Diario Vasco
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‘El último emperador’, irregular biopic sobre Pu Yi
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Asier Manrique | 30-09-2016 | 10:54| 0

EL ÚLTIMO EMPERADOR

Título original: The Last Emperor

Año: 1987

Duración: 156 minutos

País: Reino Unido

Director: Bernardo Bertolucci

Guion: Mark Peploe y Bernardo Bertolucci

Música: Ryuichi Sakamoto, David Byrne y Cong Su

Fotografía: Vittorio Storaro

Reparto: John Lone, Peter O’Toole, Joan Chen, Ying Ruocheng, Victor Wong, Dennis Dun,Ryuichi Sakamoto y Cary-Hiroyuki Tagawa

Productora: Columbia Pictures

Género: Biográfico / Drama

Pekín, 1908. China se encuentra en plena decadencia. Pu Yi, un niño de tres años, es arrancado de los brazos de su madre, en medio de la noche, y conducido hasta la Ciudad Prohibida, donde es coronado emperador, pero tendrá que vivir recluido dentro de este recinto inaccesible. (FilmAffinity)

El hecho de haber sido la primera película en ser rodada en la Ciudad Prohibida de Pekín ya es razón para marcar esta película con letras doradas. Además, la vida del último emperador chino, Pu Yi, parece, a simple vista, motivo suficiente como para encontrarnos ante una gran historia cinematográfica.

Fue coronado a los 3 años. Vivió durante casi dos décadas prisionero en la Ciudad Prohibida donde ejercía de emperador de forma interna, aunque China llevara tiempo siendo una república. Fue expulsado y después nombrado emperador títere de Manchuria, durante la ocupación japonesa. Hasta que finalmente fue aprisionado y llegó a terminar sus días trabajando de jardinero.

¿Interesante, verdad? Pues bien, ‘El último emperador’ narra todo eso pero con un ritmo tan irregular que hay partes muy interesantes y otras donde la sensación de que falta algo se apodera de todo. Las escenas de prisión, la apertura y las escenas en la Ciudad Prohibida son magnéticas. En cambio, toda la parte de Manchuria no genera la misma sensación de plenitud.

La potente escenografía, una banda sonora perfectamente cuidada y el detalle en cada plano hacen de la cinta de Bertolucci todo un deleite. Las grandes escenas con la enorme cantidad de extras que manejaron durante el rodaje convierten a la película en algo especial. Las actuaciones son buenas, aunque no lo mejor de la película. A destacar el trabajo del mítico ‘Lawrence de Arabia’, Peter O’Toole.

Si bien, visualmente es potente, pierde en mantener la atención. Una película de casi 3 horas debe ser capaz de mantener el nivel de atención en todo momento. Una historia de las dimensiones colosales de ésta debe ser apasionante de principio a fin. Tanto es así que la propia historia ya da pie a crear una película épica, película que finalmente no es así.

La película fue una coproducción entre China, con colaboración del gobierno comunista del país, que se volcó en la película; Italia; Reino Unido, y Francia. Una película de dimensiones colosales, y que es la cumbre del cine de Bertolucci.

Con todo esto, el filme logró llevarse 9 Óscars, incluyendo el de Mejor película, 3 BAFTA, 4 Globos de oro, 9 David di Donatello, e innumerables premios más. Y, aunque no sea la mejor película posible, merece mucho la pena conocer la historia de este emperador de intensa vida.

Lo mejor: decorado, escenografía y banda sonora.

Lo peor: podría haber dado mucho más de sí.


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Días de Festival 8: ‘American Pastoral’, ‘Ikari’, ‘Yourself And Yours’ y ‘The Odyssey’
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Asier Manrique | 23-09-2016 | 21:35| 0

Y así, como empezó, termina una nueva edición del Festival de San Sebastián. Entre la alegría por poder descansar de una semana intensa de cine y la tristeza por lo divertido que resulta a su vez, he podido ver y comentar 29 películas, 5 más que la pasada edición. En el último día he podido ver las 4 últimas películas de la Sección Oficial que me quedaban por ver. Desde Asia llegan la japonesa ‘Ikari’ y la coreana ‘Yourself And Yours’. El debut de Ewan McGregor como director ha tenido lugar en el Zinemaldia con ‘American Pastoral’. Y, finalmente, la vida e historia de Philippe Cousteau en la francesa ‘The Odyssey’. Un broche de oro a una edición de nivel en el Zinemaldia.

AMERICAN PASTORAL (PASTORAL AMERICANA)

Título original: American Pastoral

Director: Ewan McGregor

Duración: 126 minutos

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker y David Strathairn

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Seymour Levov, el “Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el “Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

Siempre despierta curiosidad el debut como director como un actor de renombre. Ewan McGregor (Lo imposible) es el encargado de realizar ese debut en el Zinemaldia. Su película, ‘American Pastoral’ se ha proyectado en el último día de Festival en un accidentado pase en el que han tenido que intervenir profesionales médicos por una urgencia. Tras evacuar a la persona afectada, ha podido seguir la proyección, que se ha visto detenida por unos instantes.

Pero centrándonos en el filme de McGregor, estamos ante una delicada propuesta que aborda el difícil papel de un padre entregado que ve alejarse a su hija más y más. En medio de la Guerra de Vietnam, con las luchas por los derechos raciales de fondo y con una iniciación política de la joven Merry, McGregor deberá enfrentarse al difícil papel de tener que dejar marchar a su primogénita.

Falla, no obstante, en generar mayor conexión entre personajes. Se olvida de prácticamente todo el elenco para centrarse en el propio McGregor, protagonista total de su función. Su papel de protagonista es uno de los puntos flojos de la película. McGregor no tiene peso suficiente para aguantar un rol tan grande como este.

Reflejo de la familia norteamericana de clase media de los años 40, 50 y 60, y de la sociedad americana en general. La delicadeza es su punto fuerte. Una cinta que se puede consumir perfectamente, pero que no tiene demasiadas opciones a premios.

IKARI

Título original: Ikari

Director: Lee Sang-il

Duración: 142 minutos

Reparto: Ken Watanabe, Ken’ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto y Mirai Moriyama

País: Japón

Género: Drama

Sinopsis: En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

Debo admitir que no soy un gran consumidor de cine asiático. El poco cine de ese continente que he visto ha provenido, en gran medida, de Japón. Al contrario que las películas chinas, que me sumen en un letargo milenario, las películas del país del sol naciente me provocan todo lo contrario, como ha ocurrido con esta ‘Ikari’.

La dosis de cine japonés de este Festival, ha sido de gran factura con ‘Your Name‘ y la película que nos ocupa. En este filme, en especial, encontramos el punto álgido de la última jornada del Zinemaldia 2016. Una película que nos sumerge en un drama de impresiones y prejuicios hacia la gente, de amor y de palabras.

Cuenta con un reparto coral donde destaca sobremanera Satoshi Tsumabuki. Su actuación es desgarradora, consiguiendo convertir sus escenas en las más interesantes de todo el filme. Interpreta a un ejecutivo homosexual que se enamora de un chico al mismo tiempo que debe cuidar de su madre enferma. La de Tsumabuki es una de las 3 historias que narra ‘Ikari‘.

