mismos que hoy matarían por cantar con Bisbal, por poner un ejemplo. Operación Triunfo resucitó la música en la televisión y aportó una nueva forma de hacer realitys y talent shows dejando de lado el tono de bronca y morbo de Gran Hermano o Supervivientes.

Este documental, igual que la serie de documentales que ahora La 1 de Televisión Española emite, son un regalo para los fans. Para todos los demás, detractores, haters o gente que pasa de este fenómeno de masas, será un documental sumamente aburrido y que pasará con más pena que gloria.

Lo mejor: tiene pinceladas de cruda realidad con las confesiones de los 16 triunfitos.

Lo peor: las actuaciones en directo están muy mal rodadas y no consigue el efecto que documentales como En la cama con Madonna sí conseguía.

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Días de Festival 1: ‘La doctora de Brest’, ‘Orpheline’ y ‘Manda huevos’

Había muchas ganas de volver al Festival de Cine de San Sebastián. Tras una primera experiencia en 2015 llena de grandes recuerdos no podía faltar en esta ocasión tampoco a uno de los eventos más importantes de nuestra ciudad. De nuevo me presento en el Festival de San Sebastián con ganas de repasar las películas de la Sección Oficial y alguna que otra joyita que pueda caer de Perlas y Nuevos Directores.

LA DOCTORA DE BREST

Título original: La Fille De Brest / 150 milligrams

Directora: Emmanuelle Bercot

Duración: 128 minutos

Reparto: Sidse Babett Knudsen y Benoît Magimel

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Basada en el libro Mediator 150 mg., de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

La película de apertura del 64 Festival de San Sebastián es un arranque positivo con lo mejor y lo peor del cine francés. Con cierto aire a TV movie, la cinta gala explora el complicado mundo de las farmacéuticas y la lucha que unos pocos valientes emprenden contra ellas.

Robando el protagonismo al resto del elenco, la danesa Sidse Babett Knudsen, a la que hemos visto en la serie ‘Borgen’, se hace con la película, ganando el favor del público y buscando la complicidad dentro de una trama complicada. Son, precisamente, los momentos más distendidos, en manos de Knudsen, los que hacen grande a la película.

La propia lucha contra las farmacéuticas deriva en un recorrido previsible que no despierta el suficiente interés entre el público. Absténganse de verla personas que se impresionen fácil al ver vísceras, órganos, cuerpos, sangre… ya saben.

En definitiva, una película correcta, interesante de ver y con subidas y bajadas. Lo mejor y lo peor del cine francés condensado en dos horas de película que no se hacen pesadas, pero que tampoco se quedarán en la memoria del espectador.


ORPHELINE

Título original: Orpheline / Orphan

Director: Arnaud des Pallières

Duración: 111 minutos

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar y Rayan Rabia

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Cuatro momentos en las vidas de cuatro personajes femeninos. Una niña que vive en el campo y cuyo juego del escondite se convierte en tragedia. Una adolescente atrapada en una interminable sucesión de huidas, hombres y contratiempos, porque cualquier cosa es mejor que su desolado hogar familiar. Una joven que se muda a París y roza el desastre. Y finalmente una mujer adulta de éxito que se pensaba a salvo de su propio pasado. Poco a poco estos personajes se unen para formar una sola protagonista.

Cuatro historias y ninguna me mueve más que el dolor y el sufrimiento. Bien dirigida y bien actuada, pero complicada de resistir. Es una película desasosegante, dura, cruel y directa.

Película de festival, que puede tener predicamento en círculos más minoritarios, pero complicada de salir de ahí. Su narración no ayuda nada. Se hace complicada, dura, difícil y pesada. Las historias no capturan y así es imposible interesarse por la cinta.

La película cuenta con un reparto femenino de excepción, pero también destaca el catalán Sergi López (Un día perfecte per volar), que no falta a su cita habitual con el Festival de Cine de San Sebastián.

Ningún aplauso en el pase de prensa.

