LA NOCHE AMERICANA

Título original: La Nuit américaine

Año: 1973

Duración: 115 minutos

País: Francia / Italia

Dirección: François Truffaut

Guion: François Truffaut, Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman

Música: Georges Delerue

Fotografía: Pierre-William Glenn

Reparto: Jean-Pierre Léaud, Jacqueline Bisset, Nathalie Baye, Alexandra Stewart, Jean-Pierre Aumont, François Truffaut, Valentina Cortese, Dani, Jean Champion, Nike Arrighi, Maurice Seveno, David Markham, Bernard Menez, Gaston Joly, Zénaïde Rossi, Xavier Saint-Macary, Marc Boyle, Walter Bal, Jean-François Stévenin y Pierre Zucca

Productora: Les Films du Carrosse, PECF, PECF

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: Una película que va a rodarse comienza con la llegada de los actores y los miembros del equipo técnico, pero pronto el rodaje tropieza con una serie de dificultades que afectan tanto a los miembros del equipo como a la propia película. (FilmAffinity)

‘La noche americana’ es la declaración de amor al cine de un enamorado del cine como François Truffaut. Alguien que hizo del cine su medio de vida, que vivía por y para el cine y que dejó un legado de películas brillante entre las que destaca esta oda al séptimo arte. Una película que cuenta el proceso de grabación de una película y los problemas y retos que plantean a su equipo. La historia que cuenta da exactamente lo mismo, porque aquí lo interesante es cómo un gran cineasta como Truffaut acerca el proceso de hacer una película a los espectadores menos acostumbrados a ver lo que ocurre detrás de las bambalinas.

En ‘La noche americana’ descubrimos la importancia que tiene cada uno de los miembros del equipo de rodaje en el resultado de la película. Truffaut reivindica desde las scripts a los guionistas, los actores, los directores de diferentes departamentos y el propio director de la película. Nos habla de las rarezas del equipo de actores y cómo en ocasiones estas rarezas obligan a cambiar los planes, modificar el guion o los textos. Vemos cómo una toma se tiene que repetir una y otra vez hasta dar con el tono que se busca, vemos cómo los actores utilizan trucos para recordar los guiones, etc. Es una película que nos dice cómo se fabrica la nieve o cómo hacen para que las velas o las chimeneas iluminen tanto una habitación.

Al fin y al cabo, ‘La noche americana’ es una película que muestra las costuras del cine desde la honestidad, el sentido del humor y el amor al medio. Porque hasta el título evoca al cine. La noche americana es como se conoce a la técnica de rodar de día y hacer que parezca de noche empleando filtros. Una técnica que en inglés se conoce como “day by night” y que se emplea cada vez menos, al mejorar la técnica para poder grabar de noche con la suficiente fidelidad de imagen.

Tal vez no sea la película ideal para quienes buscan historias, porque aquí hay poco de eso. Pero sí que es la película perfecta para quienes aman profundamente el cine. Un canto de amor al séptimo arte a través del rodaje de una película que nunca podremos ver. Una reivindicación de esta profesión que hace magia mediante imágenes.

Lo mejor: Es una joya imprescindible para todo cinéfilo.

Lo peor: La historia que narra importa realmente poco.

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LOS SANTOS INOCENTES

Título original: Los santos inocentes

Año: 1984

Duración: 103 minutos

País: España

Dirección: Mario Camus

Guion: Mario Camus, Antonio Larreta y Manuel Matji (Novela: Miguel Delibes)

Música: Antón García Abril

Fotografía: Hans Burmann

Reparto: Alfredo Landa, Francisco Rabal, Juan Diego, Terele Pávez, Belén Ballesteros,Juan Sanchez, Ágata Lys, Agustín González, Manuel Zarzo, Mary Carrillo,José Guardiola y Maribel Martín

Productora: Ganesh

Género: Drama

Sinopsis: España franquista. Durante la década de los sesenta, una familia de campesinos vive miserablemente en un cortijo extremeño bajo la férula del terrateniente. Su vida es renuncia, sacrificio y y obediencia. Su destino está marcado, a no ser que algún acontecimiento imprevisto les permita romper sus cadenas. Adaptación de la novela homónima de Miguel Delibes. (FilmAffinity)

‘Los santos inocentes’ está considerada como una de las obras maestras del cine español. Una película que aborda temáticas como la vida rural, las clases sociales, la caza, la religión o la perspectiva de futuro. La película de Mario Camus disecciona como ninguna esa España rural durante la dictadura de Franco.

De lo mejor que tiene ‘Los santos inocentes’ es su valor de refrescar la memoria de la sociedad. En un momento donde la vida rural ha quedado olvidada, ahí está la España vacía, recordar que hace no tanto en el campo ocurrían las cosas que esta cinta retrata.

