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Barzin: serenidad veraniega en dos discos, y cita mañana en Igeldo
Ricardo Aldarondo 18-04-2014 | 1:52 | 4

Barzin actúa mañana sábado 19 de abril en Igeldo, en un lugar y a una hora poco común: a las 12.00 horas en Undermount, el antiguo gallinero al borde del mar acondicionado como “vivero cultural”, así lo definen. Y conviene no perderse esta oportunidad de escuchar en directo a uno de los cantautores más sensibles, cálidos y evocadores que se pueden encontrar actualmente.

Conocí la música de Barzin por la amable insistencia de Juanra, del recoleto sello donostiarra Moonpalace Records, que tenía una devoción por él que necesitaba contagiar a otros. Una vez que consigue que lo escuches, ya te conviertes en otro proselitista de Barzin.

Juanra, en su Moonpalace Records, ha conseguido además publicar un EP exclusivo, con cinco temas inéditos de Barzin, que se presentará y estará disponible también mañana en Igeldo (y en la web de Moonpalace Records y que viene a ser inmejorable complementeo del LP To Live Alone In That Long Summer, publicado el mes pasado, uno de los álbumes a considerar en lo mejor del año, que constituye el regreso del cantautor canadiense después de cinco años.

“El perezoso verano vuelve a mí /Todas esas chicas adorables y esos chicos solitarios / pronto llenarán las calles” (Lazy Summer). Palabras como esas definen el espíritu de un disco en el que “love” y “summer” (o “spring”) reaparecen continuamente, como si las nueve canciones de To Live Alone In That Long Summer pertenecieran a un solo relato. Con un protagonista siempre pensando en la persecución del sublime amor veraniego y en la melancolía de no haber alcanzado el fulgor buscado. Nada de beach boys y brillos del sol: el tono ocre predomina en los ritmos serenos y la voz aterciopelada, sencilla y sincera, de Barzin, que por momentos puede evocar a Al Stewart en sus espléndidos comienzos folk, antes de convertirse en un megaventas.

Todo en las canciones de Barzin es sutil y delicado, pero con un trasfondo emocional de alta intensidad, incluso doloroso a veces. “Miras dentro de las casas / para ver cómo viven los otros / Cometes los mismos errores / y el conocimiento / siempre llega demasiado tarde”, canta en Stealing Beauty. No son lamentos dolientes, sino un cierto estupor ante la belleza y el dolor de la vida. Y los sencillos y certeros arreglos de viento y cuerda, que nunca se hacen presentes, simplemente envuelven las canciones en un manto de calidez inmejorable. He aquí dos de las mejores de To Live Alone in That Long Summer, aunque la unidad y calidad de todo el disco hace casi imposible destacar una sobre otras.



Y el Moonpalace EP no se puede considerar de ninguna manera una recolecta de sobras o rarezas, sino otro disco impecable y cautivador, complemento o no del Lp. La canción que lo abre, Sad and Beautiful World, es quintaesencia del actual Barzin en todo su esplendor, con un ligero viraje country gracias a esa slide guitar. There Will Be Time For es la continuación perfecta en tono y tempo. Pero además aparecen sorpresas tan estimables como el delicioso (casi) instrumental Boxes of Poems, con su encantadora caja de ritmos primitiva. Y, como en el LP, este Moonpalace EP se cierra con placidez absoluta en otra emocionante pieza, It’s Come To This. Aquí se puede escuchar el EP completo.

Cuenta Juanra en la presentación del EP: “Por fin, muchos son los años que han pasado desde que conocí a Barzin, allá por el 2003 escuchar su primer disco fue una especie de revelación, revelación y enamoramiento de unas canciones que han ido evolucionando con los años, de la áspera desnudez de su primer disco a los maravillosos y certeros arreglos de los últimos trabajos. De unas canciones que jugaban con el silencio y el minimalismo a otras que buscan la belleza sirviéndose de unos arreglos certeros y justificados que aportan una luz, un cierto optimismo a unas canciones que en estos once años de carrera no han perdido ni un ápice de eso que las hace tan especiales, emoción e intensidad”. Pues eso.