 

 

MANDA HUEVOS (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Manda huevos

Director: Diego Galán

Duración: 95 minutos

País: España

Género: Documental / Comedia

Sinopsis: Manda huevos sería la lógica prolongación del documental ‘Con la pata quebrada’. Utilizando sólo fragmentos de películas, Con la pata quebrada intentó sintetizar con ritmo narrativo y buen humor cómo el cine español había representado a la mujer española desde los años 30 hasta nuestros días y, con ello, su evolución en la sociedad. Del mismo modo, con similar tratamiento, cabe contar cómo las películas españolas han contemplado al varón español, o al menos a ciertos prototipos. Lo que quedará esbozado finalmente es un retrato sociológico desde la posguerra hasta el presente, o lo que es lo mismo, el reflejo de una parte significativa de la historia de nuestro país.

Para cerrar la primera jornada, la última de las proyecciones de la Sección Oficial correspondientes a este día. ‘Manda huevos’ es una película para verdaderos amantes del cine. Llena de multitud de escenas sacadas de películas españolas de todas las épocas, la cinta de Diego Galán, otrora director del Zinemaldia, es un deleite para los amantes de la ironía.

Pero, sobre todo, es una forma de retratarse a uno mismo lo que muestra Galán en su documental.  Se trata de un documento que retrata lo absurdo y tonto del cine de la dictadura, del cambio radical con el paso de los años y del empleo del humor para caricaturizarlo todo. Seña de identidad, ésta última, de la sociedad española.

No nace con pretensión de ser un documental sesudo y definitivo sobre el cine español y el papel del hombre en él, nace con la pretensión de que el espectador quede ojiplático.

En comparación a ‘Orpheline’, y con el Teatro Principal sin llenar en el pase de prensa, ha recibido bastantes más aplausos.

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‘Religulous’, “gracias a Dios que soy ateo”

RELIGULOUS

Título original: Religulous (A Spiritual Journey)

Año: 2008

Duración: 101 minutos

País: Estados Unidos

Director: Larry Charles

Guion: Larry Charles

Fotografía: Anthony Hardwick

Reparto: Bill Maher

Productora: LionsGate Films

Género: Documental

Documental del director de la película ‘Borat’, e interpretado por el popular e ingenioso cómico norteamericano Bill Maher, que analiza en clave paródica el estado actual de la religión en el mundo. (FilmAffinity)

Polémico, así es este documental producido y dirigido por el director de ‘Borat’. Aún a pesar de ser polémica, la película documental no deja de ser necesaria y una bofetada a todos los que creen en serpientes que hablan, Adán y Eva, planetas lejanos de donde vienen los dioses y demás historias.

La película protagonizada por el humorista Bill Maher, deja claro desde el principio que se está haciendo desde la perspectiva de un humorista y ateo. En ningún caso se puede tomar ‘Religulous’ como un estudio serio sobre la religión, no lo es. Aunque esa falta de seriedad de Maher no hace que el filme sea, en ningún caso, una sarta de tonterías, sino más bien un “zasca” tras otro a los que creen a pies juntillas lo que, teóricamente, las religiones dicen.

Salpicado con numerosos gags, Maher va hablando con muchísimos personajes, de toda clase, condición y religión (curas, creyentes, ex-creyentes, conversos, ateos, científicos, turistas en un parque de atracciones sobre la Biblia, musulmanes homosexuales, rabinos…), dejando patente su excepticismo ante lo que la gente defiende con una asombrosa convicción.

Como espectador, quedarás perplejo ante algunas de las declaraciones que hacen los personajes que Maher reúne. Como píldoras quedan el tendero que cree que Jonás vivió durante 3 días en una ballena, o pez grande, como dice él; el senador por Arkansas, Mark Pryor, que afirma que no es necesario pasar un test de inteligencia para ser senador; el que afirma ser la reencarnación de Cristo, etc.

‘Religulous’ es una película que, si eres ateo, te hará pasar un rato divertido, reírte y reafirmarte en tus creencias, o falta de ellas. Si eres creyente, y sigues queriendo ver el documental, prepárate para que, de forma muy educada y sutil, te canten verdades a la cara sobre tus creencias. Y no te creas que Bill Maher se pasa la película poniendo en ridículo a nadie, no lo hace en ningún momento, se dedica a plantear dudas y cuestiones, dejando que los personajes sean los que se retraten a ellos mismos.