Vemos en ‘Los santos inocentes’ una España dividida en dos, qué raro, que por un lado domina con mano de hierro la vida rural (los señoritos). Por otro lado, donde la cinta pone más el ojo, los sirvientes, la clase más baja. Los señoritos tratan a estas personas como si fueran ganado, un animal más para arar el campo, como el perro que llevan los cazadores para recoger las piezas abatidas. A este nivel se movía la sociedad hace no tanto. Me gustaría pensar que esta sociedad déspota y totalitaria para con la gente del campo ha dejado de existir, aunque probablemente solo se haya transformado.

‘Los santos inocentes’ no es ningún prodigio audiovisual, ni lo pretende ser. Su valor no está en el cómo, está en el qué. Da igual la forma, la técnica o la banda sonora. Aquí lo que destaca es un guion armado a las mil maravillas y unas interpretaciones de quitarse el sombrero. ‘Los santos inocentes’ es una historia de personajes, de relaciones humanas. Una historia que se huele, se respira, se siente.

Muy interesante el paralelismo que se puede establecer entre el pájaro de Azarías (Francisco Rabal), “Milana, bonita” y el propio servicio. Se encuentran enjaulados, sin oportunidad de salir. Sus dueños les dan de comer y les proveen de un hogar, minúsculo y en unas condiciones deplorables. Los señoritos necesitan de la servidumbre para limpiar la casa, servir la comida, organizar y gobernar la finca y cazar, pero los tratan como escoria. Y cuando el pájaro echa a volar, en un pequeño momento de libertad, el señorito se encarga de disparar para que el pajarillo no vuelva a volar.

La servidumbre, encabezada por un enorme Alfredo Landa y una gran Terele Pávez, dicen a todo que sí, agachan la cabeza y sirven a sus señores en todo lo que haga falta. No cuestionan la autoridad, no cuestionan su situación, no oponen resistencia. Es como el animal dócil, entrenado para servir a un propósito, hasta que deja de ser útil, como les pasa a Azarías o Paco. En ese momento, Quirce (Juan Sánchez), toma el relevo de su padre para ir a cazar, pero este no muestra la servicialidad de su padre, no da las gracias, no acepta las migas de pan. Este hecho molesta profundamente al señorito Iván (Juan Diego), quien no se siente cómodo teniendo al lado a alguien que le hace ver que aquello es una imposición. Él busca un animal domesticado, pero el hijo no lo es.

Pero el verdadero inocente de la historia es Azarías (Francisco Rabal), quien desde la mirada de una persona con discapacidad psíquica. Es quien mejor congenia con Niña Chica, la hija menor de la familia y que padece una enfermedad. Es la mirada más infantil de la historia, la de un niño atrapado en el cuerpo de una persona mayor. Su don con las aves, a las que cuida con devoción, y el disparo de Iván, desatan el giro final. Solo una persona que no se ve enjaulada en esa prisión social donde vive esta familia, que no es consciente de la jaula, puede actuar de la manera en la que Azarías actúa con el señorito Iván.

Es curioso el efecto que ese giro final genera en el espectador. Por un lado el alivio, por otro la alegría, pero también el miedo y el temor. Las excelentes interpretaciones de Rabal, Landa o Diego nos llevan a que esta culminación la vivamos con el corazón en un puño. Ya nos hemos identificado con ellos, sentimos su causa, su dolor. Nos reconcome por dentro, porque esto, “Milana, bonita”, pasaba antes de ayer en España.

Lo mejor: Las interpretaciones son soberbias. Si hubieran existido los Premios Goya en aquella época habría arrasado en las categorías actorales.

Lo peor: No llegará a los que despotrican del cine español sin conocerlo.

https://www.youtube.com/watch?v=Sz9wArrcc-U

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ÚLTIMA LLAMADA

Título original: Phone Booth

Año: 2002

Duración: 82 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Joel Schumacher

Guion: Larry Cohen

Música: Harry Gregson-Williams

Fotografía: Matthew Libatique

Reparto: Colin Farrell, Kiefer Sutherland, Forest Whitaker, Katie Holmes, Radha Mitchell, Paula Jai Parker, Richard T. Jones, Tia Texada, Julio Oscar Mechoso y John Enos III

Productora: Fox 2000 Pictures

Género: Thriller / Acción

Sinopsis: En medio de la calle y a plena luz del día el joven Stu Shepard, un ambicioso publicista de Nueva York, se encuentra de repente atrapado en una cabina telefónica debido a las amenazas de un francotirador armado con un rifle con mira telescópica que le está apuntando: si cuelga el aparato, morirá. (FilmAffinity)

‘Última llamada’ es de estas películas breves, que ocurren en una sola localización y que funcionan como un tiro. La cinta de Joel Schumacher llegó en 2002, cuando las cabinas de teléfono estaban desapareciendo a marchas forzadas. Pero el director, recientemente fallecido, creó un thriller dentro del minúsculo espacio de una cabina telefónica de una calle de Nueva York.

En ‘Última llamada’ seguimos a Stu, un publicista que esconde más secretos de los que le gustaría y que de la noche a la mañana recibe una llamada en una cabina que le cambiará por completo. Al otro lado del teléfono un hombre le amenaza con dispararle si le cuelga y le chantajea con su vida privada. La amante, la gente a la que ha estafado, su mujer, etc. Se verá presa de la persona al otro lado de la línea.

