Diario Vasco
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‘Comanchería’, un western del siglo XXI
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Asier Manrique | 14-02-2017 | 09:17| 0

COMANCHERÍA

Título original: Hell or High Water

Año: 2016

Duración: 102 minutos

Director: David Mackenzie

Guion: Taylor Sheridan

Música: Nick Cave, Warren Ellis

Fotografía: Giles Nuttgens

Reparto: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey,Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez-Cunningham, Amber Midthunder,Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini y John-Paul Howard

 

Productora: CBS Films

Género: Thriller / Western / Drama

Un padre divorciado y su hermano, un ex presidiario recién salido de la cárcel, se dirigen al Oeste de Texas con el objetivo realizar una serie de robos en una serie de sucursales bancarias, con el fin de poder conseguir el dinero suficiente como para poder salvar la granja familiar. (FilmAffinity)

‘Comanchería’ ha sido la gran sorpresa entre las nominadas al Óscar a mejor película. El cine independiente siempre tiene alguna película en la carrera final, aunque sea para darle presencia y poco más. Con esta intención estará ‘Comanchería’ en la gala de los Óscars del próximo 26 de febrero, donde, si no hay sorpresa, se irá de vacío.

Planteado como un western moderno, ‘Comanchería’ cuenta la historia de dos hermanos que se dedican a robar bancos, mientras la policía les da caza en un entorno agreste y duro. El filme plantea si la épica que se mostraba en los westerns tradicionales tendría cabida en la actualidad. ¿Está bien que se atraquen bancos? ¿Lo aprueba la gente? Parece que no.

‘Comanchería’, de título original ‘Hell or High Water’, expresión realmente complicada de traducir al castellano, consigue erigirse como una de las grandes sorpresas del año. Una película tremendamente potente, aunque esté contada desde la contención más absoluta, con personajes que tardan en explotar, pero que guardan un potencial visual y un atractivo difícil de evitar para un espectador que desde el minuto 1 se siente atrapado por la historia.

Enmarcado en un paisaje hipnótico, a pesar de lo agreste, ‘Comanchería’, es una película que apetece, a pesar de ser un golpe en el estómago para el espectador. En esa dicotomía entre lo que es bueno y malo, donde se enfrentan la ética y la necesidad. La intención de la pareja de atracadores no es otra que salvar la granja familiar que han recibido en herencia.

Chris Pine (Star Trek) y Ben Foster (Inferno) dan vida a los dos hermanos. Su actuación está muy lograda, se mimetizan con el entorno y dan buena cuenta de lo en serio que se han tomado el trabajo. Su trabajo es creíble, oscuro, taciturno, contenido y salvaje, todo al mismo tiempo. Estremece su frialdad y su capacidad para dotar de realismo a dos personajes que podrían haber caído en el esperpento absoluto.

En el lado contrario tenemos al sherif, encarnado por Jeff Bridges, totalmente entregado a su papel. Él es quien pone el toque ácido y sarcástico con el que se presenta toda la película. Su relación con su compañero policía es uno de los puntos a destacar del filme, además de su gran trabajo que le ha permitido estar nominado a Mejor actor secundario en la próxima edición de los Óscars.

No quiero terminar sin aplaudir el buen trabajo en fotografía y en la elección de la banda sonora, es, junto a ‘La La Land’ el mejor ejemplo a este respecto que he visto de momento entre las grandes candidatas al Óscar. Toda la historia consigue ganar más con el estupendo trabajo que en este aspecto se ha tomado desde la película dirigida por David Mackenzie.

La mayor pega que se le puede sacar a la película es que no termina de explotar hasta la media hora final. Toda la cinta se mantiene en un tono plano hasta que consigue ganar en ritmo y fuerza con los 30 últimos minutos, absolutamente apoteósicos.

Lo mejor: gran trabajo actoral, de fotografía y de banda sonora.

Lo peor: no termina de ganar ritmo hasta la media hora final que es apoteósica.