Lo mejor: que Bill Maher no necesita ridiculizar a nadie para que la gente llegue a quedar en evidencia

Lo peor: tanto gag e inserto termina por cansar

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Días de Festival 5: ‘Bakemono no Ko’, ‘El apóstata’ y ‘Taxi Teherán’

EL NIÑO Y LA BESTIA - Sección oficial

Título original: Bakemono no Ko (The Boy and the Beast)

Año: 2015

Duración: 119 minutos

País: Japón

Director: Mamoru Hosoda

Guion: Mamoru Hosoda

Música: Masakatsu Takagi

Productora: Studio Chizu / NTV

Género: Animación / Fantástico

Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio, y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día, el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro les llevará a vivir multitud de aventuras. (FilmAffinity)

Primera película de animación que compite en la Sección oficial del Festival de San Sebastián, y la segunda de animación en este blog tras la brillante Astérix y las doce pruebas. Después del éxito hace unos años de ‘El viaje de Chihiro’ en otros certámenes, el Zinemaldia hace suyo el reto de programar dentro de las películas que luchan por los premios importantes a un anime. Si ya descubrimos que tiene cabida una película que ni su propia autora sabe describir como Evolution‘, un thriller con toques religiosos como ‘Regresión’una distopía como ‘High-Rise’ o una comedia como ’21 nuits avec Pattie’,  ¿por qué no un anime?

El filme nos presenta la historia de un muchacho que se ve obligado a vivir bajo la tutela de sus tíos, situación que no le gusta y por ello decide marcharse sin decir nada. Será en este momento cuando se encuentre con Kumatetsu, una criatura con forma de oso, que le enseñará y hará de él su aprendiz. En esa relación tirante que mantendrá desde el primer momento con su maestro, Kyuta, aprenderá el arte de la lucha y la superación de sus temores.

Mamoru Hosoda, director de algunos episodios de la serie Digimon y de la única película de la franquicia que llegó a España, además de algunas de las películas más premiadas del cine de animación japonés actual, emociona y captura al espectador con la ternura y fuerza de los personajes y la historia. Nos trae una historia de amor, superación y amistad, pero también de luchar por los sueños y de saber adaptarse a entornos extraños. Cautiva, especialmente con los minutos finales, y en gran parte gracias a su gran banda sonora, llenos de sentimiento, siendo la única película hasta el momento que ha conseguido emocionarme. Afirmo que ‘Bakemono no Ko’ es de momento, a falta de 9 películas por completar la Sección oficial, mi película favorita de lo que llevamos de Festival, todo un lujo.

Como punto negativo hay que señalar su excesiva duración, puesto que dura prácticamente 2 horas. Desconozco cómo será ver la película doblada al castellano o al inglés, pero el japonés es un idioma que resulta complicado si no estamos acostumbrados a él, llegando a sonar amenazador y violento en muchos casos. De todos modos, son detalles sin importancia comparados con el resultado general más que satisfactorio de la película de Hosoda.

Lo mejor: Conmueve, transmite y emociona.

Lo peor: Excesiva duración.

EL APÓSTATA - Sección oficial

Título original: El apóstata

Año: 2015

Duración: 80 minutos

País: Uruguay

Director: Federico Veiroj

Guion: Federico Veiroj, Álvaro Ogalla, Nicolas Saad y Gonzalo Delgado

Fotografía: Arauco Hernández

Reparto: Álvaro Ogalla, Bárbara Lennie, Vicky Peña, Marta Larralde, Kaiet Rodríguez, Juan Calot, Andrés Gertrudix, Joaquín Climent, Jaime Chávarri, Mercedes Hoyos, Álvaro Roig y Leo Fernández

Productora: Ferdydurke / Cinekdoque

Género: Drama / Comedia

El apóstata repasa las cicatrices de un joven que desea emanciparse de aquello que se escapa de su control, a la vez que dispara contra sí mismo y con un afán cínico en algunas cuestiones de fe, culpa y deseo. (FilmAffinity)

Desde Uruguay, aunque con reparto y rodaje español, nos llega ‘El apóstata’, filme que ya se presentó en el Festival de Toronto (TIFF). Se trata de la historia de Gonzalo Tamayo, un joven que inicia los trámites para apostatar. En el camino se encontrará con las trabas de la iglesia católica y las suyas propias, debatiéndose entre dos mujeres.