Hay que recuperar los tres primeros Lps de Barzin (todos menos el segundo en el mismo sello, Monotreme Records): Barzin (2003), My Life in Rooms (2006) y Notes to an Absent Lover (2009). Pero lo urgente es ver y escuchar sus canciones en directo, mañana en Igeldo. Y además viene con banda.

 

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Hágase La Luz en el Microcosmos del Dabadaba
Ricardo Aldarondo 11-04-2014 | 4:36 | 4

Una de esas casualidades ‘ilusionantes’: un día veo que uno de los grupos que presenta el cartel del Festival Aló Dabadaba (hoy viernes y mañana sábado, a partir de las 21.30 en el nuevo bar- sala de conciertos donostiarra) se llama La Luz, y me llama la atención el nombre, sobre todo al saber que son de Seattle. Y al día siguiente leo en un tuit al siempre venerado y fiable David Gedge, alma mater de The Wedding Present y Cinerama, diciendo que su nueva banda favorita es sin duda, y precisamente, La Luz. Poder ver en tu ciudad al grupo favorito en estos momentos de David Gedge no es cosa a desdeñar.

Así que había que investigar quien y cómo eran La Luz. Son cuatro chicas y en el etiquetado de su bandcamp pone “surf rock doo wop girl-group garage”. Y sí, hay un poco de todo eso. Pero al escucharlas me acuerdo, no de The Wedding Present, sino de David Lynch. Ese tipo de guitarras con eco y trémolo, y también ese cruce entre pop luminoso y oscuridad y misterio tan querido por el director de Terciopelo azul, en sus bandas sonoras y en sus propios discos. Otra razón de que Lynch venga a la mente puede ser que él fue quien en su día me puso sobre la pista de Au Revoir Simone, trío de chicas que también tiene puntos en común con La Luz.

Parece que han publicado un EP cuya portada tiene forma de cassette, Dump Face, y un Lp de hace unos meses, It’s Alive. He aquí tres de sus canciones, que me han gustado, y mucho:

Y también en estos días previos me han llegado mensajes más o menos subliminales de que el grupo donostiarra Microcosmos, también en el cartel de mañana sábado en el Dabadaba,  es de lo más interesante que ha salido últimamente en nosecuántos kilómetros a la redonda. Veamos las etiquetas bandcampianas también: “Psicodélia, San Sebastián”. Vale, claros y concisos. Cuatro chicos: Aitor, Inaxio, Olano, Iñigo. Y así de sólidas y sugerentes suenan tres de sus canciones.




Así que hay al menos dos buenas razones para acudir, y en muchos casos estrenarse, en el Dabadaba, que es la nueva sensación donostiarra, eso tan antiguo y tan necesario como un bar con buena música y música en directo. Está en Egia, en el Camino de Mundaiz, 8 y tiene lo imprescidible: un letrero de neón.

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El imprescindible regreso de The Stranglers, 30 años y medio después de su concierto en el Autódromo
Ricardo Aldarondo 05-04-2014 | 1:36 | 4

En aquel sueño breve pero intensísimo que fue el Autódromo de Lasarte, la sala que Santi Ugarte montó a primeros de los años 80 para hacernos vivir simultáneamente nuestro propio Rock-Ola al lado de San Sebastián, una de las noches más gloriosas fue la del 24 de septiembre de 1983. ¡Venían The Stranglers! El cuarteto ya se había hecho mítico en la fase del punk y el post-punk, con esa anomalía que siempre tuvieron: el sonido de sus teclados casi les emparentaba con el rock sinfónico más que con el punk; eran músicos excelentes con complejas melodías, nada de raca-raca de tres acordes; y su potencia, su pegada, su patada musical representada en los movimientos de kárate del bajista Jean-Jacques Burnel, era practicamente inagualable.

Pero The Stranglers venían además en su mejor momento, cuando, por si fuera poca la evolución imparable de sus primeros elepés, demostraron ser capaces de la mayor sofisticación con un single tan inesperado e imaginativo como Golden Brown (¡una balada con clavicordio a ritmo de vals!) y su correspondiente elepé La Folie (1981) y, sobre todo, con el disco que venían a presentar, ese Feline (1983) magistral que aunaba a la perfección punch y melancolía, elegancia, comercialidad y pura esencia Stranglers.