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‘Moonlight’, silencioso canto contra los estereotipos
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Asier Manrique | 07-02-2017 | 19:12| 0

MOONLIGHT

Título original: Moonlight

Año: 2016

Duración: 111 minutos

País: Estados Unidos

Director: Barry Jenkins

Guion: Barry Jenkins y Tarell McCraney

Música: Nicholas Britell

Fotografía: James Laxton

Reparto: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson y Edson Jean

Productora: Plan B Entertainment

Género: Drama

Chiron es un joven afroamericano con una difícil infancia, adolescencia y madurez que crece en una zona conflictiva de Miami. A medida que pasan los años, el joven se descubre a sí mismo y encuentra el amor en lugares inesperados. Al mismo tiempo, tiene que hacer frente a la incomprensión de su familia y a la violencia de los chicos del barrio. (FilmAffinity)

‘Moonlight’ cuenta en 3 momentos diferentes de la vida de Chiron el ir y venir de un chico que crece con una madre drogadicta y que es víctima de bullying. Contada con suma delicadeza y con muy pocas palabras, ‘Moonlight’ ha convencido a una crítica entregada y se ha llevado el Globo de Oro a la mejor película dramática.

Chiron es un niño pequeño que a través de 3 momentos (infancia, adolescencia y edad adulta), va descubriendo su propia sexualidad mientras lucha contra una madre sumergida en el mundo de las drogas y un ambiente escolar donde no se le respeta. A pesar de sus pocas palabras y de la frialdad del personaje, consigue que el espectador empatice con él desde el primer momento.

Pero ‘Moonlight’ es mucho más que una película sobre la homosexualidad y las drogas, es una película sobre combatir los estereotipos. Ni los vendedores de droga son todos gente desalmada, ni una madre tiene que actuar como una madre por el simple hecho de ser una madre y bullying y el acoso escolar se combaten desde los centros educativos.

‘Moonlight’ habla de encontrar esa pequeña luz cuando todo está oscuro, porque bajo la luz de la luna todos nos vemos azules, no hay diferencias. Lo hace con total sencillez, buscando un relato que, a pesar de ser específico en sus tramas, se puede entender como una historia universal de búsqueda de tu lugar.

En esta carrera hacia los Óscars, ‘Moonlight’ tendrá una rival que ya ha conseguido arrasar allá donde se ha presentado, aun compitiendo una contra otra. Pero películas así no necesitan de una o varias estatuillas, llegar hasta la carrera final por los premios les da la visibilidad suficiente para que su historia llegue a todos.

Lo mejor: Es cuidadosa, delicada y poderosa.

Lo peor: Su pausado ritmo puede hacer que la cinta decaiga en varios momentos.

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‘Manchester frente al mar’, vivir eternamente con la culpa encima
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Asier Manrique | 07-02-2017 | 09:20| 1

MANCHESTER FRENTE AL MAR

Título original: Manchester by the Sea

Año: 2016

Duración: 135 minutos

País: Estados Unidos

Director: Kenneth Lonergan

Guion: Kenneth Lonergan

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jody Lee Lipes

Reparto: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Susan Pourfar, Christian J. Mallen,Frankie Imbergamo, Shawn Fitzgibbon, Richard Donelly, Mark Burzenski y Mary Mallen

Productora: Amazon Studios

Género: Drama

Lee Chandler es un fontanero que se ve obligado a regresar a su pequeño pueblo natal tras enterarse de que su hermano ha fallecido. Allí se encuentra con su sobrino de 16 años, del que tendrá que hacerse cargo. De pronto, Lee se verá obligado a enfrentarse a un pasado trágico que le llevó a separarse de su esposa Randi y de la comunidad en la que nació y creció. (FilmAffinity)

‘Manchester frente al mar’ habla de cómo sobrellevar la culpa, el remordimiento, el dolor y cómo convivir con todo ello sin poder exteriorizarlo. Y no se trata de que al protagonista, Casey Affleck, no le dejen exteriorizar todo lo que carga sobre sus hombres, él no es de esas personas que cuentan las cosas.

Sin tener que entrar en más detalles, para no caer en spoilers, Lee, el personaje interpretado por Affleck, ha vivido un hecho tan traumático que condiciona el resto de su vida. Se vuelve una persona solitaria, que evita toda relación social, que se refugia en sí mismo y que se ve obligado a vivir una y otra vez aquello que le atormenta.