Las otras dos historias se unen a esta mediante una investigación criminal. Por un lado está la historia de un padre (Ken Watanabe) que rescata a su hija de la prostitución y después, ésta, se va con un hombre perseguido por la mafia japonesa. La otra historia es la de una joven pareja que se encuentra a un desconocido en un viaje que realizan a una isla desierta. Cada historia aportará un sospechoso al caso y solo al final se sabrá cuál de ellos es el verdadero asesino.

Tal vez sea este su principal problema, ya que, a pesar de ser uno de los platos fuertes de la Sección Oficial, deja cierta sensación de no hilar del todo bien las 3 historias. Especialmente coja queda la protagonizada por Tsumabuki, que parece una historia totalmente independiente de las demás.

Narración de amor, devoción, entrega, celos, falsas impresiones, dolor, angustia, desgarro, desespero y reconciliación. Una cinta que deja la gran nota positiva de la última jornada del Festival de San Sebastián.

YOURSELF AND YOURS

Título original: Dangsinjasingwa Dangsinui Geot

Director: Hong Sang-soo

Duración: 86 minutos

Reparto: Kim Joo-hyuck y Lee You-young

País: Corea del Sur

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: El pintor Youngsoo se entera de que su novia, Minjung, se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Minjung sale de casa, diciendo que no deberían verse durante algún tiempo. Al día siguiente, Youngsoo va en su busca, pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, en Yeonnam, donde él vive, Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, tiene citas con distintos hombres. Youngsoo vaga por las calles y lucha consigo mismo, que es lo mismo que luchar contra el mundo.

Hay cosas muy curiosas con el cine. De pronto te puedes encontrar con una película de 3 horas que se te pasa volando, y de repente otra de la mitad de duración que se te hace pesada como un documental de leones en la sabana.

La cinta coreana, última a concurso presentada en la Sección Oficial, es uno de estos segundos ejemplos. Pretende ser una comedia (el público se ha reído solo en los 10 minutos finales, y se pueden contar con los dedos de una mano las carcajadas, la señora a mi lado, literalmente, se ha quedado frita), pero no pasa de ser una película simpática y poco más.

Ni los personajes, ni la narrativa, ni los actores despiertan en mi el más mínimo interés. Y su gran virtud está en ser un compendio de sketches que podrían haber funcionado mejor por separado que como una historia conjunta.

El potencial del cine asiático en este Zinemaldia queda en manos de los japoneses, con dos propuestas de gran nivel frente a la irregularidad coreana y china.

THE ODYSSEY (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: L’Odysée

Director: Jérôme Salle

Duración: 122 minutos

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams y Alberto Nicolo’

País: Francia

Género: Aventuras

Sinopsis: El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

El Festival de Cine de San Sebastián cierra con una película sobre Jacques Costeau y su hijo Philippe. Una odisea en el fondo del mar con una bellísima fotografía y un sonoro mensaje ecologista.

El filme francés se deja ver y disfrutar como una nota diferente a la tónica general de la 64 edición del Zinemaldia. Su elección como filme de cierre es un acierto, una película con mensaje y con un punto colorido y positivo para una edición donde ha predominado el negro y la oscuridad.

La historia narra la vida de Philippe, el menor de los hijos del famoso oceanógrafo galo, en su viaje de la niñez a la madurez. Su fascinación por el cine y el trabajo de su padre fue una parte importante de su vida, pero lo que deja más poso es su legado ecologista. El mensaje de protección de la fauna marina y la preservación de los océanos el gran acierto de la película.

La pasada edición terminó con ‘London Road‘ un musical que narra los asesinatos de un grupo de mujeres en un barrio de Londres. Aquella película puede verse hoy como un punto de partida común para lo que ha sido esta edición cargada de cine oscuro y violento. ¿Podrá ser ‘The Odyssey‘ un avance a la temática que predominará en el Festival de San Sebastián 2017?

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Días de Festival 7: ‘La reconquista’, ‘El invierno’ y ‘Your Name’
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Asier Manrique | 22-09-2016 | 17:36| 0

El Zinemaldia entra en su recta final. El séptimo día del Festival de Cine de San Sebastián ha sido uno de los menos llamativos de lo que llevamos de semana. Destaca la japonesa ‘Your Name’ segunda apuesta del festival donostiarra por la animación después de la buena acogida que tuvo El niño y la bestia en la pasada edición. En el apartado de decepciones están la española ‘La reconquista’ y la argentina ‘El invierno’, que no han ayudado a sobrellevar demasiado el cansancio que se va notando entre un público entregado que no ha parado de devorar cine durante esta semana.

LA RECONQUISTA

Título original: La reconquista

Director: Jonás Trueba

Duración: 108 minutos

Reparto: Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio y Pablo Hoyos

País: España

Género: Drama

Sinopsis: Manuela y Olmo se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, ‘La reconquista’ es, en realidad, una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.

Negar que a estas alturas del Festival comienzo a experimentar cierto empacho cinematográfico sería faltar a la verdad. El Zinemaldia dura una semana, pero es una semana intensa de cine sin parar, y aunque sarna con gusto no pica, el cansancio se va haciendo notar. Es por esto, que acudo a las últimas películas en ser proyectadas, las 7 que veo en los dos últimos días, con ganas de encontrar algo que me consiga sorprender lo suficiente como para estar dos horas totalmente pendiente de la pantalla de cine y no mirar el reloj a cada rato.

La primera película proyectada en este día corresponde a la cinta española ‘La reconquista’. Se trata una película nostálgica y ñoña en la que se pretende ensalzar el primer amor y mostrar cómo se comporta el ser humano al reencontrarse con ese amor años después, aunque dejando claro que el primer amor es eso, el primero, que no volverá ni será lo mismo nunca. Todo esto acompañado de mucha cursilería, un ritmo lento y muchas canciones de cantautor.

No soy muy dado a películas románticas, lo reconozco, me parecen películas cortadas todas por el mismo patrón, con excepciones, claro. Pero, sintiéndolo mucho, esta película no es una excepción a esa regla, y a pesar de que adorne el conjunto con cierto aire melancólico y canciones de cantautor repetidas como un taladro, es una más. Es un mejunje complicado de aguantar a primera hora de la mañana, cuando lo que más te apetece es algo vivo como El hombre de las mil caras, Nocturama, Que Dios nos perdone, Colossal o Un monstruo viene a verme para terminar de despertarte y afrontar con ganas el maratón cinematográfico del día. ‘La reconquista’, aunque bien intencionada, queda mejor como cinta para una tarde de fin de semana en cualquier canal de televisión.

No le doy menos nota por varias razones que paso a explicar. Tiene cierto interés todo el arco argumental que va desde el concierto del padre del personaje interpretado por Itsaso Arana hasta que termina la fiesta en la que bailan Arana y Francesco Carril, los dos protagonistas. El otro momento álgido de la película es toda la secuencia en la que Carril vuelve a casa, hasta que empieza el innecesario flashback que rompe del todo el ritmo de la cinta. A la película de Jonás Trueba le reconozco también la virtud de ser, hasta ahora, la única película de la Sección Oficial sin un trasfondo violento o turbio. Por estos motivos, la cinta no se convierte en un mayor desastre.

Es, con diferencia, la peor propuesta española en una Sección Oficial que nos ha dejado un muy buen sabor de nuestro cine con las antes mencionadas películas de Alberto Rodríguez y Juan Antonio Bayona, o con la hilarante Manda huevos de Diego Galán. La cinta de Jonás Trueba, en cambio, navega entre aquellas propuestas menores de las películas a concurso, y que pueden darse con un canto en los dientes (aquí va el aporte violento para que la película no desentone del todo) por estar seleccionadas en la categoría más importante del Festival de San Sebstián.