La película funciona por su breve duración, apenas llega a la hora y veinte minutos, lo que le da agilidad y aumenta la tensión. Conscientes Larry Cohen y Joel Schumacher de que la historia no daba para más metraje. Pero son capaces de sacar todo el partido a un entorno muy limitado, con muy pocos personajes y con solo un actor principal en pantalla. El juego al que es sometido Colin Farrell se plantea al espectador. ¿Quién será el hombre al otro lado del teléfono? ¿Por qué ha elegido a Stu?

El problema principal con el que se encuentra ‘Última llamada’ hoy en día es que resulta imposible que esto ocurra. Y si no es imposible, es prácticamente imposible. Apenas quedan cabinas, por lo que me imagino a cierta parte joven del público hasta preguntándose qué es esa caja de cristal en el que se mete Stu. Esta pérdida de fuerza por la trama en sí es un lastre que en su momento no tenía, aunque las cabinas estuvieran desapareciendo. En su momento la gente seguía utilizándolas. Era ese momento entre tener móvil o seguir con los teléfonos públicos. En 2002 funcionaba todavía estupendamente. Es lo que cuenta.

Si la película funciona es por su ágil ritmo. El guion es simple, podría ocurrir en una cabina, en un restaurante o en cualquier otro sitio, pero está lleno de giros que bien merecen la pena. Pero el ritmo hace que gane enteros. La claustrofobia del lugar y la identificación con la trama juegan a su favor. Es de estas películas en las que el espectador se puede ver reflejado. Ocurre en tiempo real, lo que no es tan habitual en el cine.

Otro punto a favor es la excelente labor de Colin Farrell. El actor se encuentra con la difícil tarea de estar solo ante todo. Apenas interactúa con gente de carne y hueso, tiene que estar frente a una voz que no sabe ni de dónde viene. El actor, que todavía no se había hecho un hueco en Hollywood, saca todo el partido a Stu y demuestra ser un actor solvente.

‘Última llamada’ es un thriller que hoy en día no se podría filmar. Una película que hace de la falta recursos virtud. Tensión por un tubo. Llena de giros sorprendentes y con un protagonista en su mejor momento. El móvil mató este tipo de thrillers, desgraciadamente.

Lo mejor: El ritmo, los giros y el trabajo de Colin Farrell y Kiefer Sutherland.

Lo peor: Ha perdido toda la actualidad en apenas 18 años.

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EL HOMBRE DE LA MÁSCARA DE HIERRO

Título original: The Man in the Iron Mask

Año: 1998

Duración: 132 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Randall Wallace

Guion: Randall Wallace

Música: Nick Glennie-Smith

Fotografía: Peter Suschitzky

Reparto: Leonardo DiCaprio, Gabriel Byrne, Jeremy Irons, John Malkovich, Gérard Depardieu, Judith Godrèche, Anne Parillaud, Hugh Laurie, Peter Sarsgaard

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer

Género: Aventuras / Acción / Drama

Sinopsis: 1660. Mientras Francia se muere de hambre, el Rey Luis XIV mantiene un régimen de terror. Sólo “los tres mosqueteros” podrán enfrentarse a esta situación. Su misión consiste en liberar a un misterioso prisionero que está encerrado en La Bastilla y que es el único que puede salvar a Francia. (FilmAffinity)

Hay películas que ves en un momento muy concreto de tu vida y te impactan. No necesariamente tienen que ser películas impecables. O no al menos para la crítica. Porque el caso de ‘El hombre de la máscara de hierro’, película que me llegó a mí en mi más tierna infancia en VHS, vídeo que obviamente vi muchísimas veces, no es una gran película, de hecho es una película fallida, pero qué bien me lo ha hecho pasar. Por este motivo, soy incapaz de ser demasiado objetivo con ella, pero lo intentaré.

‘El hombre de la máscara de hierro’ es una película de aventuras que se basa en una parte del libro (‘El vizconde de Bragelonne‘) que pone fin a la trilogía de los ‘Mosqueteros’ de Alejandro Dumas. Esta parte de la novela, igual que la mayoría de la obra del francés, toma la historia francesa de los siglos XVI, XVII y XVIII para situar sus aventuras. En este caso estamos en el principio del reinado, como tal, de Luis XIV. Este rey francés, considerado como el más grande monarca absolutista del país galo, fue rey desde los 4 años, cuando su padre, Luis XIII, falleció, pero no fue hasta su vida adulta cuando de verdad tomó posesión de sus funciones. Esta película se sitúa en ese momento donde Luis lleva poco tiempo en el trono, todavía no se ha casado con María Teresa de Austria y no ha empezado su mayor proyecto: el Palacio de Versalles.