Se trata de una película con planteamiento original, diálogos ágiles y que se hace muy amena. En ningún momento decae el ritmo de la cinta, aunque se aprecia una falta mayor de crítica a la iglesia y a la burocracia, puesto que el engorroso proceso administrativo que tendrá que seguir Gonzalo está a la altura de la más célebre escena de Astérix y las 12 pruebas, aunque sin llegar a la mordacidad de Uderzo y Goscinny.

La historia cumple, entretiene, permite alguna que otra carcajada (especialmente en los diálogos del protagonista con los miembros del clero) y nos hace pasar un rato ameno. No es ninguna maravilla de película, pero su propósito está cumplido, que es más de lo que otras cintas pueden decir.

Lo mejor: Diálogos ágiles y no se hace pesada en ningún momento.

Lo peor: Le falta fuerza en la crítica, no es mordaz.

TAXI TEHERÁN - Perlas

Título original: Taxi

Año: 2015

Duración: 82 minutos

País: Irán

Director: Jafar Panahi

Guion: Jafar Panahi

Reparto: Jafar Panahi

Productora: Jafar Panahi Film Productions

Género: Documental / Drama

Un taxi recorre las vibrantes y coloridas calles de Teherán. Pasajeros muy diversos entran en el taxi y expresan abiertamente su opinión mientras son entrevistados por el conductor que no es otro que el director del film, Jafar Panahi. Su cámara, colocada en el salpicadero del vehículo, captura el espíritu de la sociedad iraní a través de este viaje. (FilmAffinity)

Ganadora del Oso de oro en la Berlinale, ‘Taxi Teherán’ es la tercera película que produce el iraní Jafar Panahi desde que le prohibieron salir de su país y hacer cine durante 20 años. Panahi vuelve a demostrar que ante las dificultades hay que ingeniárselas para denunciar la situación complicada que se vive en su país y la situación injusta que él vive. Cine denuncia que se construye sin guion alguno y de forma ilegal y oculta.

La película es el relato de un día conduciendo por las calles de Teherán a bordo de un taxi. Todos los ciudadanos que suben el mismo dejan un poco de ellos, hablan, sin tapujos, de todo y sobre todos. Tenemos al hombre hipócrita que critica lo que hace, la profesora, el vendedor de películas piratas, la pareja de abuelas que van a morir si no llevan un pez a un manantial para las 12:00, la mujer de las flores que vive una situación injusta como el propio Panahi y la sobrina del director, brillante en todas sus intervenciones.

La crítica social es enorme, la política injusta y la grandísima influencia religiosa que se vive en Irán sale a relucir. También vemos a dos señoras mayores convencidas de que si no llevan un pez a un manantial para una hora concreta van a morir, o el hombre de nula capacidad intelectual que está convencido de que ser profesora es vivir en la ficción, en fin. Una pareja sube al coche, con el marido moribundo, no voy a destripar la secuencia, pero es para enmarcar.

La única pega que se le puede encontrar a la película es la falta de intensidad de algunos testimonios, aunque esto no dependía del director, es lo que tiene el cine hecho sin guion, se escribe solo y sale lo que sale, en este caso, algo brillante.

Carcajada generalizada antes del inicio de la película con un mensaje del Parlamento Europeo, les hago spoiler de él: “El Parlamento Europeo defiende los DDHH”. Hay que tener narices para afirmar algo así en los tiempos que corren.

Lo mejor: La crítica social, religiosa y política de los testimonios.

Lo peor: Al no haber guion detrás no hay filtro de algunas declaraciones menos interesantes.