Con un volumen potentísimo, sonaron implacables en un inicio arrollador, con temas como Nuclear Device, Toiler in the Sea, Ships That Pass in the Night o It’s A Small World. Eran jóvenes, el bajo de Burnel y la batería de Burnel eran de una rotundidad que te golpeaba en el estómago, Hugh Cornwell lideraba con su magnética seriedad a los hombres de negro y enloquecíamos ante lo que estábamos viendo y sobre todo escuchando, un temazo tras otro prácticamente enlazados, sin parar. Brutal en lo muscular, con Burnel casi literalmente convertido en un felino karateka lanzando patadas al cielo mientras tocaba su bajo sinuoso, y los teclados de Dave Greenfield llenándolo todo.

Sedujeron igualmente con su faceta sensible: la unión de tres canciones tan legendarias como Golden Brown, Midnight Summer’s Dream y European Female fue un tramo central maravilloso. Y luego volvió la caña con canciones como The Raven, Thrown Away y Tank, para acabar con Hanging Around y Let Me Introduce You To the Family y la audiencia tan en éxtasis como había estado durante todo el concierto.

Y el sonido de aquella noche mítica puede volver  hoy en Intxaurrondo. No son tan jóvenes, hace años que Hugh Cornwell no está en el grupo y últimamente Jet Black, ya con 75 años tiene suficientes problemas de salud como para no poder no tocar la batería en directo. A mediados de los 80 ya empezaron a perder la inspiración impecable que les había acompañado en su primera década y fuimos prestando con el tiempo menos atención a sus nuevos discos. Ellos siguieron adelante, con mayor o menor fortuna, y cualquiera pensaría que ya en el siglo XXI y sin Hugh Cornwell sobrevivían por pura inercia con un nuevo cantante y guitarrista, Baz Warne.

Sin embargo me llevé una enorme sorpresa en Londres en 2008, casi por casualidad, en un festival en Hyde Park donde tocaban en el escenario pequeño. Fui a verles con un punto de nostalgia y tres o cuatro de escepticismo. Y me encontré con un concierto impecable, repasando con la máxima dignidad y una potencia digna de antaño muchas de las perlas que atesora su repertorio. Seguían siendo The Stranglers en toda su autenticidad, con Jean-Jacques Burnel igualmente magnético en escena, aunque lógicamente menos saltimbanqui, un sonido potentísimo y un cantante guitarrista que sin tratar de imitar a Hugh Cornwell era un sustituto perfecto. Y poco más tarde pude confirmar en el Summercase de Madrid que no había sido un espejismo: The Stranglers sigue siendo una gran banda en directo, con un repertorio que solo crece con el tiempo. Y es curioso que los dos miembros originales que continúan manteniendo en directo, el bajista y el teclista, son precisamente los que han dado siempre el sonido más distintivo de The Stranglers.

Así que hoy, en el Centro Cultural Intxaurrondo, con la celebración del 40 aniversario de la banda, cabe esperar una ristra de hits, y también algo del nuevo álbum, Giant, porque no se dedican solo a reverdecer sus mejores tiempos, continúan haciendo discos más que dignos. Expectación máxima por tanto.

Y para los neófitos, he aquí una docena de canciones, probablemente mis favoritas de The Stranglers:

1. Midnight Summer’s Dream (1983).

2. No More Heroes (1979)

3. Golden Brown (1981)

4. Nice ‘N’ Sleazy (1978)

5. The Man They Love To Hate (1981)

6. Peaches (1977)

7. Always the Sun (1986)

8. Toiler in the Sea (1978)

9. Something Better Change (1977)

10. Nuclear Device (1979)

11. European Female (1983)

12. La Folie (1981)

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Sun Kil Moon en París: el extraordinariamente talentoso y conmovedor cantautor vs. el no tan atractivo bromista provocador
Ricardo Aldarondo 26-03-2014 | 3:52 | 14

Cuatro meses después del post en Mon Oncle titulado Los ocho nuevos discos de Mark Kozelek, el aparentemente hiperactivo aunque permanentemente soñoliento cantautor publicaba otro disco más, ahora bajo el alias Sun Kil Moon que se supone corresponde a una banda, pero sigue siendo su dominio acompañado, a veces, por músicos cambiantes. Y si los tres discos en estudio, de esos ocho contando varios live y una banda sonora, eran extraordinarios, Benji es una obra maestra. Parece que por fin se le está reconociendo: yo esperaba que el año pasado su disco con Jimmy LaValle, Perils From the Sea, tan bueno como el actual Benji, estuviera en lo más alto de las listas de lo mejor del año, pero no ocurió así, inexplicablemente. Como mucho, algunas revistas incluyeron su disco junto a Desertshore. Ahora parece unánime la opinión de que Benji es lo mejor que ha aparecido de momento en este 2014. Sin duda, pero también lo era Perils From the Sea en 2013, creo.