EL INVIERNO

Título original: El invierno

Director: Emiliano Torres

Duración: 93 minutos

Reparto: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrián Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal, Eva Jarriau, Raphaël Turrents, Rodrigo Iturralde, Ramiro Arlandi, Omar Baigorria, Perro El Diablo, Nazareno Ramírez, Sebastián Ferrari Ivovich, Pedro Pablo Burgos y Ana Laura Hernández

País: Argentina

Género: Drama

Sinopsis: Evans, el viejo capataz de una estancia patagónica, recibe a un grupo de trabajadores que llega para la temporada de esquila. Cada año es igual, lo único que cambia son los rostros de los hombres, pero esta vez al final de la esquila, Evans es despedido de la estancia y reemplazado en su puesto por Jara, un joven peón llegado del norte. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. Cada uno a su manera deberá sobrevivir al siguiente invierno.

Uno de estos pasados días comentaba que la programación del Festival de San Sebastián tiene días muy buenos y días para olvidar, pues bien, el penúltimo día es para olvidar. A la aburrida ‘La reconquista’ se suma la todavía más tediosa ‘El invierno’. La cinta argentina es lenta como ninguna, con muy pocos diálogos y ningún interés posible del espectador hacia la película.

Los personajes no interesan, y en un película que se supone dramática, donde los personajes ven perdida su posición social, su trabajo y su modo de vida la identificación y el interés deben ser elementos fundamentales. Aquí no hay nada de eso, al contrario, la indiferencia es tal que al espectador le importa muy poco echarse una cabezada durante su proyección.

Al salir del pase del Kursaal de las 16:00 he tratado de encontrar una similitud de esta película con algo. Pues he aquí la similitud, es como el Tour de Francia para los espectadores de la tele. ‘El invierno’ es algo que cualquier cinéfilo se pondría a ver un día donde haya descansado poco y necesite algún ruido de fondo mientras echa la siesta.

Su único punto a favor es la fotografía, espectacular el paisaje de la Patagonia. Para ver algo interesante este año la Sección Oficial ha reservado mejores platos.

YOUR NAME

Título original: Kimi No Na Wa

Director: Makoto Shinkai

Duración: 105 minutos

País: Japón

Género: Animación / Drama / Ciencia ficción

Sinopsis: Taki despierta de lo que parece haber sido un sueño muy importante. Pero en una habitación desconocida y no en su cuerpo… sino en el de una chica. Por otro lado, Mitsuha es una adolescente aburrida de vivir en un pueblo en las montañas, que ruega a Dios poder ser un apuesto chico de Tokio en su próxima vida. A la mañana siguiente, Mitsuha despierta convertida en un estudiante de bachillerato. Gracias a la información que va recopilando a su alrededor, descubre a quién pertenece el cuerpo que está habitando. Se llama Taki. Sus cuerpos se han intercambiado. Cuando vuelven a despertar, descubren que han regresado a su yo anterior. Pero el sueño trae consigo el intercambio de cuerpos una y otra vez. Misteriosamente, se repite el mismo patrón todos los días. Los dos actúan dando palos de ciego en esos cuerpos que les resultan tan poco familiares, pero comienzan a dejarse notas para comunicarse. Torpemente, consiguen ir superando un reto tras otro y se va creando entre ellos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más. Sin embargo, hay algo que todavía no saben… Algo inesperado está a punto de ser revelado.

En la pasada edición del Zinemaldia debutó una cinta de animación entre las propuestas de la Sección Oficial. Aquel ‘El niño y la bestia‘, me cautivó, convirtiéndose en mi cinta favorita de las que compitieron en la 63 edición del Festival de San Sebastián. Este año recibí con alegría la proyección de ‘Your Name’ dentro de la misma sección, aunque fuera de concurso.

La película japonesa es el único punto positivo de un día que se ha tornado triste en cuanto a nivel cinematográfico. La película de Makoto Shinkai es luz, sobre todo en su primera hora. Una propuesta viva, alegre, intensa y emocional. Consigue estar al nivel, e incluso superar, a muchas de las películas de carne y hueso que hemos podido ver estos días.

Tal vez peque de repetir en exceso los momentos musicales. En verdad, dichos momentos sobran bastante, podríamos haber terminado la película 20 minutos antes. Pero todo ello no es óbice para que haya recibido uno de los mayores aplausos por parte de la prensa acreditada. Un sonoro aplauso de un público entregado que ha recibido con los brazos abiertos la segunda apuesta de Rebordinos por la animación.

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Días de Festival 6: ‘Un monstruo viene a verme’, ‘Snowden’, ‘Jesús’ y ‘I, Daniel Blake’
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Asier Manrique | 21-09-2016 | 21:08| 0

El sexto día del Festival de San Sebastián deja la curiosa paradoja de presentar la mejor y la peor películas de la Sección Oficial. Juan Antonio Bayona ha conseguido emocionar a todo el Kursaal con su mágino ‘Un monstruo viene a verme’, pero la chilena ‘Jesús’ ha fracasado en su pase en el Zinemaldia. En este día también se han presentado ‘Snowden’ y se ha recibido con grandes aplausos a una de las cintas británicas del año, ‘I, Daniel Blake’.

UN MONSTRUO VIENE A VERME (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: A Monster Calls

Director: Juan Antonio Bayona

Duración: 108 minutos

Reparto: Sigourney Weaver, Felicity Jones, Lewis MacDougall, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal y Max Gabbay

País: España

Género: Fantástico / Drama

Sinopsis: Conor sólo tiene trece años, pero sabe perfectamente qué va a pasar poco después de la medianoche. Va a tener la misma pesadilla otra vez, esa “pesadilla llena de oscuridad, de viento y de gritos”. Ha sido así desde que su madre cayó enferma. Aunque esa noche parece diferente. Conor escucha una voz que le llama desde el jardín. Frente a la casa hay una antigua iglesia, con su cementerio… y un viejo árbol, un tejo que se ha transformado en un monstruo ante los ojos de Conor. De la mano de esa criatura, Conor emprende noche tras noche una nueva aventura para huir de sus propios miedos… hasta que reúna el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla, a su propia historia: la verdad.

Me pasaré en la nota, tal vez, pero Juan Antonio Bayona (Lo imposible) ha conseguido que me emocione como hacía tiempo que no me emocionaba en una sala de cine. Su historia, toda una fábula, viaja a través de un niño en su proceso de aceptación de la enfermedad de su madre y la tensa relación que vive con su abuela.

Bayona está hábil manejando el ritmo y el lenguaje del filme. Consigue que el espectador empatice desde el minuto 1 con la historia. Mediante una serie de 4 historias relatadas por Liam Neeson, en el papel de monstruo, el joven Conor, Lewis MacDougall, va madurando hasta entender cómo funciona el mundo. Se enfrentará al bullying, a la enfermedad de su madre, a la difícil relación con su abuela y padre y a todos sus fantasmas interiores.

Con una bellísima forma de narrar las historia, Bayona nos sumerge en un lienzo pintado con buen hacer y gran maestría. Un trabajo que denota la madurez en la que se encuentra este cineasta, uno de los grandes nombres de nuestra industria.