La película va contando en pequeñas píldoras a modo de flashbacks lo que pasó con Lee, mientras vamos viendo cómo afronta la muerte de su hermano y el hacerse cargo del hijo de este. Además, Lee, tendrá que afrontar volver a su ciudad natal, reencontrarse con los fantasmas de su pasado, con su exmujer, con aquello de lo que ha estado huyendo siempre.

Con un trabajo encomiable del único Affleck que sabe actuar, ‘Manchester frente al mar’ crece como un melodrama con mucha palabra, pero sin apenas comunicación. Los personajes se evitan constantemente, aunque estén cerca físicamente, no dan nunca el paso de acercarse, de compartir momentos, de entender al que tienen en frente.

La historia cabalga a buen ritmo con escenas desgarradoras. Una de ellas un flashback donde Casey Affleck recuerda lo que pasó con su mujer y sus hijos y marcó para siempre su vida. Este momento es el que explica la razón de ser de Lee en la actualidad. Este momento de quiebro se ve intensificado con el reencuentro en la calle de Affleck y Michelle Williams, que interpreta a su mujer. En una escena donde vemos que hay heridas que son imposibles de cerrar, culpas de las que no se puede uno desembarazar.

Contada con delicadeza, a pesar de ser tremendamente dura y descarnada, ‘Manchester frente al mar’ es la dósis dramática que los Óscars necesitaban. Bien interpretada y dirigida con pulso firme. Peca en no incluir personajes femeninos realmente redondos, aunque es una historia de dos hombres, de Patrick y de su tío Lee.

La primera gran película de Amazon como productora opta realmente a un único premio, el de mejor actor para Casey Affleck, aunque eso no desmerece la cinta. Recomendable para los amantes de los verdaderos dramones, aquí irán serviditos.

Lo mejor: la actuación de Casey Affleck.

Lo peor: se echan en falta personajes femeninos de más peso dentro de la película.

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‘Lion’, la importancia de cerrar heridas
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 20:07| 0

LION

Título original: Lion

Año: 2016

Duración: 120 minutos

País: Australia

Director: Garth Davis

Guion: Luke Davies (basado en la novela de Saroo Brierley)

Música: Volker Bertelmann y Dustin O’Halloran

Fotografía: Greig Fraser

Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham,Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose y Divian Ladwa

Productora: Weinstein Company

Género: Drama

Saroo Brierley es un niño que con tan sólo cinco años se perdió en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa. Tras un largo viaje acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Veinticinco años después, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentará encontrar a su familia biológica. (FilmAffinity)

Nominada a seis Premios de la Academia, ‘Lion’ es la única película de las 9 que optan a mejor cinta que no se ha rodado en Estados Unidos. Cuenta la historia de un niño perdido, alejado de su familia, que se ve obligado a superar cada uno de los duros peldaños que se le presentan.

Dividida en dos partes, ‘Lion’ destaca más en su primera parte, la que se centra en la infancia del niño Saroo en la India. Sin necesidad de recurrir a paisajes espectaculares, ni a una fotografía al servicio de ganar por los ojos aquello que no se puede ganar por el fondo, ‘Lion‘ llama la atención desde el primer minuto. Aún incluso cuando la historia puede resultar lejana para la mayoría, consigue la implicación absoluta del espectador con ella.

En su segunda mitad cae en un relato más lineal, menos espectacular, más típico. Toda la parte australiana navega entre el melodrama más convencional, restándole intensidad a una cinta que comienza de la forma más potente posible. Es una verdadera pena, porque la película podría haber sido mucho más grande de haber conseguido que todo el pack fuese igual de potente.

Bien interpretada, ‘Lion’ destaca especialmente por el gran trabajo de Dev Patel, que ha crecido y muy bien desde ‘Slumdog Milionaire’. Así y todo, sin que Patel cuente con los mejores minutos de la película, es el que mejor exprime su papel. No desmerece tampoco el trabajo de Sunny Pawar, como el niño Saroo, y Nicole Kidman, en el papel de la madre adoptiva.

Como drama, ‘Lion’ funciona de cine. Su final, muy potente y sencillo, consigue tocar la fibra sensible de lleno, cautivando al espectador, implicándolo en la historia como sí lo hace en su primer tercio.

La cinta habla de la importancia de cerrar las heridas del pasado, acabar con aquello que nos atormenta y poner la vida en orden. Un mensaje de encontrarse a sí mismo con el que ‘Lion’ ya ha cautivado a los encargados de decidir los nominados a los Óscars, premios en los que probablemente se tenga que conformar con poquitas estatuillas.

