Diario Vasco
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‘Jackie’, una visión diferente de la primera dama más famosa
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Asier Manrique | 14-03-2017 | 12:43| 0

JACKIE

Título original: Jackie

Año: 2016

Duración: 95 minutos

País: Estados Unidos

Director: Pablo Larraín

Guion: Noah Oppenheim

Música: Mica Levi

Fotografía: Stéphane Fontaine

Reparto: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay y Corey Johnson

Productora: LD Entertainment

Género: Drama / Biográfico

Película sobre la ex primera dama estadounidense Jacqueline Kennedy, centrada en los días inmediatamente posteriores al asesinato de JFK, en Dallas, el 22 de noviembre del año 1963. (FilmAffinity)

En un momento donde la política estadounidense nos interesa tanto por un hombre llamado Donald Trump, la llegada de ‘Jackie’ a la cartelera a finales de febrero puede llamarse como poner una pica en Flandes. La película no pudo haber llegado en un momento más oportuno, casi todo lo contrario a este post, que de seguir la tónica habitual tendría que haberse publicado justo después de su estreno, pero entre los Óscars, otros estrenos intermedios y alguna que otra promesa de película a comentar, ha ido relegándose hasta casi un mes después.

A pesar de esta demora, ‘Jackie’ merece un análisis pormenorizado que aquí viene, porque una película biográfica donde se analiza una de las figuras públicas femeninas más importantes de la historia merece su análisis exhaustivo. Y es que es imposible negar la influencia que Jacqeline Bouvier Kennedy ejerció como primera dama, como referente de la moda y como la imagen de la mujer estadounidense durante tantos años. Su turbulenta vida social al lado de John Fitzgerald Kennedy o al lado de Aristóteles Onassis la convirtieron también en una figura de primer nivel para la prensa rosa.

Así y todo, en ‘Jackie’ se nos muestra la figura de la primera dama en las horas previas y, sobre todo, posteriores al atentado en Dallas donde JFK perdió la vida. Se nos presenta a una mujer luchadora, superada por las circunstancias y decidida que no quiso quedarse en un segundo plano. Esas horas hicieron de Jackie la mujer de los Estados Unidos, y marcó una senda incuestionable para futuras primeras damas que no siempre han sabido llenar con acierto sus sucesoras.

El gran fuerte de ‘Jackie’ es la actuación de su protagonista, Natalie Portman, que hace suyo el papel y da el resto con el personaje de Jacqueline Kennedy. Consigue, probablemente, la mejor actuación de su carrera, muy por encima de Cisne Negro y alejada ya de sus dudosos papeles del inicio de su carrera. La actriz se reivindica como intérprete con su mejor papel hasta la fecha, un personaje que mima y que dota de un nuevo nivel.

La cinta tiene además la gran virtud de no liar al espectador, y mira que podría ser fácil por estar narrado con saltos temporales constantes. Una narración inteligente, fácil de seguir, con suficiente épica y emoción, aunque con cierta frialdad. Se tiene que poner realmente duro en el momento del atentado en Dallas para provocar un pequeño sobresalto en el espectador, pero en ningún otro momento se crea un nudo en el estómago.

La cinta es también el último trabajo del gran Jon Hurt, recientemente fallecido. DEP

Lo mejor: la interpretación de Natalie Portman.

Lo peor: le falta emoción.

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‘Logan’, una despedida solemne a un gran personaje
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Asier Manrique | 08-03-2017 | 22:48| 0

LOGAN

Título original: Logan

Año: 2017

Duración: 135 minutos

País: Estados Unidos

Director: James Mangold

Guion: Scott Frank, James Mangold y Michael Green (basado en la historia de James Mangold)

Música: Marco Beltrami

Fotografía: John Mathieson

Reparto: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Boyd Holbrook, Stephen Merchant,Elizabeth Rodriguez, Richard E. Grant, Doris Morgado, Han Soto, Julia Holt, Elise Neal y Al Coronel.

Productora: 20th Century Fox

Género: Fantástico / Acción / Ciencia ficción

Sin sus poderes, por primera vez, Lobezno es verdaderamente vulnerable. Después de una vida de dolor y angustia, sin rumbo y perdido en el mundo donde los X-Men son leyenda, su mentor Charles Xavier lo convence de asumir una última misión: proteger a una joven que será la única esperanza para la raza mutante… (FilmAffinity)

Cuando se comentó que ‘Logan’ iba a ser la última película de Hugh Jackman como Lobezno, por una parte me sentí aliviado y por otra sorprendido. Aliviado porque ya era hora de darle descanso al actor y al personaje. Pero sorprendido porque me parece muy poco creíble que un estudio vaya a abandonar un personaje con tantas opciones de esta forma.