La conjunción que ha conseguido Kozelek en estos dos discos, entre una letras-relato que confiesan episodios de su vida (alguno también de su imaginación) como una biografía expresada con lenguaje natural, y unas melodías emocionantes, aún más de lo que suele conseguir habitualmente con su particular voz, alcanza lo extraordinario. Uno se mete en cada una de las canciones como en una película, un libro de relatos y una confesión de amigo al mismo tiempo. Las largas letras encajan de manera tan inexplicable como perfecta, marcando de forma definitiva la diferencia entre un cuento literario y lo que él hace, unas canciones insólitas, amables y bellas, pero alejadas de la clásica estructura de estrofa y estribillo.

Muchas veces ha defendido en solitario las canciones que ha grabado con otros, engalanadas en el estudio, desnudas en directo. Pero ante el extraordinario Benji, y al anunciar algunas fechas en Europa acompañado por Steve Shelley (en un principio, aunque finalmente fue sustituido por Eric Pollard, batería de Retribution Gospel Choir), y el minimalista teclista Chris Connolly, había que aprovechar la ocasión para ver a Kozelek en grupo. Las canciones de Benji, sus arreglos escuetos pero fundamenteales, lo merecen.

Y el sábado pasado veíamos a Sun Kil Moon en París, en un precioso teatro antiguo de music-hall, Le Divan du Monde, con desgastados dibujos exóticos en las paredes que parecen, también, cargadas de historiasUn lugar que te permite estar en primera fila, apoyado en el escenario, casi metido en él. Con el peligro que supone, lo sabíamos, en el caso de un concierto de Kozelek, al que ya había visto antes en seis ocasiones, con Red House Painters o solo, pero no había comprobado la deriva extrañamente provocadora que ya mostró en el pasado mes de octubre en Madrid y Barcelona.

Pero dejemos eso para después. Porque el concierto empezó con recogimiento casi religioso (como siempre en total penumbra y con la prohibición expresa de fotos y vídeos), con Carissa, quizás la más conmovedora, si se pueden establecer clasificaciones, de las canciones de Benji. La historia de la prima segunda de Mark, que murió con 35 a causa de la explosión de un aerosol sonó impresionante, a pesar de algún desajuste en la afinación. Sobre los arpegios a la guitarra clásica característicos del Kozelek de la última época, la suavidad a la batería de Eric Pollard, y sus coros angelicales, creaban un extraordinario ambiente. Chris Connolly se ocupaba de emular los bajos con la mano izquierda del teclado o de crear sonidos de fondo, nunca en primer plano. Y en el centro de la escena, un guitarrista, al que Kozelek presentó como Vasco, y del que dijo que se había incorporado al grupo en el anterior concierto. Vasco se ocupaba de dibujar detalles improvisadamente entre la suavidad reinante, casi siempre con acierto y gusto, o de hacer algún solo cuando se lo ordenaba el jefe (“esta no se la sabe Vasco, así que hará un solo en medio”, dijo en varias ocasiones, después de asegurar que no tenía ni idea de cuál era el apellido de Vasco, e incluso preguntar si alguien del público lo conocía). El grupo enlazó con Truck Driver, la canción en la que Kozelek cuenta la también trágica historia de su tío, que murió de la misma forma que Carissa, años antes.