Situados en este punto nos encontramos con los tres mosqueteros (Athos, Porthos y Aramis) retirados y con D’Artagnan que sigue al servicio de su majestad. La historia nos cuenta que Luis es un rey absolutista, incapaz de ver las necesidades que tiene el pueblo sobre el que gobierna. Dumas, y por extensión Randall Wallace, toman una vieja historia francesa de la que se desconoce prácticamente todo. La historia de un prisionero que estuvo durante los últimos años de su vida en prisión con su rostro cubierto por una máscara de hierro. La identidad de este prisionero ha sido siempre motivo de especulación.

Puestos a especular, aquí tenemos la versión de que el famoso hombre de la máscara de hierro es un hermano gemelo de Luis XIV. Aprovechando esta circunstancia los tres mosqueteros conspiran para cambiar a Luis XIV (Leonardo DiCaprio) del trono. Jeremy Irons, John Malkovich y Gérard Depardieu, sacan al prisionero de prisión y pergeñan un plan para poner a Philip (Leonardo DiCaprio) en el trono.

La película no deja ser una historia de aventuras. Fue vapuleada por la actuación de DiCaprio, el cual me parece más que correcto, en dos papeles que no son nada sencillos. La crítica también la tenía tomada con él por ser de estos ídolos adolescentes, afortunadamente el tiempo lo ha puesto en su lugar. Del resto del reparto brillan los tres mosqueteros (Irons, Malkovich y Depardieu) y sale un poco perjudicado Gabriel Byrne como D’Artagnan, el más sobreactuado de todo el reparto. Pero en líneas generales el resultado me parece correcto.

¿Tiene errores? Claro, como todas las películas. Pero el caso de ‘El hombre de la máscara de hierro’ es de estas películas que me llegaron en el momento oportuno y que siempre tendrán un lugar especial en mi corazón. De estas películas que repito de tanto en tanto y que me hacen volver a la infancia, cuando puse por primera vez aquel VHS. El cine también es mucho de esta nostalgia que no entiende de razones.

Lo mejor: La ambientación, el vestuario y, sí, las actuaciones protagonistas, especialmente de los tres mosqueteros.

Lo peor: Comparada con otras adaptaciones de capa y espada ha envejecido mal.

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OPERACIÓN OGRO

Título original: Operación Ogro

Año: 1979

Duración: 100 minutos

País: España

Dirección: Gillo Pontecorvo

Guion: Ugo Pirro, Giorgio Arlorio

Música: Ennio Morricone

Fotografía: Marcello Gatti

Reparto: Gian Maria Volonté, José Sacristán, Ángela Molina, Eusebio Poncela, Féodor Atkine,Fernando Chinarro, Nicole Garcia, Saverio Marconi, Georges Staquet y Ana Torrent

Productora: Action Film / Sabre Films / Vides Cinematografica

Género: Thriller

Sinopsis: Historia del atentado con coche bomba de ETA que mató a Carrero Blanco en diciembre de 1973. Tiempo atrás varios hombres que formaban un comando de ETA tenían una misión: secuestrar al almirante Carrero Blanco para intercambiarlo por presos políticos. Sin embargo, cuando estaban a punto de cumplir su objetivo, Carrero fue nombrado Presidente del Gobierno, y los planes cambiaron. Tiempo después, uno de los hombres de aquél comando sigue siendo partidario de la lucha armada, mientras que sus antiguos correligionarios creen que ha llegado la hora de seguir los cauces democráticos. (FilmAffinity)

Vivimos en un momento donde hacer un chiste sobre Carrero Blanco puede acarrear una condena en tribunales. Pongamos por caso que ‘Operación Ogro’, la película de Gillo Potecorvo que narra el atentado contra el Presidente del Gobierno Carrero Blanco, se lanza tal cual hoy en día, ¿sería posible hacer hoy esta película? Tengo mis dudas, y muchas más que tengo a tenor de la presencia cada vez mayor de cierto partido con nombre de diccionario.

‘Operación Ogro’ narró con sumo cuidado y detalle la preparación del atentado de ETA contra Carrero Blanco. Una operación que supuso un antes y un después en la banda terrorista y que, todavía hoy, se recuerda como uno de los momentos clave en su historia. ETA mató al que estaba llamado a ser sucesor de Franco.

No falta detalle en ‘Operación Ogro’, desde la intimidad más cotidiana del grupo de terroristas hasta el propio atentado. La película muestra en toda su magnitud el atentado, con el coche de Carrero saltando por los aires y aterrizando en el patio interior de un convento que se encontraba en esa calle Claudio Coello.

La cinta está narrada desde el punto de vista de ETA. Vemos cómo su preparación, la implicación en la lucha armada y sus relaciones personales los afectan. Este atentado dividió a la banda, entre los que optaban por un secuestro y los que optaban por asesinar a Carrero. Las consecuencias de la operación y cómo años después siguió afectando a sus artífices se ven en la película.

‘Operación Ogro’ está fantásticamente bien hecha. Es una película más que aceptable, hecha con pocos medios y con una temática realmente compleja de tratar. Unas actuaciones más que solventes de José Sacristán, Ángela Molina y, sobre todo, Eusebio Poncela, el más destacado de los protagonistas.