‘Logan’ está planteado como un epitafio del personaje. Una manera de despedir a Lobezno por lo grande. Continuas referencias a los cómics y a las otras películas. Una cinta cómplice con los fans de la saga. Y, lo más importante, hecho para engrandecer el legado de un personaje que durante 17 años ha interpretado con maestría Hugh Jackman.

La cinta va moviéndose lenta pero con buena letra. Tal vez sea su ritmo, excesivamente pausado, su gran lastre. A pesar de ello, el buen hacer de Jackman y de Patrick Stewart, con una complicidad enorme, hace que no decaiga. El viejo profesor X encuentra aquí también su manera de despedirse del gran público de un personaje que le ha dado tantas alegrías. Podría arriesgarme mucho diciendo esto, pero considero que Stewart firma aquí su mejor trabajo en toda la saga. Y de Jackman podría decir tres cuartas partes de lo mismo.

Es en los momentos que Jackman y Stewart comparten donde realmente se humaniza un personaje que ha pecado de ser demasiado rudo y violento en pasadas películas. Aunque si empezamos a hablar de grados de violencia, es posible que este ‘Logan’ sea la cinta más extrema, gráfica y violenta de toda la saga de ‘X-Men’, incluyendo también a Deadpool. Al principio está bien, pero el abuso de la violencia extrema finalmente termina por cansar y lastrar el ritmo de la película.

Por parte de los villanos brilla Boyd Holbrook en un papel realmente interesante que consigue sobresalir más al principio que al final. Se trata de un personaje que pone realmente en aprietos al protagonista, tal y como debe ser un villano. En cuanto a Dafne Keen, protagonista femenina de la película, hace un trabajo realmente bueno, sin apenas palabras, las miradas hablan, y las suyas traspasan la pantalla.

Finalmente, a destacar el arco final de la cinta, especialmente la última escena. Gracias James Mangold por regalar a los espectadores fieles a la saga una escena tan emotiva y bien rodada. Como uno de esos incondicionales de los ‘X-Men’, una lagrimilla me ha saltado.

Lo mejor: el trabajo de Hugh Jackman y Patrick Stewart y la escena final.

Lo peor: está bien introducir la violencia extrema en las películas, pero en su justa medida.

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‘Lobezno inmortal’, simplifica la historia y saldrás ganando
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Asier Manrique | 08-03-2017 | 12:36| 0

LOBEZNO INMORTAL

Título original: The Wolverine

Año: 2013

Duración: 126 minutos

País: Estados Unidos

Director: James Mangold

Guion: Scott Frank y Mark Bomback

Música: Marco Beltrami

Fotografía: Ross Emery

Reparto: Hugh Jackman, Tao Okamoto, Rila Fukushima, Hiroyuki Sanada, Svetlana Khodchenkova, Will Yun Lee, Famke Janssen, Hal Yamanouchi, Brian Tee, Ken Yamamura, Shinji Ikefuji, Conrad Coleby, Taris Tyler, Kimi, Louis Toshio Okada,Hiroshi Kasuga, Ian McKellen y Patrick Stewart

Productora: 20th Century Fox

Género: Fantástico / Ciencia Ficción / Acción

Un Logan amnésico investiga su pasado en el mundo del crimen organizado japonés. Vulnerable por primera vez y desafiando sus límites físicos y emocionales, no sólo se enfrentará al letal acero samurái, sino que además mantendrá una lucha interna contra su inmortalidad, que lo hará más fuerte. (FilmAffinity)

‘Lobezno inmortal’ tenía ante sí un reto mayúsculo, el de hacer que una saga planeada a 3 películas pudiera seguir tal y como estaba previsto cuando la primera entrega fracasó. El trabajo de James Mangold y Hugh Jackman consigue sacar a flote lo que parecía una historia destinada a caer como un castillo de naipes.

En esta segunda parte, Lobezno centra su historia en Japón. Es una más de las películas de Marvel que se van a países orientales, aprovechando el tirón de esos mercados en la taquilla. La historia es cierto que gana en entereza respecto a ‘X-Men Orígenes: Lobezno’. Tenemos un relato mucho más centrado, más coherente y más sencillo. Menos personajes, menos escenas de relleno y menos tonterías puestas ahí para rellenar metraje. Menos efectos especiales y más trabajo actoral. A pesar de ello, la cinta deja el amargo regusto de saberse ante una obra mediocre.

‘Lobezno inmortal’ es una película necesaria para entender el seguimiento de una serie de películas únicamente destinadas a arrasar en la taquilla. Su final es imprescindible para dar paso a la brillante X-Men: Días del futuro pasado. Y, de nuevo, aquí fracasa el planteamiento de  20th Century Fox, ya que plantea ‘Lobezno inmortal’ como una película de transición, como un paso para dar otro, como un escalón a subir para llegar a otra planta.