Sigourney Weaver y Felicity Jones están en forma. Pero si hay alguien que despunta es el niño, Lewis MacDougall, todo un descubrimiento. MacDougall consigue robar el corazón a todos con una interpretación desgarradora, llegando a eclipsar a los pesos pesados de los que se rodea.

Gracias Bayona por emocionarme como hacía mucho que no me emocionaba. Ayuda, también oír a todo el Kursaal, abarrotado a primera hora, moquear de la emoción. En Toronto ha sido ovacionada, en San Sebastián la acogida ha sido más floja, ya sabemos cómo somos con los artistas patrios, ni caso, ‘Un Monstruo Viene a Verme‘ es la gran película española del año.

SNOWDEN (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: Snowden

Director: Oliver Stone

Duración: 132 minutos

Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olyphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymes Butler y Ben Schnetzer

País: Estados Unidos

Género: Thriller / Drama

Sinopsis: Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro, renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida y a su patria. ¿Qué le llevo a perpetrar el mayor caso de divulgación de documentos clasificados de la historia?

Hay personajes que de partida ofrecen una historia e interés adicional a una película. Negar la importancia de Snowden en la historia reciente y su magnetismo como personaje de película es estar muy ciego. Tampoco se puede negar la fascinación y admiración que Oliver Stone tiene hacia el personaje. Pero en ‘Snowden’ falla algo.

Estamos ante una película que tendría que ser apoteósica, potente, impactante y desgarradora. Estamos ante uno de los mayores escándalos de la historia reciente de la humanidad. ‘Snowden’ simboliza la lucha contra aquello que se nos oculta. Pero la película fracasa en introducirnos en ese mundo y generarnos interés.

Se trata de una película correcta, sin más. El personaje principal podría dar para una serie de numerosos capítulos, pero en poco más de 2 horas Stone no consigue exprimirlo hasta sacar de él todo el jugo. No interesa lo más mínimo, y la actuación de Joseph Gordon-Levitt termina siendo plana, como la del resto del reparto.

Es la historia que se repite una y otra vez, punto de partida de gran potencial y expectativas tiradas a la basura por no saber sacarle el suficiente rendimiento. ‘Snowden’ está en Donostia a modo de película fuera de concurso, pero si compitiera podría olvidarse de llevarse premios. Si les interesa la historia adelante, véanla, pero en caso contrario tampoco se pierden una obra maestra.

JESÚS

Título original: Jesús

Director: Fernando Guzzoni

Duración: 87 minutos

Reparto: Nicolás Durán y Alejandro Goïc

País: Chile

Género: Drama

Sinopsis: Santiago, Chile. Jesús, de 18 años, vive con su padre Héctor en un apartamento donde la televisión compensa su incapacidad para comunicarse. El resto del tiempo baila en un grupo de K-pop, sale con sus amigos y toma drogas, mira clips cutres y practica sexo en lugares públicos, buscando emociones fuertes. Una noche, las encuentra con sus amigos, cuando se ve envuelto en un incidente irreversible. Este acontecimiento unirá más que nunca a Jesús y a Héctor, pero también los separará para siempre.

Defiendo la violencia en el cine cuando tiene razón de ser. He defendido películas como ‘Funny Games‘ o ‘Playground‘ porque tras ellos hay un motivo, una razón de ser. En ‘Jesús‘ la violencia es totalmente gratuita e innecesaria. No voy a entrar en si es porno o no, es explícita cuanto menos. ¿Tiene necesidad el director de mostrar esas escenas de sexo donde no se deja nada a la imaginación? Pienso que no.

Los recursos empleados en una película deben añadir. Deben ser recursos empleados para dotar de carga dramática a las cintas. Deben ser empleadas para provocar en el público un sentimiento relativo a la historia. Aquí no hay nada de eso.

Entonces ¿qué nos queda de ‘Jesus‘ que merezca la pena? Pues realmente nada. Es un filme que podría resumirse en un corto. Es una película que no aporta absolutamente nada novedoso, ni reinventa nada.

La Sección Oficial suma en el mismo día la mejor y la peor películas de su oferta, curioso. No partía con muchas opciones de destacar la cinta chilena, este miércoles es uno de esos días potentes en el Zinemaldia, pero si tampoco pone de su parte el resultado es nefasto.

I, DANIEL BLAKE (Perlas)

Título original: I, Daniel Blake

Director: Ken Loach

Duración: 100 minutos

Reparto: Hayley Squires, Natalie Ann Jamieson, Dave Johns, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann, Rob Kirtley

País: Reino Unido

Género: Drama

Sinopsis: Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardíacos, Daniel Blake, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En el transcurso de sus citas en el centro de trabajo, Daniel se cruza con Katie, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 kilómetros de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida. Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

El cine británico tiene la enorme capacidad de tratar con exquisito sentido del respeto casos tan duros como el que relata este filme de Ken Loach. La cinta, encuadrada dentro de la sección Perlas, es una denuncia social a la situación de exclusión y absurdo de la burocracia en cuanto a temas de paro y subsidios.

Entremezcla perfectamente el sutil humor británico con el drama más encarnizado creando una cinta sencilla de consumir y dura de asimilar. Aunque para estas cosas el Festival de San Sebastián 2016 nos tiene serviditos. Una más de las muestras del cine social y de denuncia que abarrotan el Zinemaldia en su 64 edición. Rebordimos y su equipo han querido hacernos reflexionar, y lo han conseguido.

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Días de Festival 5: ‘As You Are’, ‘Playground’ y ‘Colossal’
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Asier Manrique | 20-09-2016 | 17:00| 0

 

La programación del Festival de Cine de San Sebastián tiene la peculiaridad de condensar en días concretos películas de temáticas similares. Hay días que resultan indiferentes, otros son un soplo de aire fresco y hay días en los que algo se mueve en tu interior y te hace sentir tremendamente incómodo. El quinto día tiene la virtud de no dejarte indiferente y mover tu conciencia. La violencia en manos de los niños y el bullying es el tema detrás de la polaca ‘Playground’. Desde Canadá, Nacho Vigalondo trae una reivindicación feminista entre monstruos y robots llamada ‘Colossal’. Finalmente, el cine indie americano presenta un relato de adolescentes de la generación X, ‘As You Are’.

AS YOU ARE

Título original: As You Are

Director: Miles Joris-Peyrafitte

Duración: 105 minutos

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo y Billy Thomas Myott

País: Estados Unidos

Género: Drama

Sinopsis: Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

Dije el pasado domingo que la gente tardó en aplaudir ‘Nocturama‘ puesto que estaban todavía en shock por lo mostrado por Bertrand Bonello. En esta ocasión debo admitir que el que se ha quedado tocado he sido yo.

Por alguna extraña razón hay películas que te dan en la tecla correcta y corroen por dentro. Hay películas que aunque no te toquen por una vivencia personal consiguen rebuscar dentro de ti y buscar las cosquillas. ‘As You Are‘ es una de esas películas, al menos en mi caso.

La cinta narra las idas y venidas de dos adolescentes de principios de los 90 que se hacen inseparables cuando sus padres inician una relación. La unión pronto la compartirán con una chica del instituto que se les une, aunque con cierta sensación de que sobra en todo el lienzo que Miles Joris-Peyrafitte dibuja.

Los chicos experimentan las drogas, la pérdida de ídolos y referentes (Kurt Cobain), el inicio de las relaciones amorosas, las armas y los padres castradores. Todo ello resume ‘As You Are‘, yo probablemente sea este su principal problema, trata de abarcar demasiado.