He leído opiniones muy contrarias a la película, pero me cuesta encontrar puntos negativos para valorarla como una mala película. Supongo que no todos los espectadores son capaces de ver algo relacionado con ETA y no hacer una lectura ideológica. Supongo que no todos los espectadores son capaces de situarse en el tiempo, momento y lugar de los hechos para poder juzgar la trama con perspectiva. Las críticas sobre cómo la película muestra a Carrero Blanco, un hombre de misa diaria, ¿acaso no es lo que era? De hecho la operación funcionó por la poca seguridad que llevaba y por repetir, diariamente, el mismo trayecto en coche, a la misma hora. Todo eso, y más, lo podemos ver brillantemente retratado en la película.

Lo mejor: Es directa y clara, más próxima al documental.

Lo peor: Hoy sería imposible hacerla igual.

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POSEIDÓN

Título original: Poseidon

Año: 2006

Duración: 97 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Wolfgang Petersen

Guion: Mark Protosevich

Música: Klaus Badelt

Fotografía: John Seale

Reparto: Josh Lucas, Kurt Russell, Emmy Rossum, Jacinda Barrett, Richard Dreyfuss, Mía Maestro, Kevin Dillon, Mike Vogel, Jimmy Bennett, Andre Braugher, Freddy Rodríguez y Stacy Ferguson

Productora: Warner Bros. Pictures / Virtual Studios

Género: Aventuras / Acción

Sinopsis: En el Atlántico Norte, a bordo del lujoso trasatlántico Poseidón (20 pisos, 13 cubiertas) comienza la fiesta de Nochevieja. Mientras tanto, una gigantesca ola de 30 metros de altura se dirige hacia la nave a gran velocidad. Los intentos para desviar el barco y evitar el choque son inútiles. La ola lo golpea con una fuerza colosal y lo vuelca. Los pasajeros y los miembros de la tripulación caen desde una gran altura y van a parar entre los restos del naufragio o se sumergen en el mar. Tras el espectacular y dramático vuelco, las tuberías de gas quedan rotas y escupen fuego, y la electricidad falla dejando grandes secciones del buque sumergidas en la oscuridad y el caos… Remake de una popular película de los años setenta. (FilmAffinity)

El cine de catástrofes de vez en cuando se aleja de las destrucciones masivas de la tierra que tanto le gustan a Roland Emmerich y se centra en casos más pequeños. El de ‘Poseidon’, una película del año 2006, es un remake de un clásico de los años 70 donde un crucero se sumerge en medio del océano y un grupo de valientes trata de salir por su cuenta.

En esta película nos encontraremos todos y cada uno de los clichés del cine de desastres y aventuras. Tenemos al manitas que lo hace todo bien, la madre con el hijo, la pareja adolescente, el padre al cargo de su hija adolescente, los jubilados, el idiota y las personas de clase más baja. Todo esto está en esta película. En ‘Poseidón’ también nos encontramos situaciones imposibles resueltas como lo haría McGyver, etc. Y a pesar de que cumple con todos los clichés del género, la película sigue siendo interesante.

Apenas hora y media y un ritmo imparable hacen de la película de Wolfgan Petersen una cinta de catástrofes interesante. No soy especialmente fanático de este género, pero con ‘Poseidón’ haré una excepción porque realmente se deja ver. No es una gran película, ni mucho menos, pero se deja ver, que ya es decir. Es imposible acercarse a ella con intención de encontrar algo sesudo y elaborado. Es cine palomitero en todo su esplendor. No pretende pasar por nada más, no pretende dar discursos grandilocuentes. Esa será otra película, ‘Poseidón’ es simplemente una película de gente tratando de sobrevivir en un barco que ha dado la vuelta en medio del océano a causa de un tsunami.

Para ello ayuda mucho cómo actores como Josh Lucas, Kurt Russell o Emmy Rossum lo dan todo por la causa. Otras películas del género presentan actores que están solo por el cheque, pero esta vez estos tres se lo están pasando bien. Ninguno lo enfoca como su película definitiva, ni falta que hace, pero se lo pasan bien y nos lo hacen pasar bien. El resto de secundarios cumplen, que ya es bastante decir.

Otro de los puntos fuertes de la película está en su imagen. Visualmente se trata de una película espectacular. De acuerdo, en estos años ha envejecido un poco mal. Hay efectos y trucos que se ven más claros ahora que entonces. Pero a pesar de todo sigue siendo una película realmente bien hecha.

En contra, la la cinta prescinde de todo argumento. Tenemos una mini introducción, apenas 10 minutos, donde se nos presenta a los personajes con brocha gorda, y después pasamos a la acción. Sin perder ni un minuto. Va todo tan rápido que la película no respira en ningún momento. Es de agradecer que vaya a lo que la mayoría espera. Pero tampoco hubiese venido mal algún momento de pausa para que la película descansara.