Y Kozelek ya empezó con su discutible concepto de interacción con el público. Tras preguntarle a la chica rubia del extremo izquierdo cómo se llamaba, “Geraldine” y dedicarle una sonrisa, y alguna alusión a su novio, inició el leit-motiv de la noche: “¡No veo más que tíos mayores en primera fila! No sé por qué vienen a verme siempre tantos tíos y tan viejos”, y cosas así. Los aludidos sonreíamos con complicidad. De momento. A la siguiente canción volvió a atacar: “¿Es que no hay mujeres aquí? ¿Cómo lo hacéis para f*ll*r en esta ciudad?”, y cosas parecidas en un tono de enfado supuestamente simulado. Con la ambigüedad de ser un borde o estar de broma, o las dos cosas a la vez. También le preguntó a la chica rubia cuál era su canción favorita y ella no supo o no quiso decir un título: “Lo imaginaba”, respondió con cortante ironía. El novio estuvo más espabilado y le dijo que su mejor disco era el último, lo cuál complació a Mark, claro. También que respondiera “34 años” cuando le preguntó su edad. También debía verle viejo a primera vista. Kozelek se puso definitivamente plasta, y dejó de tener gracia, cuando presentó I Love My Dad. “Esta canción está dedicada a mi padre, que tiene 81 años. Más o menos la edad que tienen estos”, mientras nos señalaba los que estábamos en la frontera de los 40 y los 50. O sea, como él. ¿Es un modo de tratar de asumir que ya no es joven y por tanto tampoco su público? ¿Lleva mal no ligar en cada ciudad como antes? ¿Pretendía que nos fuéramos de ese sitio, o que le respondiéramos? Casi nadie lo hizo, porque la cosa no daba más de sí. Hasta los músicos, mientras mantenían una sonrisa congelada, parecían estar deseando que se dejara de chorradas y se pusiera a tocar. Pero él aún dedicó un tiempo a comentar que los del balcón parecían invitados con máscara como los de Eyes Wide Shut. De dominar el inglés y la lengua afilada como él, podíamos haberle comentado que está gordo, y que cuando cantó sin la guitarra temimos seriamente que los botones de la zona abdominal salieran disparados hacia nosotros.

Esta forma de actuar, que ya parece que se ha convertido en un show establecido (va diciendo cosas parecidas en cada ciudad) es incómoda, y extraña, sobre todo por el brutal contraste que supone con el resto de la velada, lo importante: un concierto extraordinario, de una sensiblidad y emoción constante, muy variado en los matices e incluso en la forma de las canciones para lo que suele ser la peculiar cadencia de Kozelek. Choca muchísimo que alguien que se entrega de esa manera en cada interpretación, que con los ojos cerrados se expresa como buscando la máxima emoción, y consiguiéndola, y se entrega en todo lo que canta y toca, pase en un instante a convertirse en el gracioso del bar con tendencia a la bronca. Aunque siempre se escude en la suposición mediante sonrisa de que ‘estamos de broma’. Sólo he visto un caso parecido en John Martyn, que también pasaba en un instante de la impresionante delicadeza y elegancia de sus canciones, a las intervenciones burdas de hooligan. En otros momentos Kozelek sí estuvo realmente gracioso, como cuando, mientras afinaba la guitarra, un espectador pegó un inesperado berrido, “Maaaark!” y él, impasible, levantó la mirada y le dijo: “Me estás asustando”.

Afortunadamente, a la quinta canción se concentró casi exclusivamente en la música. Y fue desgranando la mayor parte de Benji. Tras la devoción por su madre y la preocupación por que un día le falte en I Can’t Live Without My Mother’s Love, el relato de sus primeras experiencias sexuales (el primer beso, el primer polvo con el Animals de Pink Floyd sonando en el tocadiscos o acostándose con dos amigas a la vez) en Dogs, que sonó muy cañera, o el sorprendente y casi eufórico rock & roll que es la mencionada I Love My Dad.

En Richard Ramirez Died Today of Natural Causes, atacó casi con furia el retrato del psicópata asesino, uno de los dos temas del disco en los que Kozelek bordea el rap con un borbotón de palabras de apasioanante narrativa. Sorprende que en directo pueda recordar y nunca trabarse con tan extensos textos, y cantarlos con tanta convicción. La triple añoranza de Micheline (de una vecina “cuyo cerebro iba un poco más lento que los demás”, de su amigo Brett y de su abuela) se unió al recuerdo del primer visionado en la adolescencia de la película de Led Zeppelin I Watched the Film The Song Remains The Same, otro de los momentos en que la voz de Kozelek alcanzó lo sublime con la ayuda de los muy trabajados coros de Pollard.