Pero, ante todo, es una película indie americana con una fuerte carga de denuncia social. Si ya hemos tocado el tema de la mujer, el del terrorismo, el de las minusvalías y el de las relaciones padre-hijo cuando éstos se hacen mayores, aquí tachamos el resto de la lista de un plumazo. Se aborda la política de armas, el acceso a las armas y a las drogas por menores, la dureza del trato padre-hijo, el despertar sexual, la homosexualidad y hasta un pequeño conato de travestismo.

Todo ello, aunque hay quien piensa lo contrario, encaja a la perfección en una Sección Oficial que se ha empeñado este año en ser una reivindicación social constante. El problema que ‘As You Are‘ tendrá es que hay mejores propuestas en la Sección Oficial, también peores, por lo que su canto de “socorro” quedará empañado por propuestas más redondas.

PLAYGROUND

Título original: Plac Zabaw

Director: Barstoz M. Kowalski

Duración: 82 minutos

Reparto: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda y Przemek Balinski

País: Polonia

Género: Drama

Sinopsis: Último día de colegio en una pequeña ciudad polaca. Es la última oportunidad para Gabrysia, de 12 años, de declararse a un compañero de clase. Gabrysia organiza una cita secreta y chantajea al objeto de su amor para que se presente. Pero lo que se esperaba que fuera una charla íntima se descontrola y conduce a un final inesperado. La película, más allá de plantear una pregunta obvia —¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?—, cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta.

El cine te traslada a mundos de todo tipo. El cine tiene el poder de transmitir todo tipo de sensaciones al espectador. Unas imágenes en movimiento y el sonido son capaces de convertir una sala de cine en todo un deleite o una experiencia traumática. El trauma, podría venir desde algo malo o desde algo bueno, pero hecho con toda la intención de incomodar al espectador. Esto es lo que le pasa a ‘Playground’.

Seré el raro que le de una oportunidad a la película de Brastoz M. Kowalski, ya que el comentario generalizado en San Sebastián es de repulsa absoluta hacia ella. Pero tengo que opinar que se confunden la repulsa hacia la historia que la película narra con el sentimiento hacia la película. Comparto la repulsa hacia el contenido del filme, no hacia el filme.

‘Playground’ es una película tremendamente incómoda, deliberadamente incómoda diría para ser más preciso. Su objetivo no es otro que ser una bala en el estómago de los espectadores, que asisten a un espectáculo horripilante de violencia que tiene como protagonistas a niños. Y aquí está el principal acierto de la cinta de Kowalski, ya que todo lo que hagan los niños se magnifica. El cineasta polaco es capaz de jugar con la hipocresía del espectador, que no condena de forma tan descarada este comportamiento cuando lo cometen adultos.

Hoy el Kursaal se ha ido vaciando a pasos agigantados en los últimos 10 minutos de película, probablemnte los más polémicos y con los que se quedarán los espectadores. Un eterno, eternísimo, plano secuencia de los dos protagonistas masculinos al lado de una vía de tren, y un niño pequeño. No pienso desvelar nada de lo que hacen, pero entiendo perfectamente la sensación de incomodidad de los espectadores que han decidido marcharse. También los que nos hemos quedado, algunos tenemos la “extraña manía” de ver una película de principio a final para poder juzgarla, nos hemos sentido así y nos hemos dejado de sentir cómodos en nuestra butaca.

‘Playground’ es un polémico filme que levanta ampollas, dispara directo al espectador y lo deja perturbado. Solo el buen cine consigue dejar poso en el espectador, y si ‘Playground’ le ha provocado admiración, desprecio, repulsa u odio estamos hablando de una gran película. En cambio, si les ha dejado indiferenteslo que falla es la película, y su humanidad, porque no hay humano que pueda resistir semejantes actos sin sentir nada.

El quinto día lo ha dejado potente el señor José Luis Rebordinos, al que tengo que aplaudir por atreverse, una vez más, a meter en Sección Oficial películas de todo tipo, que pueden gustar a unos y espantar a otros. Un festival de cine como este es grande porque no teme mostrar cine, sea del tipo que sea, y más si es para mover algo en el espectador. Rebordinos y su equipo han demostrado esta edición no tener miedo a nada, programando Nocturama, vetada en Cannes, y esta ‘Playground’, probablemente las cintas más polémicas en la Sección Oficial.

Para finalizar voy a plantear una pregunta, ¿vetaría alguien una película de Haneke (Funny Games), del que claramente bebe esta cinta polaca, en un festival de cine por ser tremendamente incómoda y violenta? La respuesta es evidente, NO. ¿Entonces por qué hay quienes se plantean el veto a ‘Playground’?

COLOSSAL (Sección Oficial – Fuera de concurso)

Título original: Colossal

Director: Nacho Vigalondo

Duración: 110 minutos

Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Agam Darshi, Hannah Cheramy y Christine Lee

País: Canadá

Género: Ciencia ficción / Thriller / Comedia

Sinopsis: Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

La propuesta más gamberra de lo que llevamos de Zinemaldia llega de manos de Nacho Vigalondo. Comedia, drama y ciencia ficción se unen en un relato que es, ante todo, un canto a la libertad de la mujer. Una película feminista que lucha contra eso que Alberto Garzón denominó como “heteropatriarcado”

Protagonizada por Anne Hathaway (Interstellar) y Jason Sudeikis (Somos Los Miller), ‘Colossal‘ es la propuesta más comercial de lo que llevamos de Sección Oficial. Tal vez haya quien no quiera verla por ser una película de ciencia ficción, pero merece mucho la pena. Vigalondo nos relata una de las historias más interesantes de este Festival de San Sebastián. Todo ello apoyando en la gran actuación de Hathaway.

La historia sigue al personaje de Anne, que muestra una extraña conexión con un monstruo que destruye Seul. Su vida se cruzará con un antiguo compañero de escuela, que servirá de apoyo a Hathaway en un momento donde se ha visto abandonada por su novio por su comportamiento fiestero.

Entre copas, idas y venidas y regalos en forma de sofás y televisores, Sudeikis va entrando en la vida de Hathaway. Pero el conflicto estalla por parte del ex, un hombre incapaz de entender el comportamiento de su chica, y el nuevo chico, que de ninguna forma acepta que ella pueda no elegirle y se haya quedado con uno de sus amigos.

Hathaway no se quedará parada y tomará el toro por los cuernos. Ella refleja el empoderamiento de la mujer, mientras que su antiguo compañero de clase el tipo de hombre que sobra en la sociedad. Como he comentado, un canto al feminismo que no se anda con chiquitas, atención al final de la cinta.

No compite por premios, tampoco se los iba a llevar. Pero así y todo,es uno de los mejores aportes que nos deja la Sección Oficial de este 64º Festival de San Sebastián.

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Días de Festival 4: ‘Que Dios nos perdone’, ‘Lady MacBeth’, ‘Compte Tes Blessures’ y ‘Porto’
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Asier Manrique | 19-09-2016 | 18:00| 0

Tras un día bastante redondo, llegamos a uno de los días más agridulces de lo que llevamos de Zinemaldia. Mi planning me ha permitido probar dos píldoras de la sección Nuevos Directores, que se unen a las dos propuestas de la Sección Oficial que he añadido a la lista de vistas. El lado de las sombras llega de la sección de Nuevos Directores, la francesa ‘Compte Tes Blessures’ y la última de Anton Yelchin, digo, ‘Porto’, son dos películas que no pasarán a la historia del cine, ni del Festival de San Sebastián. En cuanto a la Sección Oficial añadimos dos películas más a las serias candidatas a premios, la británica ‘Lady MacBeth’ y la española ‘Que Dios nos perdone’.