Puedes releer las entregas sobre las películas del 63 Festival de San Sebastián:

Días de Festival 1: ‘Regresión’ y ‘Truman’

Días de Festival 2: ‘Sunset Song’, ‘Evolution’ y ‘Mi gran noche’

Días de Festival 3: ’21 noches con Pattie’, ‘Sparrows’ y ‘Amama’

Días de Festival 4: ‘Eva no duerme’, ‘High-rise’ y ‘Hitchcock/Truffaut’

Días de Festival 6: ‘El Rey de La Habana’, ‘Moira’, ‘Lejos del mar’ y ‘Freeheld’

Días de Festival 7: ‘Les caballeros blancos (Les chevaliers blancs)’, ‘Back to the north’ y ‘El hijo de Saúl’

Días de Festival 8: ‘Un día perfecto para volar’, ‘Les démons’ y ‘London Road’

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Días de Festival 4: ‘Eva no duerme’, ‘High-rise’ y ‘Hitchcock/Truffaut’

EVA NO DUERME – Sección oficial

Título original: Eva no duerme

Año: 2015

Duración: 85 minutos

País: Argentina

Director: Pablo Agüero

Guion: Pablo Agüero

Reparto: Pepi Monia, Gael García Bernal, Denis Lavant, Imanol Arias, Daniel Fanego y Nahuel P. Biscayart

Productora: JBA Productions / Haddock Films / Tornasol Films / Canana / Rohfilm

Género: Drama

Relata la odisea del cadáver embalsamado de Eva Perón en toda Europa a partir de 1952 hasta su entierro en Argentina 25 años después. (FilmAffinity)

Representación argentina en la Sección oficial del Festival de San Sebastián. Se trata de la historia del robo, búsqueda y retorno del cadáver de Eva Perón, Evita, la primera dama de Argentina desde 1946 a 1952, fecha de su fallecimiento. El paso del tiempo ha hecho que la figura de la actriz y política se convierta en un mito, un símbolo.

La película de Pablo Agüero nos plantea una estructura propia de una obra de teatro, tres actos, cada uno centrado en un personaje (el embalsamador, el transportista y el dictador), entremezclando los tres episodios con el relato del personaje de Gael García Bernal, Massera, un militar que gobernó Argentina junto a Videla y Agosti a mediados de los años 70. Además de ello la película transmite la sensación de ser barata, de no haber invertido demasiado presupuesto en ella.

La cinta pierde el potencial como personaje de Evita. Parte de una buena idea, pero se pierde en un tono demasiado pausado, lento, aburrido y soporífero, probablemente Eva no duerma, pero algún que otro espectador lo hará. Aspira a demasiado y cumple con poco.

Como notas positivas está el empleo de la música y el archivo histórico, realmente son los únicos elementos que traspasan la pantalla. Merece mención especial la secuencia inicial, un plano fijo hipnótico con García Bernal acercándose hasta la cámara.

Lo mejor: la secuencia inicial, banda sonora y archivo histórico.

Lo peor: ritmo excesivamente lento y soporífero.

 

 

 

HIGH-RISE - Sección oficial

Título original: High-Rise

Año: 2015

Duración: 118 minutos

País: Reino Unido

Director: Ben Wheatley

Guion: Ben Wheatley y Amy Jump

Música: Clint Mansell

Fotografía: Laurie Rose

Reparto: Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Keeley Hawes, Reece Shearsmith, Peter Ferdinando, Sienna Guillory, Stacy Martin, Enzo Cilenti, Augustus Prew, Louis Suc, Tony Way y Dan Renton Skinner

Productora: Recorded Picture Company / British Film Institute / Film4 / Embargo Films

Género: Ciencia ficción / Thriller

Adaptación de High Rise, novela publicada por J.G. Ballard a mediados de los años ‘70. La historia narra la llegada del doctor Robert Laing a la Torre Elysium, un enorme rascacielos dentro del cual se desarrolla todo un mundo aparte, en el cual parece existir la sociedad ideal. Pero secretamente, el recién llegado se sentirá perturbado ante la posibilidad de que este orden utópico no sea tal. Sospechas que rápidamente serán corroboradas de la forma más siniestra. (FilmAffinity)

Wheatley construye dentro del rascacielos donde tiene lugar ‘High-Rise’ un pequeño modelo a escala de la sociedad de los años 70. El edificio incluye todas las comodidades y representa el enfrentamiento entre la sociedad capitalista (los habitantes de las plantas superiores) y la socialista (los demás habitantes, especialmente el personaje interpretado por Luke Evans, con una imagen del Che en su habitación). Además tenemos dos figuras intermedias, los que saben jugar entre esas dos aguas y se benefician de los dos: el psicólogo (Tom Hiddleston) y el niño (Louis Suc).