Tras desperezarse como si se acabara de levantar de la cama, dio por concluido el repaso a Benji, y atacó con una versión de Hey You Bastard I’m Still Here, de su disco con Desertshore, de inesperada contundencia, mucho más que en el disco, casi desgañitándose con la voz: el esfuerzo terminó en ovación. Pidió silencio porque “esta es una canción muy importante”. Y vaya si lo era: Gustavo, la historia del chico que contrató para que le arreglara la casa, con una melodía que pone la piel de gallina. Sustituyendo la electrónica del original por la rítmica naturalista de Pollard, fue otra cumbre emocional del concierto.

Claro, que desconcierta un poco que quien acaba de interpretar algo tan íntimo y conmovedor y te ha mantenido esos cinco minutos en la gloria, suelte tras afinar cuidadosamente la guitarra: “Uf, me estoy aburriendo. ¿Por qué no me contáis algo? Y además tengo ganas de mear”. Seguía de broma, claro. “¿Cuál queréis que toquemos?”. “Haz una mezcla de todas”, se le ocurrió decir a una chica. “¡Que te jodan, ¿tú qué te crees? Ven aquí y toca tú la guitarra”. Todo con una sonrisa cómplice, claro. Y con el público riendo. Por si acaso. Ejem.

Vuelta a la más exquisita delicadeza con Caroline, otro trasvase natural de la electrónica de Jimmy LaValle a la acústica de Sun Kil Moon. Y el reto se convirtió en proeza con By the Time That I Awake, con Eric Pollard sustituyendo la caja de ritmos original por un impecable trasunto de drum’n'bass hecho con la batería. Espléndido. Se seguía confirmando, para quien no lo hubiera adivinado en disco, que Perils From the Sea tiene canciones tan extraordinarias, y tantas, como Benji. Otra ovación, especialmente para Pollard.

Kozelek, que no suele repetir el repertorio de una noche a otra, iba eligiendo algunas canciones sobre la marcha, y dando instrucciones a Vasco si era una de las que no se sabía el guitarrista, algo cohibido ante la sorna del jefe. Pero todo era placidez y armonía en cuanto empezaba a sonar la música.

The Moderately Talented Yet Attractive Young Woman vs. The Exceptionally Talented Yet Not So Attractive Middle Aged Man, sin duda uno de los títulos de canción más locos de la historia, sirve para hacer un equivalente con esa esquizofrenia escénica de Kozelek, pero sonó celestial antes de la primera despedida, con Katowice or Cologne.

Con esa mirada soñolienta que acostumbra a tener, estirándose y rascándose los ojos como un niño, haciéndose el cansado, no escatimó en el bis. Primero él solo con la guitarra, en su faceta más Andrés Segovia, con la compleja pero acogedora melodía de Black Kite y, en la misma línea, Elaine. Y sin respiro, atacó That Bird Has A Broken Wing, que terminó abruptamente (otra de sus costumbres cuando toca solo) antes de levantarse de la silla y desaparecer sin mirar al público.

Pero, en su contraste infinito, volvió a salir con el grupo, para dar otra de cal y otra de arena en lo afectivo. “No te voy a olvidar, Geraldine”, a la chica de la derecha, “siempre os llevaré conmigo también a vosotros, los de Eyes Wide Shut“, continuó con creciente sorna, “y a todos estos viejos”. Anunció Livingston Bramble y cuando uno de los ‘viejos’ de primera fila no pudo contener un espontáneo “¡all right!” de agradecimiento, Kozelek se lanzó con su artillería sarcástica. “All right, ¿eh? Te has excitado, verdad?”, poniendo tono de machito, y haciendo un inequívoco gesto con el antebrazo, mientras el hombre ponía cara de póker y, quizás se mordía la lengua. Y a continuación la canción de Kozelek & Desertshore en la que cita a Neils Cline (“por supuesto que odio a Neils Cline”, recalcó con más coña antes de empezarla) sonó en una inesperada versión lenta y atmosférica. Dos horas de concierto, musicalmente extraordinario, por momentos sublime. No está mal para un genio tocapelotas.