Lo mejor: toda la parte inicial en la India.

Lo peor: la parte australiana es mucho más típica, lineal y previsible.

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‘Tarde para la ira’, a vueltas con las expectativas
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Asier Manrique | 01-02-2017 | 10:37| 0

TARDE PARA LA IRA

Título original: Tarde para la ira

Año: 2016

Duración: 92 minutos

País: España

Director: Raúl Arévalo

Guion: Raúl Arévalo y David Pulido

Música: Lucio Godoy

Fotografía: Arnau Valls Colomer

Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez y Font García

Productora: La Canica Films

Género: Thriller

Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco a una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su novia Ana y su hijo, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José. (FilmAffinity)

No es la primera vez que hablo en este espacio de lo importantes que son las expectativas con las que te pones a ver una película. Cuando se presentó ‘Tarde para la ira’ en cine no pude verla. Las críticas fueron muy buenas, y ahora con tanto premio que ha recibido, las expectativas estaban por las nubes. Pues bien, de nuevo las expectativas me juegan una mala pasada.

El debut cinematográfico, como director, de Raúl Arévalo (La isla mínima) es más que sólido. El actor presenta una historia con buenos mimbres, con una narración que va increscendo y con unos actores principales en forma. ¿El problema donde está? En que no es para tanto. Su mayor virtud está en el trabajo de los personajes, pero la historia en su conjunto adolece de elementos que vuelvan el conjunto más completo.

Antonio de la Torre demuestra una vez más que es uno de los mejores actores del momento. Su personaje es inquietante, sucio y oscuro. En este aura desasosegante y sórdido que monta el director, su personaje sobresale por ser todavía más sórdido y desasosegante. Un personaje desesperado y enloquecido que vamos conociendo poco a poco.

Ahora bien, esta historia de venganza que Arévalo plantea pierde todo su potencial desde el momento en que este sentimiento en el personaje de de la Torre pierde todo el interés para el espectador. El rimo tan sumamente lento con el que la película está construido tampoco ayuda. El sentimiento descarnado que debería ser la venganza, se torna en desesperanza y hastío. Llega un momento donde es tal la pesadez generada que como espectador buscamos que termine ya todo.

¿Qué ha llevado entonces al mundo a premiar tanto a ‘Tarde para la ira’? Puede ser el efecto ópera prima que un internauta describía en un foro estos días. Nos cegamos ante las primeras películas de un director, las valoramos mucho mejor que a otras películas porque les presuponemos menos talento o manejo del lenguaje cinematográfico, no lo sé, pero ocurre. Tesis o Whiplash son igualmente óperas primas y el resultado es mucho más compacto que en el filme de Arévalo.

Así y todo, crítica y academia se han puesto de acuerdo para premiar a ‘Tarde para la ira’ como la mejor película del año, y en unos días sabremos si los Goya ratifican esta tendencia. Personalmente, prefiero que Que Dios nos perdone o Un monstruo viene a verme se lleven el gran premio del cine español.

Lo mejor: la actuación de Antonio de la Torre.

Lo peor: el ritmo tan lento, tan monótono y el poco interés generado por la venganza planteada lastran la película.

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‘Nightcrawler’, un Gyllenhaal soberbio y espeluznante
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Asier Manrique | 21-01-2017 | 19:27| 0

NIGHTCRAWLER

Título original: Nightcrawler

Año: 2014

Duración: 113 minutos

País: Estados Unidos

Director: Dan Gilroy

Guion: Dan Gilroy

Música: James Newton Howard

Fotografía: Robert Elswit

Reparto: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Ann Cusack,Eric Lange, Anne McDaniels, Kathleen York y Michael Hyatt

Productora: Open Road Films

Género: Thriller

Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom, un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. (FilmAffinity)

Dan Gilroy dirige un espeluznante thriller que pone en imágenes un tipo de periodismo sensacionalista, alejado de toda ética y sentido común. La película incide en la morbosidad, el sensacionalismo y el amarillismo de cierta clase de periodismo, representado en un noticiario de quinta fila de Los Ángeles que basa su éxito en emitir imágenes de accidentes y crímenes sin ninguna censura ni filtro.