QUE DIOS NOS PERDONE

Título original: Que Dios nos perdone

Director: Rodrigo Sorogoyen

Duración: 126 minutos

Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Mónica López, Luis Zahera, Rocío Muñoz-Cobo y José Luis García Pérez

País: España

Género: Thriller

Sinopsis: Madrid, verano de 2011. Crisis económica, movimiento 15-M y un millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores Velarde y Alfaro deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie. Esta caza contra reloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

Le sale competencia a ‘El hombre de las mil caras‘ entre las propuestas nacionales en la Sección Oficial. La película de Rodrigo Sorogoyen es una propuesta más cuidada y empacada que la de Alberto Rodríguez. Un thriller que interesa desde el minuto 1 y que no baja en su ritmo en sus 126 minutos de metraje.

Las más de dos horas de película no dejan de ser típicas en el cine policíaco. Podría ser perfectamente un capítulo extendido de una serie procedimental de policías. Y, ya se sabe, no por típica, o arquetípica, deja una cinta de interesar.

El trabajo actoral es encomiable. Antonio De la Torre (La isla mínima) está magnético, pero es su compañero, Roberto Álamo es el que consigue llevarse la mayoría de miradas de los espectadores. Álamo oposita fuerte para llevarse aquí el premio al mejor actor, sin perderle de vista para los Goya. Un reparto ensamblado y en forma para construir una de las películas más previsibles, pero más interesantes, de lo que llevamos de Sección Oficial.

LADY MACBETH

Título original: Lady MacBeth

Director: William Oldroyd

Duración: 89 minutos

Reparto: Florence Pugh, Cosmo Jarvis, Paul Hilton, Naomi Ackie y Christopher Fairbank

País: Reino Unido

Género: Drama

Sinopsis: La Inglaterra rural de 1865. Katherine vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá conseguir lo que desea.

¡Olé tus ovarios! Admito que ‘Lady MacBeth‘ era una película que me daba cierta pereza, está en Sección Oficial y tocaba comentarla, como todas las demás de esta sección. Pero es de estas películas que una vez las ves te enamoran.

La película de William Oldroy es una de esas cintas de ritmo pausado que no decaen en ningún momento. La historia de Katherine es bella, oscura y apasionante. Es tal la belleza de la obra que las atrocidades que el personaje interpretado por Florence Pugh comete se vuelven más tremendas si cabe.

Pugh deja para el Zinemaldia la mejor interpretación femenina hasta el momento, superando a Siedse Babett Knudsen en ‘La doctora de Brest‘. Su actuación es de quitar el hipo. Un retrato frío y calculador de una señora que hace todo lo que sea necesario para poder vivir tal y como le dé la gana.

Si bien sus actos son deleznables, deja un sabor tan intenso a reivindicación de la mujer como un ser humano libre y capaz de vivir sin el yugo de su marido que te lleva a un indudable aplauso. Es la película con mensaje feminista más intenso de lo que llevamos de Zinemaldia en la Sección Oficial, sin caer en el retrato burdo de la mujer de ‘Orpheline‘.

 

 

COMPTE TES BLESSURES (Nuevos Directores)

Título original: Compte Tes Blessures / A Taste Of Ink

Director: Morgan Simon

Duración: 80 minutos

Reparto: Kevin Azaïs, Monia Chokri, Nathan Willcocks, Julien Krug, Selim Aymard y Cedric Laban

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Vincent no ha vivido ni un tercio de su vida, pero ya se ha tatuado la mitad de su cuerpo y ha enronquecido su voz con su banda post-hardcore. Desde que murió su madre, divide su tiempo entre su trabajo haciendo piercings, con el que no es feliz, y su padre pescadero, que está intentando empezar una nueva vida con una mujer más joven. Y eso le está volviendo loco.

La gran cantidad de cine francés que estoy viendo estos días me permite poder comparar entre filmes realmente atrevidos e interesantes como ‘Nocturama‘ o ‘El porvenir‘ y propuestas prescindibles como ‘Orpheline‘. ‘Compte Tes Blessures‘ entra en este segundo grupo.

La primera de las dos películas de Nuevos Directores que puedo ver en este Festival de San Sebastián, por cuestiones de agenda la Sección Oficial lleva prioridad, ha sido una decepción. Aunque siendo sincero, tampoco venía con muchas esperanzas de maravillarme, y, desgraciadamente, el resultado es totalmente inverso al de ‘Lady MacBeth‘. La película se deja ver, pero no deja poso alguno.

La cinta habla de un chico que canta heavy metal, no sé distinguir entre las miles de variantes que tiene el rock duro, lo siento puristas, y que se tatúa su cuerpo casi compulsivamente. Al mismo tiempo se escenifica una lucha padre-hijo donde habrá una mujer en discordia, la actual pareja del padre. En el escenario de reproches que el padre somete al hijo entrará ella, desencadenando todavía más el conflicto entre el hijo y el padre.

Film breve, se agradece, pero que no cuenta nada en sus 80 minutos. Hay miles de películas iguales, con argumentos similares y con mejor resultado.

PORTO (Nuevos directores)

Título original: Porto

Director: Gabe Klinger

Duración: 75 minutos

Reparto: Lucie Lucas, Anton Yelchin, Chantal Akerman, Florie Auclerc-Vialens, Françoise Lebrun, Aude Pépin, Paulo Calatré, Filomena Gigante, Diana de Sousa y Rita Pinheiro

País: Portugal

Género: Drama / Romántico

Sinopsis: Jake y Mati son dos extraños en la ciudad portuguesa de Porto que una vez tuvieron una breve conexión. El misterio en torno a los momentos que compartieron permanece, y en la búsqueda a través de sus recuerdos, reviven las profundidades de una noche sin inhibiciones.

Si ya me resultaba hasta ofensivo que el único argumento empleado para promocionar ‘Port0′ fuese que es la última película de Anton Yelchin (Star Trek), más ofensivo me parece que verdaderamente no haya otro argumento posible para llamar la atención sobre la cinta de Gabe Klinger. Al final será verdad eso de que venden lo que hay, con esta película ocurre eso, al menos.

La cinta, enmarcada en la categoría de Nuevos Directores, es un coñazo de dimensiones enormes. He tenido varios amagos de echarme la siesta durante su proyección, porque la hora invitaba más a ello que a aguantar semejante tostón. Para no quedarme dormido he tenido una pregunta rondando mi cabeza durante casi toda la película, ¿a quién se parece Anton Yelchin? La respuesta me ha llegado cuando quedaban 15 minutos para terminar, a Paul Bettany (Vengadores. La era de Ultrón), en esta película son clavados.

La historia no interesa absolutamente nada. Los personajes y el guion no consiguen meter al espectador en la trama. Ves lo que les pasa y te importa un bledo. Podrían robarles una de las cajas con libros que suben del coche al piso en una secuencia del filme y seguiría sin importarte lo más mínimo.