El filme nos propone una aventura loca, extrema… el desmoronamiento de la sociedad. La película es un total desfase, escenificado en ese rascacielos que va perdiendo poco a poco su lucidez original para pasar a ser un campo de batalla de sálvese quien pueda. Crítica social brutal del mal del capitalismo y la lucha de clases.

El reparto, de lujo, está perfecto. La banda sonora espectacular, mezclando piezas de música clásica con una siniestra versión del ‘SOS’ de ABBA. El gran error del filme es que su parte intermedia se hace algo larga.

Lo mejor: Crítica social redonda y banda sonora.

Lo peor: Parte central de la película algo pesada.

 

 

 

HITCHCOCK/TRUFFAUT – Perlas

Título original: Hitchcock/Truffaut

Año: 2015

Duración: 80 minutos

Director: Kent Jones

Guion: Kent Jones y Serge Toubiana

Reparto: David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson,Richard Linklater, Alfred Hitchcock, François Truffaut, James Gray y Olivier Assayas

Productora: Cohen Media Group

Género: Documental

Medio siglo después de la publicación del libro “El cine según Hitchcock” de François Truffaut, el director Kent Jones invita a alguno de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas…) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspense, Alfred Hitchcock. (FilmAffinity)

Primera película fuera de la Sección oficial que traigo a este espacio. En principio la idea inicial era analizar únicamente las películas encuadradas dentro de la sección estrella del Festival, pero Perlas tiene propuestas brillantes que merecen mención como esta ‘Hitchcock/Truffaut’.

El título del filme es lo suficientemente clara para saber de qué trata esta cinta, aunque conviene aclarar algunos detalles. El repaso a la filmografía de los maestros Alfred Hitchcock y François Truffaut se hace a partir del libro que este último escribió de la serie de entrevistas que mantuvo con el primero. Al material espectacular de ellos sumamos las opiniones de monstruos de la gran pantalla como David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson… un verdadero lujo para todo cinéfilo.

La cinta se hace muy amena, fácil de seguir y para consolidar la admiración hacia los cineastas, para los que los admiren, y para descubrir e iniciarse en ellos, para los que no los conozcan. Una cinta de obligatoria visión para todo amante del séptimo arte.

Lo mejor: Es un documento imprescindible para cinéfilos.

Lo peor: Nada.

Puedes releer las entregas sobre las películas del 63 Festival de San Sebastián:

Días de Festival 1: ‘Regresión’ y ‘Truman’

Días de Festival 2: ‘Sunset Song’, ‘Evolution’ y ‘Mi gran noche’

Días de Festival 3: ’21 noches con Pattie’, ‘Sparrows’ y ‘Amama’

Días de Festival 5: ‘The Boy and The Beast (Bakemono no Ko)’, ‘El apóstata’ y ‘Taxi Teherán’

Días de Festival 6: ‘El Rey de La Habana’, ‘Moira’, ‘Lejos del mar’ y ‘Freeheld’

Días de Festival 7: ‘Les caballeros blancos (Les chevaliers blancs)’, ‘Back to the north’ y ‘El hijo de Saúl’

Días de Festival 8: ‘Un día perfecto para volar’, ‘Les démons’ y ‘London Road’

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‘En la cama con Madonna’, tributo a la Reina del Pop

EN LA CAMA CON MADONNA

Título original: Madonna: Truth or Dare

Año: 1991

Duración: 114 minutos

País: Estados Unidos

Director: Alek Keshishian

Guion: Alek Keshishian

Música: Madonna

Reparto: Madonna, Warren Beatty, Sandra Bernhard, Antonio Banderas, Pedro Almodóvar, Manuel Bandera, Kevin Costner, Matt Dillon, Jean-Paul Gaultier, Loles León, Olivia Newton-John, Coati Mundi, Al Pacino, Rossy de Palma, Vincent Paterson, Mandy Patinkin, Lionel Richie…

Productora: Miramax Films / Propaganda Films

Género: Documental

Documental que narra la vida profesional y privada de la cantante de pop Madonna durante la gira Blond Ambition Tour. El documental incluye la participación de numerosos actores, músicos y personajes populares, además de los miembros de su cuerpo de baile, coristas, músicos y preparadores.