‘Poseidón’ es un gran ejemplo de cine de catástrofes, visualmente impresionante y con un ritmo frenético. Déjate llevar, coge un bol de palomitas y disfruta de esta película sin más intención que pasártelo bien.

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GATTACA

Título original: Gattaca

Año: 1997

Duración: 106 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Andrew Niccol

Guion: Andrew Niccol

Música: Michael Nyman

Fotografía: Slawomir Idziak

Reparto: Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Loren Dean, Alan Arkin, Gore Vidal, Xander Berkeley, Elias Koteas, Ernest Borgnine, Tony Shalhoub, Blair Underwood, Maya Rudolph, Lindsey Ginter y Jayne Brook

Productora: Jersey Films / Columbia Pictures

Género: Ciencia ficción / Thriller

Sinopsis: Ambientada en una sociedad futura, en la que la mayor parte de los niños son concebidos in vitro y con técnicas de selección genética. Vincent, uno de los últimos niños concebidos de modo natural, nace con una deficiencia cardíaca y no le auguran más de treinta años de vida. Desde niño, Vincent sueña con viajar al espacio, pero sabe muy bien que nunca será seleccionado. (FilmAffinity)

¿Qué pasaría si toda nuestra vida estuviera marcada por la genética? Ya lo está, pero a un nivel mucho mayor. Que tus padres te tengan eligiendo cómo serás, tus aptitudes, tu esperanza de vida, etc. Así mismo, tu genética determinará si puedes acceder o no a un puesto de trabajo o si eres válido para la sociedad. Esta es la situación que dibuja ‘Gattaca’.

En la película vemos la vida de Ethan Hawke, un joven “no válido”, brillante con la ciencia y que está relegado a ser limpiador porque sus padres decidieron dejar al azar de la genética cómo iba a ser él. Para conseguir su sueño de recorrer el espacio accede a entrar en un complicado programa de suplantación de un “válido” que no puede caminar tras un accidente.

El plan, perfectamente ejecutado, entra en crisis cuando matan al director del centro Gattaca donde Hawke se encuentra trabajando. Una pestaña hará que pongan la pista tras él, arrancando aquí la parte policial de la película.

‘Gattaca’ nos plantea este futuro distópico, con una estética pesada a lo ‘Matrix’ y donde lo más interesante es el conflicto entre hermanos. El hermano de Hawke es policía y “válido”. Entre ambos siempre ha habido un pique marcado por la genética y las aspiraciones puestas en uno y otro.

Como película es una de tantas que nos plantean estos futuros distópicos. Lo que juega a favor de ‘Gattaca’ es que fue de las primeras de una larga ristra de cintas similares que han ido saliendo en los últimos años.

En cuanto a su valor cinematográfico es cierto que vista con el tiempo no impacta como debería impactar. Tal vez el abuso que se ha hecho de este tipo de películas últimamente hace que no entre igual. No deja de ser interesante cómo se puede hacer una película de este tipo con pocos efectos, mucha estética y bastante voluntad.

Como película ‘Gattaca’ no es brillante, pero sí un digno ejemplo de cine de ciencia ficción. Una película que abrió camino a las películas de ciencia ficción situadas en futuros distópicos. Ejemplo de muchos y todo un clásico del género.

Lo mejor: Abrió camino a un tipo de cine que desde entonces ha abundado.

Lo peor: El tiempo no la ha tratado nada bien.

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LA HISTORIA INTERMINABLE

Título original: Die unendliche Geschichte / The Neverending Story

Año: 1984

Duración: 94 minutos

País: República Federal Alemana (RFA) / Estados Unidos

Dirección: Wolfgang Petersen

Guion: Wolfgang Petersen y Herman Weigel

Novela: Michael Ende

Música: Klaus Doldinger

Fotografía: Jost Vacano

Reparto: Barret Oliver, Noah Hathaway, Moses Gunn, Tami Stronach, Patricia Hayes, Sydney Bromley, Thomas Hill y Deep Roy

Productora: Constantin Film, Bavaria Studios, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bavaria Film, Producers Sales Organization, Warner Bros.

Género: Fantástico / Aventuras

Sinopsis: Escondido en el desván de su colegio, Bastian devora durante las horas de clase un libro enigmático, ”La historia interminable”, que relata la paulatina destrucción del Reino de Fantasía. Una especie de ”Nada” misteriosa destruye el país y a las criaturas que lo habitan. A medida que avanza en la lectura, Bastian se da cuenta de que la salvación de Fantasía depende de él; de que consiga entrar dentro del libro… (FilmAffinity)

Hoy en día sería imposible hacer ‘La historia interminable’ como se hizo en 1984. Aquella película alemana, del Oeste, para ser más precisos, creó un mundo de fantasía con una estética muy particular y recurriendo a maquetas y marionetas. De acuerdo que la tecnología en el momento pedía esto, pero hoy en día podría seguir haciéndose así, y no se hace. Esto dota a ‘La historia interminable’ de una identidad visual muy personal que ha sobrevivido casi 40 años después.