Muy interesante por escenas concretas (las que comparte con Famke Janssen, la del bar al inicio, la del tren bala o la escena final en el aeropuerto), la película en su conjunto no deja de ser divertida y poco más. Diré lo mismo que dije con su predecesora, el personaje de Lobezno gana con compañía bien elegida. En la primera parte tuvimos una compañía fatalmente elegida, mientras que aquí optan por dejarle absolutamente solo, algo que tampoco mejora el resultado.

Ni la parte más emotiva y tierna de un tipo duro consigue sensibilizar a un personaje que debe ser rudo, porque esa es la faceta que más gusta al espectador de él. Desnaturalizar a un personaje para conseguir sacar un aspecto que ni el espectador ha pedido ni quiere ver. Veremos qué tal con ‘Logan’.

Lo mejor: soluciona algunos pequeños errores de ‘X-Men Orígenes: Lobezno’.

Lo peor: sigue cayendo en los mismos errores de su predecesora.

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‘X-Men Orígenes: Lobezno’, precipitado spin-off
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Asier Manrique | 03-03-2017 | 21:02| 0

X-MEN ORÍGENES: LOBEZNO

Título original: X-Men Origins: Wolverine

Año: 2009

Duración: 107 minutos

País: Estados Unidos

Director: Gavin Hood

Guion: David Benioff y Skip Woods

Música: Harry Gregson-Williams

Fotografía: Donald McAlpine

Reparto: Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston, Christian Clark, Lynn Collins, Daniel Henney, Kevin Durand, Will I Am, Ryan Reynolds, Dominic Monaghan, Max Cullen,Taylor Kitsch, Michael-James Olsen, Tim Pocock, Julia Blake, Troye Sivan, Peter O’Brien, Aaron Jeffery, Alice Parkinson, Chris Sadrinna, Matthew Dale, James D. Dever, David Ritchie, Asher Keddie, Stephen Leeder, Tahyna Tozzi, Scott Adkins y Patrick Stewart

Productora: 20th Century Fox

Género: Fantástico / Acción / Ciencia ficción / Thriller

Precuela de la película X-Men. Situada 17 años antes, narra los inicios del arma X y la forma en la que Lobezno se convirtió en mutante. Logan, convertido en un mutante que se hace llamar Lobezno, y que es capaz de sacar unas afiladas garras y de una fuerza y agilidad sobrehumana, ultima su venganza contra Victor Creed, culpable de la muerte de su novia. Mientras tanto, otros mutantes se acogen al programa X para unir sus fuerzas. (FilmAffinity)

El universo de los mutantes de ‘X-Men’ es el más prolífico entre los universos cinematográficos de superhéroes. Entre las películas iniciales, las de Primera generación, las futuras de ‘Patrulla X’, la saga de Deadpool, la posible de de ‘Gambito’ y las de ‘Lobezno’. En total 10 películas que en próximos años pueden ampliarse en muchos más.

El problema de plantear ‘X-Men Orígenes: Lobezno’ en 2009 es el de partir de un personaje que destaca en las películas corales para darle una cinta donde es el único protagonista. Lobezno es un personaje muy potente, sí, sobre todo por la interpretación de Hugh Jackman (El truco final), pero brilla más cuando se rodea de un buen equipo. Con ‘X-Men’ partía con la ventaja de rodearse de grandes personajes reconocibles por el gran público, sin necesidad de ser expertos en los cómics. En ‘X-Men Orígenes: Lobezno’, en cambio, han querido arroparlo con personajes potentes e icónicos de la saga, pero llevados de la peor manera.

La gran virtud de la cinta es la de destacar, de nuevo, el gran labor de Hugh Jackman, mimetizado absolutamente con el hombre de las garras de adamantium. Además del australiano, hay que destacar a un Ryan Reynolds (Deadpool), que cuenta con pocos minutos brillantes, pero suficientes para haberle garantizado 7 años después la realización de una película en solitario, mucho más brillante que esta de de ‘Lobezno’.

La película tiene el gran error de abarcar demasiado espacio de tiempo. Pasamos de Logan de niño, a finales del siglo XIX, hasta el Logan previo a perder la memoria, hecho que ocupa gran parte de la trama de las cintas originales de ‘X-Men’. El problema no es querer contar muchas cosas, sino hacerlo sin gracia y sin sentido. La película no fluye entre sus diferentes episodios, todos parecen capítulos inconexos, incluidos con el único propósito de mostrar al mayor número de personajes posibles antes que contar la historia de Lobezno.