Jake Gyllenhaal interpreta al fracasado Lou Bloom, que pasa de no conseguir trabajo a fabricarse su propia empresa de producción de vídeos. Gyllenhaal ve la opción de conseguir dinero fácil, persiguiendo los crímenes y accidentes que tienen lugar en su ciudad. El actor representa a un personaje que personifica lo peor de la profesión, el autoritarismo como jefe y la falta de códigos éticos y morales a la hora de trabajar.

La cinta navega en la fina línea de caer en aquello que critica, la morbosidad, y la crítica más cruda a un tipo de periodismo de dudosa ética. Una fotografía cuidada y una banda sonora acertada convierten a ‘Nightcrawler’ en un viaje de incomodidad en el espectador.

La película se desarrolla bajo un ritmo pausado pero constante, introduciendo de forma escalonada personajes que van cambiando la forma de actuar del protagonista. El ejemplo más claro es el del personaje interpretado por Rene Russo, una directora de informativos obsesionada con el dato de audiencia, empeñada en sacar todo a la luz sin importar quién se esconde tras esas imágenes y las consecuencias que podría tener mostrarlas.

Riz Ahmed es el joven empleado que se ve obligado a trabajar bajo unas condiciones penosas, que sabe que lo que hace no está bien, pero que su situación económica le obliga a tragar y continuar.

Lo mejor: la actuación de Gyllenhaal y la crítica.

Lo peor: la fina línea de la morbosidad sobre la que hace equilibrios la película.

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‘Figuras ocultas’, la película cazaóscars de este año
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Asier Manrique | 22-01-2017 | 20:31| 0

FIGURAS OCULTAS

Título original: Hidden Figures

Año: 2016

Duración: 127 minutos

País: Estados Unidos

Director: Theodore Melfi

Guion: Allison Schroeder (basado en el libro de Margot Lee Shetterly)

Música: Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams y Hans Zimmer

Fotografía: Mandy Walker

Reparto: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Jim Parsons,Mahershala Ali, Kirsten Dunst, Glen Powell, Rhoda Griffis, Ariana Neal, Maria Howell, Alkoya Brunson, Jaiden Kaine, Wilbur Fitzgerald, Saniyya Sidney, Bob Jennings, Lidya Jewett y Ron Clinton Smith

Productora: Fox 2000 Pictures

Género: Drama

Narra la historia nunca contada de tres brillantes mujeres científicas afroamericanas que trabajaron en la NASA a comienzos de los años sesenta(en plena carrera espacial, y asimismo en mitad de la lucha por los derechos civiles de los negros estadounidenses) en el ambicioso proyecto de poner en órbita al astronauta John Glenn. (FilmAffinity)

Hay cada año alguna película que reúne todos los clichés habidos y por haber para llevarse el Óscar a mejor película, y esa película, este año, es ‘Figuras ocultas’. No es por menospreciar el trabajo de sus actores, de su director y del resto de  la gente que ha hecho posible que esta cinta se ponga en pie, ya que es bueno, pero no deja de ser una película estrictamente construida para llevarse premios.

Habla de racismo, de machismo, de sexismo, cuenta una historia real, reúne a un buen puñado de rostros conocidos, engrandece la historia de los Estados Unidos… ¿nos suena de algo? Ya doy la respuesta, 12 años de esclavitud o ‘Criadas y señoras’, y por citar sólo a dos. Además de ello, se repiten todos los personajes estereotípicos: el blanco salvador, el blanco opresor, la negra madre de familia y mujer coraje, la que no hace ruido pero llega lejos y la que trata de superarse en una sociedad que le pone barreras. He descrito todos y cada uno de los personajes principales de ‘Figuras ocultas’.

Así y todo, la historia consigue ser entretenida. Especialmente en esto ayudan dos de sus actrices principales: Taraji P. Henson y Octavia Spencer, maravillosas como siempre. Son dos de las mejores actrices del momento, saben moverse como pez en el agua desde el drama hasta la comedia más disparatadas, pero sin perder nunca la dignidad ni la seriedad.