Pero es que en este escenario de sinsentidos Klinger trata de ponerse interesante empleando distintos aspectos de imagen, ya saben, eso de la pantalla cuadrada y ancha. De nuevo, como me ocurría con la china I Am Not Madame Bovary, no entiendo el uso de este recurso. Incluso, en la china podría llegar a entender la diferencia de los distintos aspectos según el estado de ánimo, momento y lugar. Aquí pierde todo el sentido, porque las escenas a futuro se narran con la pantalla en formato cuadrado, y las del presente, o pasado, en pantalla panorámica. Una tontería pretenciosa que trata de hacer de la película algo más interesante y no lo consigue. Deberían aprender de Xavier Dolan (Yo maté a mi madre), él sí entiende cómo hay que utilizar este recurso dentro de una película.

La puntuación únicamente es porque la película va dedicada a Anton Yelchin, el momento de pantalla en negro con la frase “To Anton” es lo mejor de la película, imagínate. Y también porque, aunque sea un pestiño tremendo, no te mienten al promocionarla, en ningún momento te venden la propia peli, sino que es la última del recientemente fallecido Anton Yelchin.

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Días de Festival 3: ‘Nocturama’, ‘The Giant’, ‘On The Milky Road’ y ‘El porvenir’
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Asier Manrique | 18-09-2016 | 17:56| 0

Tercera jornada del Festival de Cine de San Sebastian 2016. La Sección Oficial sigue mostrando sus candidatas a llevarse los principales premios. En este tercer día hemos podido ver ‘Nocturama’, una película francesa sobre el terrorismo y los millennials, y desde Suecia llega ‘The Giant’, una propuesta que pretende remover conciencias sobre el trato recibido por personas con algún tipo de minusvalía mezclando fantasía y realidad. El 18 de septiembre ha dado para mucho, tanto como para poder ver dos de las propuestas de la sección Perlas, que muestra lo mejor que ha pasado por otros festivales de cine y que aquí opta al premio del público. Perlas ha regalado en el día de hoy cintas como ‘On The Milky Road’,  tragicomedia ambientada en la guerra de los Balcanes, y ‘El porvenir’, cinta francesa que aboga por la reinvención de la mujer.

NOCTURAMA

Título original: Nocturama

Director: Bertrand Bonello

Duración: 130 minutos

Reparto: Vincent Rottiers, Finnegan Oldfield, Jamil McCraven, Hamza Meziani, Manal Issa, Laure Valentinelli, Adèle Haenel, Luis Rego y Hermine Karagheuz

País: Francia

Género: Thriller

Sinopsis: Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza…

Bertrand Bonello plantea una curiosa reflexión sobre el terrorismo y los millennials en una película a caballo entre el cine de festivales y comercial. Con imágenes potentes, puede ser la esperanza de los espectadores menos cercanos al cine comercial dentro de la Sección Oficial.

La cinta comienza con media hora de silencio de los protagonistas deambulando por París. Aunque se vislumbra lo que va a ocurrir, consigue llegar a sorprender por su intensidad narrativa. También juega a su favor el hecho de tener muy próximos los atentados recientes en Francia.

El trabajo actoral, si bien sencillo, es bueno, algo complicado de encontrar en una película protagonizada por adolescentes. Son estos adolescentes los que plantean el principal dilema de la cinta, ¿hay algún motivo para hacer lo que hacen o es simplemente reivindicarse como individuo de la peor de las formas? Además de ser ellos, sus personajes, el principal azote para la sociedad francesa y occidental. Bonello plantea la cuestión de que el terrorista puede ser cualquiera desde el chico árabe a un niño bien con corbata y aspiraciones a político. Todo un tortazo que Bonello da a los espectadores.

La película se divide en dos mitades: preparación de los atentados y grandes almacenes. La primera mitad es enigmática y mete al espectador en una duda constante sobre lo que está viendo. La segunda mitad sorprende más a pesar de ser más típica. El uso de la música y la deriva de los personajes son su gran fuerte.

Película muy disfrutable que divide al público entre los que se sienten fascinados y los que no han reaccionado al tortazo que Bonello plantea. El Victoria Eugenia tardado en arrancar en aplausos, igual que ocurría con ‘High-Rise‘ en la pasada edición.Gran película con opciones a los premios.

THE GIANT

Título original: Jätten

Director: Johannes Nyholm

Duración: 90 minutos

Reparto: Christian Andrén, Johan Kylén, Anna Bjelkerud, Linda Faith, Niclas Fransson, Moa Malan, Stina Elinderson, Martin Högdahl, Stig Rehncrona, Daniel Presuttis, Bengt Carlsson, Tobias Åkesson, Pia Edlund, Lasse Dithmar, Lars Refn y Archana Khanna

País: Suecia

Género: Drama

Sinopsis: Rikard es un autista con deformidades graves que fue separado de su madre al nacer. Treinta años despues, está convencido de que su madre volverá con él si gana el campeonato de petanca de Escandinavia. Su frágil físico y un entorno hostil y criticón no van a conseguir pararlo. Además, cuenta con la ayuda de un gigante de 60 metros…

El cine sueco tiene su presencia en la Sección Oficial de la mano de ‘The Giant’ de Johannes Nyholm. Se trata de una propuesta alegórica, a caballo entre la fantasía y la realidad.

Rikard y su madre parecen conectados por un gigante con la forma de él. Poco a poco, sus vidas e historias se van entrelazando con el gigante como nexo de unión. Rikard, un máquina de la petanca, busca su lugar en el mundo expresándose a través de este deporte, mientras su madre vive aislada, víctima de la psicosis que padece.

La cinta sueca navega entre la denuncia social por el trato que reciben las personas con algún tipo de minusvalía o enfermedad y el espíritu de superación evocando en esa figura del gigante de los sueños de Rikard. La película consigue emocionar en algunos pasajes, pero se trata de una emoción más bien contenida. Falta explotar mejor este factor.

Buena película, que sumada a ‘Nocturama‘ nos deja, de momento, el mejor día en cuanto a la Sección Oficial. Dos grandes candidatas a llevarse sendos premios o en convertirse en placeres culpables de crítica y público.

ON THE MILKY ROAD (Perlas)

Título original: Na Mlijecnom Putu

Director: Emir Kusturica

Duración: 125 minutos

Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan y Maria Darkina

País: Serbia

Género: Drama / Comedia

Sinopsis: Primavera en tiempo de guerra. Cada día un lechero cruza el frente en un burro, esquivando balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Tocado por la buena fortuna en su cometido y amado por una bella lugareña, un apacible futuro parece aguardarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana pone su vida patas arriba. Así comienza una historia de amor apasionado y prohibido que sumergirá a ambos en una serie de fantásticas y peligrosas aventuras. El destino les ha alcanzado y nada ni nadie parece capaz de detenerles…

Película de mitades. Se puede dividir en una primera parte donde vemos más la parte de la guerra y cómo se van fraguando las relaciones entre los personajes. Todo ello plagado de buena música, la antigua Yugoslavia es una delicia para los melómanos, y de una fotografía que quita el hipo, los bellísimos paisajes de los Balcanes se prestan a la labor.

En cambio, la película torna en una segunda mitad espesa, aburrida y lenta donde se repite todo en bucle una y otra vez. Es la huída constante hacia la libertad sin renunciar al amor. Película que navega entre lo irónico y absurdo y donde tanta fantasía termina por hacerse realmente pesada.

No consigue despertar el suficiente interés, y el que despierta se lo carga en esa segunda mitad tediosa. Una película de mitades que, por esto mismo, se lleva la mitad de puntos posibles.