La franquicia de ‘X-Men’ ya sufrió un duro golpe con ‘X-Men: La decisión final’, pero esta de ‘Lobezno’ le terminó de dar la puntilla. El varapalo fue tan gordo que se canceló el spin-off planeado sobre el personaje de Magneto, para pasarlo a ser la columna vertebral de X-Men: Primera generación, película que revitalizó la saga y dotó de cierta cordura a una historia que empezaba a irse de madre.

En ‘X-Men Orígenes: Lobezno’ perdemos todo el componente de la épica de las originales de ‘X-Men’. La historia de los marginados aquí se da, pero pasa en segundo plano. No encontramos una narración donde podamos situarnos en el tiempo que se nos cuenta, ni encontramos a un reparto con grandes nombres donde se pueda destacar el gran trabajo de sus actores. Una cinta desaprovechada que podría haber sido muy buena, pero que terminó por ser una pequeña decepción más.

Lo mejor: Nos descubre al personaje de Deadpool, aunque sea de forma cochambrosa.

Lo peor: No había necesidad alguna de hacer esta película.

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‘Tasio’, la vida de un hombre rural, sencillo y honesto
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 15:24| 0

TASIO

Título original: Tasio

Año: 1984

Duración: 95 minutos

País: España

Director: Montxo Armendáriz

Guion: Montxo Armendáriz y Marisa Ibarra

Música: Ángel Illarramendi

Fotografía: José Luis Alcaine

Reparto: Patxi Bisquert, Amaia Lasa, Isidro José Lozano, Nacho Martínez, José María Asín y Paco Sagarzazu

Productora: Elías Querejeta P.C.

Género: Drama | Biográfico

Tasio trabaja como carbonero desde los catorce años en un pequeño pueblo navarro de la sierra de Urbasa. La vida cambia, pero el monte permanece siempre igual: abrupto y hermoso. Es el escenario de sus juegos infantiles, pero es también el lugar donde encuentra el sustento para su familia. Cuando se hace adulto, al carbón añadirá la caza furtiva. A pesar de que es la época del éxodo rural, de la emigración a las ciudades en busca de un futuro mejor, Tasio prefiere quedarse y vivir en el monte, en la más absoluta soledad, con tal de salvaguardar su libertad. Película basada en la vida real de Anastasio Otxoa Ruiz. (FilmAffinity)

Hay películas que no necesitan un argumento complejo, ni enrevesado, basta una premisa sencilla y una historia que contar. Es así como se construyen filmes como ‘Tasio’, debut tras las cámaras de Montxo Armendáriz. Dicen los que conocen mejor su filmografía que esta es su mejor película, como yo no he ahondado en su trabajo tendré que creerles.

‘Tasio’ es casi un documental de un modo de vida rural en decadencia que cada vez se da menos en el País Vasco y en Navarra. Un tipo de vida donde algunos aguantan estoicamente sin sucumbir al modo de vida urbano. Un modo de vida que implica vivir con lo mínimo, realizando un esfuerzo en ocasiones exagerado para el beneficio que se saca y una forma de vivir austera y sacrificada.

El filme consigue transmitir ese aire decadente y triste de la vida en la montaña. Su personaje principal, Tasio, que da nombre a la película, es ese hombre que por nada quiere dejar atrás la vida que ha mamado desde pequeño. Esa vida rural donde tiene que trabajar el carbón, donde tiene que cazar lo que quiere comer y donde se las busca y encuentra para sobrevivir a diario. Tasio quiere ganarse la vida por sí mismo, sin depender de nadie, en una lucha contra la rueda de la realidad social donde ya pocos hombres como él quedan.

Desde el punto de vista urbano, ‘Tasio’ narra un modo de vida incomprensible, máxime si a lo largo de la película se le presentan varias oportunidades de irse de las montañas navarras a Vitoria a trabajar en la construcción o en una cooperativa. Tiene la virtud de adentrarnos en la fría y dura realidad de la vida en el campo mediante un personaje honesto y sencillo.

Pero, en el fondo ‘Tasio’ es una historia de amor, y me voy a explicar. Puede que haya espectadores de la película que no vean un componente emotivo y emocional potente entre los personajes, que la relación entre Tasio y su mujer, o Tasio y su hija, es excesivamente fría. Puede que tengan razón, pero es por simple desconocimiento de cómo es este entorno. Hablamos de un hombre curtido en el campo, un hombre que ha vivido por y para el trabajo y que no entiende las emociones de forma descarnada, sino de gestos pequeños.