Con más de 30 años de carrera musical a sus espaldas, más de 300 millones de discos vendidos y una larga carrera actoral, no tan exitosa como la musical, Madonna es todo un icono cultural. La cantante llegó con fuerza a la industria musical, pero no fue hasta su tercera gira, la recordada ‘Blond Ambition Tour’, que se convirtió en el icono que es actualmente. El documental que firma como ‘Verdad o atrevimiento‘ (traducción del título original en inglés), hace referencia a un popular juego, al que juegan asiduamente durante el filme, y donde los jugadores deben elegir entre confesar una verdad o superar un reto. El documental sirve para conocer en profundidad cómo es la Reina del Pop en el plano privado.

Además de la estrella musical, el documental cuenta con todo el equipo de músicos, bailarines, coristas, maquilladores, peluqueros, etc. que acompañó a Madonna durante los meses de gira. Pero es en los constantes cameos donde radica uno de los mayores intereses de la cinta. Podremos ver a Kevin Costner (‘Bailando con lobos’), que no sale especialmente bien parado; Warren Beatty (‘Dick Tracy’), pareja por entonces de la cantante; Olivia Newton-John (‘Grease’), Al Pacino (‘El padrino’) o Mandy Patinkin (‘Mentes Criminales’) entre la lista de conocidos actores de Hollywood que aparecen en el documental.

También hay un nutrido grupo de artistas españoles, que hacen su aparición durante una cena que organiza Pedro Almodóvar (‘Todo sobre mi madre’) durante la estancia de Madonna en Madrid. A la cena acuden, entre otros, Manuel Bandera (‘Amar en tiempos revueltos’), Loles León (‘Aquí no hay quien viva’), Rossy de Palma (‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’) y Antonio Banderas (‘El zorro’), que años más tarde sería compañero de reparto de la cantante en el musical ‘Evita’. Además de Jean-Paul Gaultier, que a partir de esta gira se hizo mundialmente conocido, suyo es todo el vestuario que lució la cantante durante los conciertos, destacando el famoso corpiño cónico.

La cinta, firmada por Alek Keshishian, está dividida en dos partes, y al igual que en la película ‘Memento’, de Christopher Nolan, estas se diferencian por el color (blanco y negro, y color). Las partes en color corresponden a las actuaciones de la gira, rodadas durante el concierto de París, mientras que el blanco y negro se reserva al resto del metraje, todo lo que ocurre detrás del escenario. El director consigue equilibrar adecuadamente las dos caras de la cinta, consiguiendo un resultado ágil, fuerte, cautivador y, a veces, enternecedor, como la escena del cementerio.

Podemos estar ante una película hecha a la medida del ego de una superestrella, una mujer poderosa, que ha marcado y sigue marcando tendencia en el mundo del pop. Pero, no es menos cierto, que Madonna volvió a innovar y ser pionera una vez más, puesto que ningún artista se había atrevido a desnudar su día a día de la forma en el que lo hizo la cantante de Michigan. Además de brindar la posibilidad de conocer lo que se esconde detrás de una producción musical del nivel y la complejidad de una gira mundial. El Blond Ambition Tour, que según la revista Rolling Stone, cambió la forma de hacer giras, siendo también la primera gira mundial de tal calibre de una cantante femenina.

La película cuenta con pasajes algo aburridos, como la visita de la amiga de juventud de Madonna en Nueva York. Pero, en cambio, nos regala pasajes memorables como la policía de Toronto intentando cancelar el concierto, las relaciones tensas entre los bailarines, la escena del cementerio o el juego final a verdad o atrevimiento. Hay que añadir la siempre cuidada puesta en escena musical de la cantante, todo un deleite que ameniza la narración, así como el disfrute de recordar una gira que marcó historia y cambió el mundo de la música pop.

Lo mejor: la posibilidad de conocer qué se esconde tras una estrella mundial.

Lo peor: algunos pasajes sobrantes y que apenas aportan nada.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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