La historia de la película es la de Bastian, un niño que es víctima de bullying y que se hace con un misterioso libro que le transporta al Reino de Fantasía. Allí se convertirá en Atreyu, un guerrero que debe buscar una cura para la princesa enferma. La película, como el libro, es el viaje del héroe por este mundo en busca de la solución para la princesa. Mientras tanto, Bastian, se convertirá en un inesperado protagonista de la historia.

Lo que hace a ‘La historia interminable’ diferente al resto de películas para niños de la época es su curioso diseño de producción. Nos encontramos con una película oscura, tétrica y poco típica. Es una cinta más europea, más alemana, y menos estadounidense. No abunda el humor y durante la mayor parte del tiempo el protagonista está viviendo un mal momento.

El diseño mediante marionetas y efectos especiales de toda la vida la dota de una estética peculiar. El dragón que monta el protagonista es ya icónico. Pero no menos icónicos son el Auryn, Vetusta Morla y el resto de iconografía que despliega la cinta.

Toda esta mezcla, que hoy en día se ve muy envejecida, le dota de ese aura tan especial que sigue todavía encantando a los más pequeños. Es ese punto que tiene ‘La princesa prometida‘ que no la hace una gran película en lo visual, pero sí muy especial y única en su conjunto. O ‘Drácula de Bram Stoker‘, otra película que recurrió a efectos tradicionales en lugar de digitales. Películas, estas tres, que si bien pueden verse más envejecidas de lo habitual, siempre guardarán un sabor especial por ser representantes perfectas de una época del cine que ya está pasada.

El problema con ‘La historia interminable’ es cuando la ves. En mi caso la he visto de mayor, o al menos no tengo el recuerdo de haberla visto de niño, por lo que el impacto que me ha generado no es la misma que a un niño. Esto hará que mi nota sea injusta a todas luces, lo siento a los fans. Si te pilla en el momento preciso debe ser una película muy disfrutable, pero en mi caso no fue así. Lo de interminable me pareció que se quedaba corto. Sumado esto a la más que evidente tijera que le metieron, haciendo de ella una película inconexa a ratos, deja en ciertos momentos una cinta tosca y pesada.

Lo mejor: Verla siendo niño, la experiencia tiene que ser única. Su estética, hay que reconocerle que pocas películas tienen una estética tan única.

Lo peor: La tijera que tiene y lo inconexa que es, especialmente en la segunda mitad.

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LOS MISERABLES

Título original: Les Misérables

Año: 2019

Duración: 102 minutos

País: Francia

Dirección: Ladj Ly

Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini y Alexis Manenti

Fotografía: Julien Poupard

Reparto: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga, Jeanne Balibar, Steve Tientcheu, Issa Perica, Al-Hassan Ly, Almamy Kanoute, Nizar Ben Fatma, Raymond Lopez, Luciano López, Jaihson Lopez, Sana Joachaim, Lucas Omiri, Rocco Lopez, Zordon Cauret, Steve Cauret, Omar Soumare, Abdelkader Hoggui

Productora: Lily Films / Rectangle Productions / Srab Films / Canal+ / Le Pacte / Ciné+ / Wild Bunch

Género: Thriller / Drama

Sinopsis: Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio. (FilmAffinity)

El cine francés es una de mis debilidades. Me gusta cuanto tocan temas más mundanos, me gusta cuando abordan su historia, especialmente la previa a la Revolución, y me gusta cuando se meten de lleno en temas sociales. El penúltimo ejemplo de este tipo es ‘Los miserables’, película de 2019 que toma el mismo título de la obra de Víctor Hugo y se adentra en una barriada de Montfermeil, al este de París. Este barrio, crisol de razas, es un polvorín a punto de estallar donde la violencia campa a sus anchas y donde un grupo de tres policías matones desfilan como matones de barrio.

La película nos lleva por este barrio donde subsaharianos, gitanos y este trío de policías mantienen una calma tensa que se ve estallará en cualquier momento. La impunidad policial, realmente irritante por la actitud de Chris, el jefe, estalla cuando en un accidente un joven queda herido y un pacto entre los cabecillas de los grupos establece una calma tensa.

Ladj Ly, director originario de este barrio, nos muestra con dolorosa crudeza la cara más dura de este entorno. Para los que no vivimos en una zona donde conviven gentes de todo el mundo, donde hay conflictos religiosos, por drogas, violencia, prostitución, etc. esta película funciona casi como un documental. Una forma de adentrarnos en la cara más sórdida de nuestra sociedad.

El principal acierto de ‘Los miserables’ es situar la película durante la celebración del último Mundial de Fútbol, el que ganó Francia. Mientras las calles de París estaban llenos de gente ondeando banderas tricolores, con la camiseta azul de la selección, en el otro extremo de la ciudad la vida continuaba igual. Los miserables, tomando el título de la película, no están invitados a la fiesta. Para ellos el Mundial es algo lejano, incluso Francia es algo lejano. Viven en un entorno donde ni están de forma legal, ni se sienten abrazados por los que serían sus compatriotas.