El personaje de Tasio quiere tanto a los suyos que se ve de forma más clara en la escena que cierra la película. Ahí, entre la tristeza y decepción de una hija que decide llevar un camino diferente al de su padre, y un padre que le devuelve una sonrisa y le da su bendición a su hija mientras le dice que lo suyo es el campo y del pueblo no va a salir, se esconde el verdadero sentimiento de la cinta. Un amor desmedido e incondicional hacia una forma de vida que tiene los días contados.

‘Tasio’ es, probablemente, uno de los más fieles reflejos del entorno rural vasco que se hayan llevado al cine. Película parca en palabras pero intensa en sus imágenes. Un escenario cuidadosamente elegido, un elenco que se mimetiza con el entorno y un argumento que no necesita de florituras para brillar.

Lo mejor: Funciona como un perfecto documental de un tipo de vida y de hombres con los días contados.

Lo peor: La banda sonora podría haber estado mejor cuidada.

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‘Florence Foster Jenkins’, la peor cantante de ópera por la mejor actriz
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Asier Manrique | 28-02-2017 | 10:14| 0

FLORENCE FOSTER JENKINS

Título original: Florence Foster Jenkins

Año: 2016

Duración: 110 minutos

País: Reino Unido

Director: Stephen Frears

Guion: Nicholas Martin

Música: Alexander Desplat

Fotografía: Danny Cohen

Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney,Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch y Sid Phoenix

Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films

Género: Comedia / Drama

Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos. (FilmAffinity)

Diga lo que diga Donald Trump, Meryl Streep (Mamma Mia) ha sido, es y será la mejor actriz de la historia del cine. Puede que su imagen no se vuelva nunca icónica de una generación como la de Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo), James Dean (‘Rebelde sin causa’) y Marilyn Monroe (‘La tentación vive arriba’), pero será siempre imagen del buen hacer y de la versatilidad en pantalla.

Meryl ya nos dejó hace unos años patente que sabe cantar y que lo hace bien. En ‘Florence Foster Jenkins’, en cambio, debe interpretar a la más terrible intérprete de ópera de la historia, la mujer que da nombre a la cinta. Entre el esperpento, la hilaridad y lo cómico, Meryl Streep (El Cazador) lleva a la gran pantalla uno de sus trabajos más logrados. La película podía haber caído en el más absoluto esperpento, pero el buen hacer de Streep consigue que caigamos rendidos ante la candidez, dulzura, inocencia y falta de talento de esta señora que enamora a la vez que hace pasar al espectador uno de los mejores ratos que puede haber pasado jamás en el cine.

Resumen bien dos de los personajes secundarios de la cinta al final de la misma la naturaleza de Florence Foster Jenkins. No canta bien, canta terrible, pero nos lo hace pasar tan bien que es con lo que nos quedamos. Ya me perdonarán sus fans, y si no lo hacen tampoco pasa nada, pero podríamos compararlo con Enrique Iglesias, canta fatal pero gusta a la gente y llena allá donde va.

En esta obra no se puede pasar por alto el gran trabajo de un Hugh Grant entregado a la causa. El actor británico da vida a ese gentleman que acompaña a Foster Jenkins y mueve los hilos para que sus sueños imposibles se cumplan. Grant logra que esa burbuja que ha construido alrededor de Jenkins envuelva a los espectadores. Queremos más, queremos más canciones, más gallos, más momentos cómicos y más dramas pasados por una pátina cómica que tan bien dominan los dos principales intérpretes de la cinta.

Así mismo, no desmerece el trabajo de Simon Helberg, en el papel del cándido, o no tanto, pianista de esta señora. Cuentan las malas lenguas que logró el trabajo no por su talento, sino por ser el único que no se reía mientras Jenkins interpretaba sus canciones. Esta versión puede ser muy cierta porque el pobre pianista no volvió a trabajar con nadie tras la muerte de la diva de la ópera.

La historia está contada con suma sencillez y envuelve en un montón de purpurina la triste historia de una mujer que vivió toda su vida engañada, sin oído musical alguno y con más intención que capacidad. Una intérprete que arrasó en vida y, posteriormente, con un disco en el mercado y llenando recintos tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el sancta sanctorum de la música en la capital neoyorquina. Una mujer que logró lo imposible, acercar un estilo de música “para élites” al pueblo llano, aunque fuera a costa de convertirse en una caricatura y producir ataques de risa eternos.

La película merece tanto la pena que lo voy a resumir en un “hay que verlo”. Merece la pena por el buen hacer de Streep y Grant. Merece la pena porque esa risa se contagia al instante. Merece la pena porque es un cuento de hadas, como los que de niños tanto nos gustan, pero llevado a una mujer en los últimos meses de su vida. ‘Florence Foster Jenkins’ es maravillosa.

Lo mejor: el derroche de talento y entrega de Meryl Streep y Hugh Grant.