En el lado opuesto está un Kevin Costner (El Hombre de Acero) que solo se dedica a interpretar cliché tras cliché a un personaje manido, estereotipado y maniqueo. Un trabajo mediocre de un actor mediocre. Hace mucho tiempo que dejó de ser el actor de moda que un día fue, y su sola presencia en una película lastra el interés por ella.

‘Figuras ocultas’ sobresale especialmente por su mezcla de humor y drama, por no caer en ser un panfleto antirracista de consigna y de slogan. Su mayor virtud está en esa lucha diaria y contra marea que propugna. Sus tres personajes principales son inspiradores, están bien construidos y reivindican ese empoderamiento de la mujer tan necesario.

El cine tiene el gran poder de movernos por dentro y empujarnos a conseguir nuestras metas. Esta película ayuda en todo eso, es inspiradora, a pesar de lo tópica que es. Anima a la lucha, a la superación y a la persecución de los sueños y deseos.

Lo mejor: Su dúo protagonista, Tarji P. Henson y Octavia Spencer

Lo peor: Es demasiado tópica, está construida para llevarse premios y nada más.

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‘Julieta’, ¿dónde quedó el verdadero Almodóvar?
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Asier Manrique | 14-01-2017 | 17:25| 0

JULIETA

Título original: Julieta

Año: 2016

Duración: 96 minutos

País: España

Director: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar (basado en los relatos de Alice Munro)

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Reparto: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Daniel Grao, Inma Cuesta, Darío Grandinetti,Rossy de Palma, Michelle Jenner, Pilar Castro, Susi Sánchez, Joaquín Notario,Ramón Agirre, Nathalie Poza, Mariam Bachir, Blanca Parés, Priscilla Delgado, Sara Jiménez, Tomás del Estal, Agustín Almodóvar y Bimba Bosé

Productora: El Deseo

Género: Drama

Cuando Julieta está a punto de abandonar Madrid para irse a vivir a Portugal, se encuentra por casualidad con Bea, una antigua amiga de su hija Antía, de la que no sabe nada desde hace años. Bea le cuenta que vio a Antía en el lago Como, en Italia, y que tiene 3 hijos. Aturdida por la noticia, Julieta cancela su viaje a Portugal y decide escribir sobre su hija, desde el día en que conoció a su padre durante un viaje en tren. (FilmAffinity)

Al ser la primera película de Almodóvar que comento, quiero sentar unas bases. No soy fan de su cine. Creo que es un director sobrevalorado, con talento para lo que hace, pero que nunca ha hecho el cine de gigantes que se le atribuye. Tiene la enorme virtud de contar historias desde un prisma muy particular, lo que le ayuda a desmarcarse de los demás. Fuera de su peculiar estilo, el manchego nunca me ha aportado demasiado.

Además de todo esto, Pedro, lleva desde ‘Volver’ navegando en un mar de incertidumbre cinematográfica. No ha conseguido, desde aquella película, hacer ninguna que destaque demasiado para bien. Sí, ha hecho películas como ‘Los amantes pasajeros’ o ‘Los abrazos rotos’ que destacaban por la parte negativa, pero en el lado positivo, nada. Puede que dentro de toda esta ola de falta de imaginación, ‘Julieta’, sea la cinta más salvable.

Entrando en el meollo del asunto. ‘Julieta’ no era, ni por asomo, la mejor opción española para los Óscars. Lo he dicho unas cuantas veces en mis redes sociales, pero lo digo aquí para que quede constancia, La novia era la mejor opción para competir internacionalmente. Una obra basada en un texto de un grande como Federico García Lorca y una película realizada con sumo gusto. Pero, una vez más, nos guiamos por los nombres y elegimos a Almodóvar porque es el que conocen fuera. ¿Resultado? La candidatura española a los Óscars eliminada en el primer corte, adiós, muy buenas.

A esta ‘Julieta’ que desprende pasividad y es plana hasta la extenuación, hay que reconocerle la actuación de Emma Suárez, de lo poco destacable de una cinta extremadamente complaciente con su director. ‘Julieta’ es Almodóvar acomodado en su sofá, sin mucha imaginación y con nulas ganas de arriesgar como hacía antes. El manchego no da con un pelotazo desde hace mucho tiempo porque precisamente ha perdido una de sus mayores virtudes, el riesgo. Sigue teniendo su estilo personal, pero no hay más detrás de él.