P. D.: En esas circunstancias, con la penumbra y la prohibición expresa por doquier de filmar y fotografiar, era suicida atreverse a sacar la cámara. Apenas lo hice para sacar esas oscuras instantáneas. Pero alguien sí se atrevió, desde el balcón al parecer, y ha colgado la preciosa Carissa en Youtube.

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Temples: la nueva vieja psicodelia pop
Ricardo Aldarondo 16-03-2014 | 12:45 | 4

Uno nunca sabe cómo situarse ante casos como el de Temples: ¿nos quejamos por el abuso de lo mimético o nos dejamos arrastrar por el indudable atractivo de las canciones? ¿Celebramos que nos brinden de forma tan genuina y precisa un género-de-toda-la-vida que nos gusta mucho, o despreciamos sin contemplaciones a estos jovenzuelos que llegan como la nueva sensación del momento, cuando en realidad reproducen bit a bit momentos radiantes de la música de hace 45 años? Ante estos dilemas, lo mejor es mantener todas las porturas a la vez, por supuesto. Lo mismo ocurre en el terreno del soul época Motown con Sharon Jones o Charles Bradley: lo que hacen están visto y oído hace décadas, nota por nota y sonido por sonido. Pero lo hacen muy bien, tienen credibilidad y talento y canciones magníficas. Los abrazamos, por tanto.

En esa tesitura estamos con el cuarteto británico Temples, que acaba de publicar su primer elepé Sun Structures, que incluye tres de las cuatro canciones que en forma de otros tantos singles fueron despertando durante el año pasado el fervor por estos apasionados, y buenos alumnos, de las lecciones guardadas en discos exitosos u oscuros de los años 60. Si el sello  Heavenly Records, el de Saint Etienne, los fichó, con lo exigentes que son en materia de pop sesentero, debió ser porque vieron talento y autenticidad en la mascarada.

Y efectivamente, el disco con un portadón de los que merecen la pena ser tenidos en mano en vinilo contiene unas cuantas canciones irresistibles. Si se lo pones a alguien sin avisarle, le puedes convencer rápidamente de que está grabado en 1967. Las guitarras, los órganos y mellotrones, la reverb en las voces, todo está milimétricamente reproducido de la era psicodélica, en la vertiente más pop que en la de borrachera-de-amebas-electrificadas. Aunque también se escoran en algún momento hacia el glam-rock y el chewing-gum pop como en Keep In the Dark.

Hay quien les ha comparado, malévolamente, con Kula Shaker, aquel grupo que en 1996 tuvo un éxito fulgurante y pasó de nueva gran promesa a grupo odiado anti-cool casi en cuestión de segundos, con su pop mezclado con sonidos indios, otra forma de psicodelia prefabricada. También Kula Shaker tuvieron algunos buenos singles, aunque poco tacto en la actitud, y mala cabeza en la gestión de su evolución. Temples parecen más, ejem, templados. Y al menos la mitad de sus canciones te enganchan irremediablemente con sus melodías y exhiben un acabado impecable. Empezando por Shelter Song, que abre el elepé, aunque en realidad fue su primer single en noviembre de 2012.

Un poco como en el caso de los dos discos de The Dukes of Strastosphere (el alias psicodélico que se inventaron XTC) o el Deface the Music de los Utopia de Todd Rundgren en el que imitaban milimétricamente y como reto descarado a los Beatles de la primera época, la desconfianza inicial queda desplazada por el reconocimiento del trabajo bien hecho. Temples también pueden recordar a The Coral, aunque estos saben (¿o sabían? ¿se han separado definitivamente?) trazar más puentes entre el pasado y el presente, y no forzar lo mimético. Pero ante espléndidas canciones como The Golden Throne (rebajada de psicodelia y con un estribillo casi eurovisivo), se aplacan los prejuicios.

Bien es verdad que Sun Structures va perdiendo un poco de fuelle, que es mejor la primera parte que la segunda, con algunos temas más anodinos, pero en esta también surgen cosas muy aprovechables como The Guesser.

Pues se verá como evolucina la cosa, si Temples es flor plastificada de un día, o una banda con sentido pleno en una era que parece definitivamente limitada al reciclaje de géneros clásicos que a la invención de otros nuevos. En directo mostrarán todas sus cartas en el Primavera Sound. ¿Será el concierto hype de la edición?

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