Lo peor: cuesta elegir, pero, echo en falta más minutos musicales de la señora Jenkins.

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‘Fences’, ¿qué pasaría si quitamos a Denzel Washington y Viola Davis?
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Asier Manrique | 20-02-2017 | 17:54| 0

FENCES

Título original: Fences

Año: 2016

Duración: 139 minutos

País: Estados Unidos

Director: Denzel Washington

Guion: August Wilson (basado en la obra de August Wilson)

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Reparto: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq y Chris McCail

Productora: Paramount Pictures

Género: Drama

En los años 50, un padre afroamericano lucha contra los prejuicios raciales mientras trata de sacar adelante a su familia en una serie de eventos fundamentales en su vida para él y para los suyos. Denzel Washington lleva al cine una obra de teatro que ya interpretó en Broadway. (FilmAffinity)

Película basada en la obra de teatro homónima que Denzel Washington protagonizó y con el que ya cosechó un éxito importante. Ahora, como director y protagonista de la cinta, Washington, se hace dueño y señor de este dramón de dimensiones considerables donde sólo le hace sombra una Viola Davis siempre espectacular.

Ahora bien, pongámonos en la situación de que esta película no la protagonizan dos monstruos de la actuación como Viola Davis y Denzel Washington. Ninguno de ellos dos lleva sobre sus hombros el enorme peso dramático de la cinta. ninguno de ellos está ahí para dotar de credibilidad y fuerza dramática a dos personajes que cargan sobre sus hombres con todo el peso de la actuación. Entonces, ¿qué pasaría si quitamos a Denzel Washington y Viola Davis? Pues que nos quedamos sin película, básicamente.

Se trata de una cinta que adapta con sus luces y sus sombras una obra de teatro. En el teatro existe la limitación del espacio, de los escenarios, pero en el cine esa limitación no existe, por lo que puedes dotar a la historia de mucha más dimensión. En ‘Fences’ nos encontramos, en cambio, una historia muy limitada en sus localizaciones, quedándose en una obra de teatro llevada directamente al cine y sin ganar en la riqueza extra que el séptimo arte le puede dar.

La crítica y el público se han rendido ante el enésimo dramón de estos Óscars, pero debo discrepar, una vez más, del parecer general, para decir que me aburrió sobremanera esta película en la que soy incapaz de encontrar nada más que las actuaciones de su dúo protagonista. Una cinta hecha a la medida de dos actores adorados por el público y las academias de cine y que se dedican a recoger premios casi por cada trabajo que realizan, y esto no lo pienso discutir, porque ambos están sobresalientes.

La película navega en una linealidad temporal falsa donde podemos distinguir los diferentes actos de la obra teatral. En esa linealidad, lo único interesante son las extensísimas líneas de diálogo que interpretan todos los personajes. A pesar de lo complicado que puede ser seguir sus discursos, por lo pesados, extensos y cargantes que llegan a ser, son el otro gran aspecto positivo, junto a las actuaciones del dúo protagonista.

Y es que si reparamos en todo lo demás, este ‘Fences’, es una película que se toma licencias artísticas risibles como el cielo abriéndose al son de la trompeta en la última escena. Así mismo, tampoco aportan nada los monólogos de Denzel con sus “demonios”, sobran.

Lo mejor: las actuaciones de Denzel Washington y Viola Davis.

Lo peor: no aporta nada más a la obra teatral, no se dota de las ventajas que sí tiene el cine.

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‘Hasta el último hombre’, la redención de Mel Gibson
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Asier Manrique | 21-02-2017 | 10:04| 0

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE

Título original: Hacksaw Ridge

Año: 2016

Duración: 131 minutos

País: Estados Unidos

Director: Mel Gibson

Guion: Robert Schnkkan y Andrew Knight

Música: Rupert Gregson-Williams

Fotografía: Simon Duggan

Reparto: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer,Luke Bracey, Rachel Griffiths, Richard Roxburgh, Matt Nable, Nathaniel Buzolic,Ryan Corr, Goran D. Kleut, Firass Dirani, Milo Gibson, Ben O’Toole, Richard Pyros,Robert Morgan, Dennis Kreusler, Michael Sheasby, Ben Mingay, Damien Thomlinson, Nico Cortez, Darcy Bryce y Roman Guerriero

Productora: Lionsgate

Género: Bélico / Drama

Narra la historia de Desmond Doss, un joven médico militar que participó en la batalla de Okinawa, en el Pacífico durante la II Guerra Mundial, y se convirtió en el primer objetor de conciencia en la historia estadounidense en recibir la Medalla de Honor del Congreso. (FilmAffinity)

Si ha habido un retorno este año, además del programa Operación Triunfo, en lo que a cine se refiere, ha sido la vuelta de Mel Gibson a la dirección. El cineasta y actor ha vuelto por la puerta grande con un drama bélico, ambientado en la II Guerra Mundial y que ha emocionado por su potente mensaje y contener algunas de las mejores escenas de guerra desde Salvar al soldado Ryan.