En este abandono estalla una llama complicada de apagar. Ladj Ly establece un paralelismo continuo con los disturbios de Francia de 2005, que azotaron especialmente los barrios periféricos de París. Aquellos disturbios comenzaron también porque unos jóvenes murieron tras, según afirmaban los participantes en los disturbios, ser perseguidos por la policía. La protesta, que en principio podría ser legítima, terminó por convertirse en una batalla campal de 19 días. En esas protestas, como bien señala uno de los personajes, no se logró nada. Se quemó mobiliario urbano y, sobre todo, coches. Más de 8.000 coches quemados y casi 3.000 detenidos. El polvorín estalló entonces, y ‘Los miserables’ nos recuerda que poco ha cambiado desde entonces. Una calma tensa que podría volver a saltar por los aires.

Lo mejor: Retrata la realidad de un barrio como Montfermeil con conocimiento de causa.

Lo peor: Le pueden sobrar 20-25 minutos, fácilmente.

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REALITY BITES

Título original: Reality Bites

Año: 1994

Duración: 99 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Ben Stiller

Guion: Helen Childress

Música: Karl Wallinger

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Reparto: Winona Ryder, Ethan Hawke, Janeane Garofalo, Ben Stiller, Steve Zahn, Swoosie Kurtz, Harry O’Reilly, Susan Norfleet, Joe Don Baker, Renée Zellweger, James Rothenberg, John Mahoney, David Spade, Evan Dando, Karen Duffy, Barry Del Sherman, Amy Stiller, Helen Childress, John Walsh, Bill Bolender, Anne Meara, Keith David, Jeff Kahn, Pat Crawford Brown, Andy Dick y David Pirner

Productora: Jersey Films / Universal Pictures

Género: Drama / Comedia / Romántico

Sinopsis: Lelaina Pierce, ayudante de producción en un programa matinal de televisión, sueña con ser directora de cine. Mientras llega su gran oportunidad rueda un vídeo de sus amigos en los que estos hablan de su realidad cotidiana, sus ambiciones y su falta de expectativas. Entre tanto, debe elegir entre dos amores, un yuppie y su leal amigo Troy. Drama generacional de joven y conocido reparto que se promocionó como la película de la “generación X”. (FilmAffinity)

‘Reality Bites (Bocados de Realidad)’, en adelante solo con el título en inglés, es una película que solo le puede importar a la generación X, en otras palabras, los baby boomers. Esta película de mediados de los 90 se planteó como la película definitiva para esa generación. Todas las generaciones tienen películas con las que se identifican más, y la de esta generación estaba llamada a ser esta.

‘Reality Bites’ nos lleva a un grupo de amigos que comparten piso. Todos ellos han terminado la universidad y ven cómo los sueños con los que salieron se van desmoronando. Son víctimas de una sociedad que les pide tener experiencia, pero no les da opción a conseguirla. Son víctimas de generaciones anteriores que no les toman en serio. Son víctimas de tener otro concepto de la sociedad, de la vida en pareja y de los objetivos de futuro. Una situación que se agrava especialmente en esos años durante la universidad y después de ella, donde todavía buscas tu lugar en el mundo.

Como alguien no miembro de esta generación que retrata la película, soy millennial, justo los que vamos después, diré que mi conexión con ella no ha sido todo lo buena que me hubiera gustado. La película nos cuenta de manera muy sencilla las vidas de estos jóvenes, pero al final no deja de ser una sucesión de escenas con un final no boomer. Si de verdad quieres ser una película generacional debes llegar hasta el final. El final me parece que está más próximo a los objetivos marcados por generaciones previas. Comprar una casa con jardín, una vida en pareja e hijos. Algo que termina por chocar con lo que ha estado planteando desde el principio.

‘Reality Bites’ habría ganado muchos enteros si hubiera acabado con ese final feliz de manual que Hollywood siempre nos trae. Estamos hablando de una generación que empezó a cuestionar la vida tal y como la planteaban las generaciones nacidas hasta los años 60. Las inquietudes que tienen no son las mismas y, por tanto, las conclusiones tampoco deben ser las mismas. La conclusión es el verdadero agujero negro de la película.

Donde sí que acierta la película de Ben Stiller es en criticar la sociedad de los años 90. No hay quien se libre. Los refrescos gigantes, los anuncios, las videntes, los programas matinales, la MTV, etc. Todo el discurso está bien armado de base.

A ello contribuyen Winona Ryder, especialmente, y también Ethan Hawke o el propio Ben Stiller. Ella sostiene el peso en todo momento, demostrando que con razón era la actriz favorita de todo el mundo en esos años.

Aunque ha envejecido muy mal, ‘Reality Bites’ es una buena película que sirve como introducción a las inquietudes de la generación X. Una generación que creyó soñar con cambiar las cosas.

Lo mejor: Las ideas de base y la crítica nada sutil a la sociedad de principios de los 90.

Lo peor: Todo lo que plantea se diluye en un final descafeinado.

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