Esta desgana generalizada que esconde ‘Julieta’ se transmite a un elenco en baja forma, excepto la mentada Suárez, y a una historia que ni emociona, ni produce rechazo, ni nada, es tan insulsa y vacía que genera la mayor de las indiferencias. Y si hay algo peor que el rechazo unánime del público y la crítica, es que ambos pasen olímpicamente de tu trabajo, siguen igual antes y después de haber visto la cinta.

Cinta mediocre de un director en franca decadencia que nos hace preguntarnos: ¿Dónde quedó el verdadero Almodóvar?

Lo mejor: la actuación de Emma Suárez.

Lo peor: es plana, transmite desgana y una falta total de interés.

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‘La ciudad de las estrellas (La La Land)’, ya no se hacen películas así
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Asier Manrique | 14-01-2017 | 18:31| 0

LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND)

Título original: La La Land

Año: 2016

Duración: 127 minutos

País: Estados Unidos

Director: Damien Chazelle

Guion: Damien Chazelle

Música: Justin Hurwitz

Fotografía: Linus Sandgren

Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, John Legend, Rosemarie De Witt, J.K. Simmons, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernandez, Trevor Lissauer, Phillip E. Walker, Hemky Madera y Kaye L. Morris

Productora: Summit Entertainment

Género: Musical / Romántico

Narra una tempestuosa historia de amor que se verá obstaculizada por el afán de triunfo de los protagonistas. Mia, una aspirante a actriz que trabaja como camarera, y Sebastian, un pianista de jazz que se gana la vida tocando en sórdidos tugurios, se enamoran, pero su gran ambición por llegar a la cima amenaza con separarlos. (FilmAffinity)

Hace 2 años descubrí a un director que dirigió una cinta que inmediatamente se situó entre mis películas favoritas de todos los tiempos, Whiplash, película que he visto infinidad de veces desde entonces. Ahora, ese joven director, Damien Chazelle, vuelve con un trabajo que ha conseguido rendir a crítica y público, y no es para menos. Estamos ante una cinta para los verdaderos amantes del cine, respira séptimo arte por todos sus poros, una película que emociona, llena, transmite y conmueve.

Estamos ante un clarísimo homenaje a los musicales del Hollywood clásicos, esas películas con Ginger Rogers y Fred Astaire. La inocencia, la candidez, la ensoñación y las emociones más puras habían dado paso a un tipo de hacer cine mucho más agresivo, por eso, la obra de Chazelle es imprescindible en estos tiempos, nos invita a volver atrás y creer en los sueños. Titulo esta crítica diciendo que ya no se hacen películas así, y cuando se disfruta de ella se entiende la razón, es un canto a disfrutar, a seguir nuestros sueños y anhelos. La cinta más positiva de todo este año y una rara avis en el cine del siglo XXI.

Chazelle se rodea de un reparto perfecto encabezado por Ryan Gosling (La gran apuesta) y Emma Stone (Birdman). Ambos actores, como dijo su director, tienen la elegancia de los grandes actores clásicos, pero también son personas que podrían encajar en cualquier lugar por su naturalidad y cercanía. Los dos actores, ella más, se entregan por completo a la causa, dejándonos dos actuaciones brillantes y demostrando que tienen merecido estar entre los grandes actores de hoy en día.

Los papeles principales son tan agraciados que cuesta entender como Miles Teller (Divergente) y Emma Watson (Regresion) rechazaron la oferta de Chazelle. Gosling y Stone hacen suyos a Seb y Mia, dos personajes que quedarán por siempre en el recuerdo de los cinéfilos. Tal es su dedicación que, por ejemplo, Gosling tuvo que aprender a tocar el piano para la película.

Pero no solo en los actores y en el excelente gusto dirigiendo de Chazelle se encuentran los puntos fuertes de ‘La ciudad de las estrellas (La La Land)’, también en su exquisito sentido cinematográfico. La historia está contada con cuidado, con delicadeza y con mimo. Todo en la película desprende cariño y dedicación. El trabajo es tan minucioso que cada plano, cada secuencia, cada escenario, cada baile y cada canción son únicos y especiales.