La cinta cuenta la historia de Desmond Doss. Se trata del primer objetor de conciencia en recibir  la Medalla de Honor del Congreso. Se alistó en el ejército pero no disparó un rifle jamás, su labor de médico le permitió salvar la vida de cientos de compañeros, en un acto tan heroico como cinematográfico.

‘Hasta el último hombre’ brilla especialmente en su hora final, toda una lección de ritmo y de cine. Apoyado en la grandísima actuación de un actor que se ha revelado como la sensación de la temporada, Andrew Garfield, la película de Gibson consigue despuntar como una de las cintas más loables de los Óscars. Ya era hora de que un actorazo como Garfield recibiera el aplauso unánime de crítica y público. Lleva demostrando que vale, y mucho, para esto desde hace años, pero, tal vez, necesitaba trabajar con Mel Gibson y Martin Scorsese, para terminar de reivindicarse.

Probablemente se vaya de vacío, pero no deja de ser una oportunidad tomada por la Academia de redimirse con un director polémico como Gibson. Su ausencia los últimos años y sus constantes idas y venidas por temas religiosos sitúan en una posición complicada cualquier trabajo que haga. De hecho, este ‘Hasta el último hombre’ decae cuando la oda religiosa lo inunda todo. Aunque este canto a los beneficios de la religión también sirve para dar uno de los momentos más potentes de la película, justo al final, cuando Garfield pide su Biblia.

Bien interpretada y bien llevada. Con un granado grupo de actores entre los que destacan Sam Worthington, Hugo Weaving (Las aventuras de Priscilla) o Vince Vaughn, la película logra una de las historias más potentes del cine bélico de los últimos años.

Lo mejor: La actuación de Andrew Garfield y la hora final de película.

Lo peor: El excesivo tono religioso que tiene la cinta en muchas ocasiones.

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‘La llegada’, ciencia ficción del más alto nivel
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Asier Manrique | 29-01-2017 | 18:45| 0

LA LLEGADA

Título original: Arrival

Año: 2016

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

Director: Denis Villeneuve

Guion: Eric Heisserer (basado en el relato de Ted Chiang)

Música: Jóhann Jóhansson

Fotografía: Bradford Young

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien, Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen,Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann y Andrew Shaver

Productora: Paramount / 21 Laps Entertainment

Género: Ciencia ficción / Drama

Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre. (FilmAffinity)

Denis Villeneuve lleva una carrera imparable, demostrando ser uno de los grandes directores de hoy día con películas como ‘La llegada’, su último gran triunfo. Filme filosófico con la dosis justa de ciencia ficción y la fuerza narrativa que sólo un director como Villeneuve puede darle.

Estamos ante un gran ejemplo de lo que es la ciencia ficción como género. Hay quien entiende este tipo de películas como una forma de enseñar alienígenas, monstruos, planetas, naves espaciales, etc. pero nada más lejos, es una vía para contar inquietudes y necesidades humanas que no encajan dentro de los parámetros habituales del resto de géneros.

En ‘La llegada’ se plantea la paradoja de qué ocurriría si el ser humano pudiera controlar el tiempo. El tiempo como una dimensión más es imposible de manejar para los humanos, de ahí que plantearnos el dilema de qué haríamos si conociéramos lo que va a pasar en un futuro. ¿Cambiaríamos algo o lo dejaríamos todo igual?

Aprovechándose del lenguaje más puro de la ciencia ficción, Villeneuve crea una atmósfera asfixiante y potente. Visualmente apabullante, ‘La llegada’ es una cinta sobresaliente, que vuelve a dotar de una nueva dimensión a un género que necesitaba volver al tono más clásico para encontrarse con su auténtica esencia.

Estamos ante una película bien construida, bien llevada y bien actuada. Amy Adams (Batman v. Superman: El amanecer de la justicia) hace suyo el papel principal y lo exprime sacándole todo el jugo. Un personaje rico en matices y que es el alma de la cinta. Así mismo, no desentonan Forest Whitaker (Rogue One: Una historia de Star Wars) y Jeremy Renner (Capitán América: Civil War), en papeles secundarios.

Contada de forma no lineal, ‘La llegada’ llama la atención desde su propia narrativa. El espectador se verá inmerso en una historia que no pierde el tiempo en explicaciones vacías y que opta por hacer al espectador el narrador de una historia que se puede entender de muy diversas formas.