Y es que ya no se hacen películas así. Podría tirarme aquí todo el día comentando lo que ‘La La Land’ transmite, pero basta con decir que uno sale del cine pletórico, lleno de energía y con ganas de mucho más. Dos horas de auténtico cine en mayúsculas, con un director que se vuelve a reivindicar como un superclase de la dirección. ‘La La Land’ es la gran película de esta temporada por méritos propios, la cinta que devuelve a los musicales al esplendor de antaño y que nos invita a volver a disfrutar del cine más puro y auténtico.

Lo mejor: Es todo tan brillante y cuidado que es complicado poder elegir un solo elemento.

Lo peor: Ojalá tuviera más canciones, más música, más minutos, más todo.

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‘Viva’, quien mucho abarca poco aprieta
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Asier Manrique | 09-01-2017 | 22:20| 0

VIVA

Título original: Viva

Año: 2015

Duración: 100 minutos

País: Irlanda

Director: Paddy Breathnach

Guion: Mark O’Halloran

Música: Stephen Rennicks

Fotografía: Cathal Watters

Reparto: Héctor Medina, Jorge Perugorría, Luis Alberto García, Renata Maikel Machín Blanco y Luis Manuel Álvarez

Productora: Treasure Entertainment

Género: Drama

Jesús, un chico cubano de 18 años, intenta encontrar su verdadera identidad. Sobrevive peinando a señoras del barrio y arreglando pelucas en un cabaret de La Habana. Pero su vida cambia por completo cuando su padre, un famoso boxeador al que daban por muerto, sale de la cárcel y regresa para vivir con él. Desde ese momento, lucharán por volver a ser padre e hijo. (FilmAffinity)

Hay películas que parten con una premisa tan potente que parece que van a volverse peliculones imprescindibles en la filmografía de cualquier aficionado al cine. Hay, sin embargo, muchas de esas que solo se quedan en la expectativa y no cumplen nada. Y, también las hay, que cumplen con algunas de las expectativas puestas en ellas, pero dejándote a medio gas. Así es como deja ‘Viva’ a sus espectadores, con la sensación de que abarca demasiado para lo poco que aprieta.

Esta expresión tan castellana, “quien mucho abarca poco aprieta”, es la que mejor consigue resumir lo que es la cinta irlandesa, sí, irlandesa, ‘Viva’. Es imprescindible esa aclaración de que se trata de una película irlandesa, puesto que está rodado en cuba, con actores cubanos e íntegramente en español. Ahí es nada, cine irlandés en la patria de los Castro.

No esperes que ‘Viva’ destaque por su compromiso político, ni su mensaje anti o pro castrista, no, nada de eso. En esta película, dirigida por Paddy Breathnach, se aborda la situación de la homosexualidad y de la transexualidad en la Cuba más pobre. Cuenta la historia desde la perspectiva de Jesús, un chico de 18 años que de la noche a la mañana tiene en casa a su padre, un exboxeador que llevaba en la cárcel desde que él era apenas un niño.

Jesús, que durante el día se dedica a la peluquería, tendrá que hacerse cargo de su padre mientras trata de perseguir su sueño, dedicarse al transformismo. En un pequeño club conseguirá realizar sus primeras actuaciones entre tacones, vestidos, pelucas y lentejuelas.

El drama de padre e hijo es, en todo este batiburrillo de añadidos, lo que más interés despierta. El pulso entre Héctor Medina (El Rey de la Habana) y Jorge Perugorría es la base sobre la que se asientan la multitud de historias que lo único que hacen es desdibujar un lienzo que se las prometía muy felices. Ni la historia de la vecina abandonada por su chico y embarazada, ni la del amigo prostituto, ni la de la vecina mayor que va a la peluquería o la del resto de intérpretes de ese divertido club están a la altura de lo que es el núcleo de la historia.

Nos importa muy poco lo que le pase a Jesús con los secundarios de la cinta, queremos saber cómo resuelve el conflicto de reencontrarse con su padre, de tener que hacerle entender que su camino es el del travestismo y que a él le gustan los hombres. El choque generacional en una Cuba donde no es fácil para nadie salir adelante, pero mucho menos para la minoría LGTB perseguida por el régimen durante años.

Lo mejor: El pulso actoral que mantienen Héctor Medina y Jorge Perugorría.

Lo peor: Se diluye en demasiadas historias y capas que vienen a aportar relativamente poco.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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