Otra de las virtudes, y posiblemente la más grande, está en que narra asuntos muy complejos de una forma muy sencilla. No toma al espectador por idiota para colarle temas de una manera infantil.

Realmente merecidas las nominaciones recibidas por el filme, aunque no opta a más que aquellas en los apartados técnicos. Hollywood no se ha caracterizado por premiar a las cintas de ciencia ficción, por lo que las opciones de la película de Denis Villeneuve se ven mermadas, a pesar de no desmerecer en ningún caso su presencia en la carrera final por los premios gordos.

Lo mejor: narra conceptos muy complejos de una forma fácilmente comprensible y sin necesidad de tomar al espectador por idiota.

Lo peor: el espectador del siglo XXI podría no estar acostumbrado a una película de ciencia ficción que sigue la estela de los grandes del género de los años 70, 80 y 90.

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‘Comanchería’, un western del siglo XXI
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Asier Manrique | 14-02-2017 | 09:17| 0

COMANCHERÍA

Título original: Hell or High Water

Año: 2016

Duración: 102 minutos

Director: David Mackenzie

Guion: Taylor Sheridan

Música: Nick Cave, Warren Ellis

Fotografía: Giles Nuttgens

Reparto: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey,Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez-Cunningham, Amber Midthunder,Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini y John-Paul Howard

 

Productora: CBS Films

Género: Thriller / Western / Drama

Un padre divorciado y su hermano, un ex presidiario recién salido de la cárcel, se dirigen al Oeste de Texas con el objetivo realizar una serie de robos en una serie de sucursales bancarias, con el fin de poder conseguir el dinero suficiente como para poder salvar la granja familiar. (FilmAffinity)

‘Comanchería’ ha sido la gran sorpresa entre las nominadas al Óscar a mejor película. El cine independiente siempre tiene alguna película en la carrera final, aunque sea para darle presencia y poco más. Con esta intención estará ‘Comanchería’ en la gala de los Óscars del próximo 26 de febrero, donde, si no hay sorpresa, se irá de vacío.

Planteado como un western moderno, ‘Comanchería’ cuenta la historia de dos hermanos que se dedican a robar bancos, mientras la policía les da caza en un entorno agreste y duro. El filme plantea si la épica que se mostraba en los westerns tradicionales tendría cabida en la actualidad. ¿Está bien que se atraquen bancos? ¿Lo aprueba la gente? Parece que no.

‘Comanchería’, de título original ‘Hell or High Water’, expresión realmente complicada de traducir al castellano, consigue erigirse como una de las grandes sorpresas del año. Una película tremendamente potente, aunque esté contada desde la contención más absoluta, con personajes que tardan en explotar, pero que guardan un potencial visual y un atractivo difícil de evitar para un espectador que desde el minuto 1 se siente atrapado por la historia.

Enmarcado en un paisaje hipnótico, a pesar de lo agreste, ‘Comanchería’, es una película que apetece, a pesar de ser un golpe en el estómago para el espectador. En esa dicotomía entre lo que es bueno y malo, donde se enfrentan la ética y la necesidad. La intención de la pareja de atracadores no es otra que salvar la granja familiar que han recibido en herencia.

Chris Pine (Star Trek) y Ben Foster (Inferno) dan vida a los dos hermanos. Su actuación está muy lograda, se mimetizan con el entorno y dan buena cuenta de lo en serio que se han tomado el trabajo. Su trabajo es creíble, oscuro, taciturno, contenido y salvaje, todo al mismo tiempo. Estremece su frialdad y su capacidad para dotar de realismo a dos personajes que podrían haber caído en el esperpento absoluto.

En el lado contrario tenemos al sherif, encarnado por Jeff Bridges, totalmente entregado a su papel. Él es quien pone el toque ácido y sarcástico con el que se presenta toda la película. Su relación con su compañero policía es uno de los puntos a destacar del filme, además de su gran trabajo que le ha permitido estar nominado a Mejor actor secundario en la próxima edición de los Óscars.

No quiero terminar sin aplaudir el buen trabajo en fotografía y en la elección de la banda sonora, es, junto a ‘La La Land’ el mejor ejemplo a este respecto que he visto de momento entre las grandes candidatas al Óscar. Toda la historia consigue ganar más con el estupendo trabajo que en este aspecto se ha tomado desde la película dirigida por David Mackenzie.

La mayor pega que se le puede sacar a la película es que no termina de explotar hasta la media hora final. Toda la cinta se mantiene en un tono plano hasta que consigue ganar en ritmo y fuerza con los 30 últimos minutos, absolutamente apoteósicos.

Lo mejor: gran trabajo actoral, de fotografía y de banda sonora.

Lo peor: no termina de ganar ritmo hasta la media hora final que es apoteósica.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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