EL PORVENIR (Perlas)

Título original: L’avenir / Things To Come

Director: Mia Hansen-Løve

Duración: 102 minutos

Reparto: Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon y Marion Ploquin

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, antiguos alumnos y su madre, una mujer muy posesiva. Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Nathalie se verá obligada a llevar a la práctica sus teorías sobre la libertad y reinventar su vida.

Nuevo ejemplo de cine francés en el Festival de Cine de San Sebastián, y van unos cuantos. La cinta de Mia Hansen-Løve es una película sobre aprender a afrontar la soledad. Saber envejecer y reinventarse para estar al día son las principales pretensiones de la película gala mostrada en la sección Perlas del Zinemaldia.

Mezclando con acierto la potente carga dramática con pequeños momentos de humor, ‘El porvenir’ es una cinta recomendable, pausada y amena sobre una mujer que, de la noche a la mañana, ve su vida cambiada por completo. La infidelidad de su marido, su devoción por el trabajo y la literatura, la marcha de sus hijos de casa… son algunos de los aspectos vitales que tendrá que afrontar el personaje de Isabelle Huppert para poder volver a ser feliz como antes.

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Días de Festival 2: ‘El hombre de las mil caras’, ‘I Am Not Madame Bovary’, ‘The Oath’ y ‘Vivir y otras ficciones’
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Asier Manrique | 17-09-2016 | 21:10| 0

Segundo día de Zinemaldia y la lluvia sigue acompañándonos a los cinéfilos entre película y película. En esta segunda jornada hemos podido ver 4 películas de la Sección Oficial muy diferentes, pero cargadas todas ellas de una crítica política y social considerable. Desde las corruptelas de ‘El hombre de las mil caras’ al papel de los padres en la educación de sus hijos en ‘The Oath’, pasando por el drama del divorcio en clave de poesía oriental en ‘I Am Not Madame Bovary’ y la búsqueda de felicidad en ‘Vivir y otras ficciones’. Todas ellas mejoran el nivel medio mostrado en el primer día y nos dejan con ganas de más cine.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Título original: El hombre de las mil caras

Director: Alberto Rodríguez

Duración: 123 minutos

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura y Emilio Gutiérrez Caba

País: España

Género: Thriller

Sinopsis: El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

La película de Alberto Rodríguez (La isla mínima) ha llegado a San Sebastián con mucho predicamento. En general el público ha recibido bien a la película con sendas ovaciones en sus dos pases en el día de hoy. La película se presta al interés del público, aunque cae en vaguedades y errores que lastran el resultado final.

Rodríguez da el paso de contar una de las historias más tremendas que España vivió a mediados de los años 90. La gota que terminó por colmar el vaso del Gobierno de Felipe González fue el caso de Luis Roldán, aquí detallado. La película se atreve a meter ciertos personajes públicos como Juan Alberto Belloch, entonces superministro de Justicia e Interior y, posteriormente, alcalde de la ciudad de Zaragoza durante 12 años. Pero termina sin implicar realmente a actores políticos de renombre que tomaran parte en las negociaciones, negociaciones que “jamás” existieron.

La indefinición política, por no querer meter la pata, tal vez, también se sufre en un indefinición generalizada entre los personajes. Tenemos los actores principales, Roldán, Paesa, Camoes, la mujer de Roldán, Belloch… pero desconocemos cómo llegan hasta ahí, por qué están ahí y qué les une entre ellos. Especialmente resaltable es la nula explicación de la relación entre Paesa y Camoes. No sabemos qué une a los personajes interpretados por Eduard Fernández (Lejos del mar) y José Coronado (El Cuerpo), cómo se llegan a conocer y qué beneficio saca, especialmente Camoes, de su relación con Paesa.

Obviando estos aspectos, nos encontramos ante un thriller disfrutable, aunque peca de largo. La primera hora fluye bien, y la segunda se divide en unos 40 minutos donde el ritmo general se ralentiza demasiado, y unos 10 minutos finales donde vuelve a remontar. Buena elección de la música, buena calidad técnica.

I AM NOT MADAME BOVARY

Título original: Wo Bu Shi Pan Jinlian

Director: Xiaogang Feng

Duración: 128 minutos

Reparto: Fan Binbing, Guo Tao, Da Peng y Zhang Jiayi

País: China

Género: Comedia

Sinopsis: Li Xuelian y su marido Qin Yuhe montan un falso divorcio para obtener un segundo apartamento. Seis meses después, Qin se vuelve a casar con otra mujer. Llena de ira, Li presenta una demanda que pierde, porque el divorcio cumplía con los procedimientos legales. Y además Qin la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Una década después, sin que el matrimonio ni su reputación se hayan restaurado, Li viaja a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo para completar su absurdo periplo de diez años por el hijo que no tuvo.

Se ha puesto de moda esto de jugar con la relación de aspecto. Xavier Dolan (Yo maté a mi madre) lo utilizó con coherencia y sentido en ‘Mommy’, pero aquí es más un recurso estético que propio del relato. Tenemos la pantalla en círculo prácticamente todo el tiempo, combinándolo con la pantalla cuadrada (1:1) en las escenas en Pekín y los últimos minutos de la cinta en la pantalla ancha a la que tan acostumbrados estamos.

La película china, firmada por Xiaogang Feng, es un ejemplo más de la cadencia y ritmo lento del cine chino. Las escenas se prolongan mucho, las transiciones son pausadas y los movimientos de cámara son lentos. No es que una película con este ritmo sea mala, no, es que el espectador occidental medio no está acostumbrado a esta manera de relatar una película.

Se puede enmarcar a ‘I Am Not Madame Bovary’ como comedia por algún que otro puntazo que tiene en sus más de dos horas de metraje. Consigue dibujar la sonrisa en el espectador y sacar alguna que otra carcajada tímida. La misma idea en manos de un realizador occidental hubiese ganado en ritmo y comicidad. Así y todo, la única propuesta china en la sección oficial supera con creces la propuesta del mismo país que el año pasado se proyecto, Back To The North, aquella sí que invitaba a echar una buena siesta.

THE OATH

Título original: Eiðurinn

Director: Baltasar Kormákur

Duración: 110 minutos

Reparto: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gísli Örn Garðarsson, Margrét Bjarnadóttir, Auður Aradóttir, Guðrún Sesselja Arnardóttir, Þorsteinn Bachmann y Ingvar Eggert Sigurðsson

País: Islandia

Género: Drama / Thriller

Sinopsis: Finnur es un cardiocirujano de éxito y tiene dos hijos. Su vida familiar empieza a complicarse cuando su hija Anna inicia una relación con un traficante de drogas muy manipulador. Como el control del novio sobre Anna y sobre toda la familia es cada vez más estrecho, Finnur se ve obligado a tomar medidas drásticas.

La dósis islandesa en el 64 Festival de San Sebastián recuerda demasiado a ‘Prisioneros’, película que también se presentó en su momento en Donostia.  Su planteamiento es su gran piedra en el camino, ya que no sorprende por ningún lado. Thriller típico y con un esquema también típico que poca novedad aporta al mundo del thriller.

En cambio su gran potencial viene de ser una película rodada en Islandia. Este país, tan de moda en televisión por ‘Juego de Tronos’ y ‘Sense8′, enamora con cada plano. La fotografía es espectacular, quita el hipo y se convierte en un personaje más de la película.

‘The Oath’ navega entre lo típico y lo previsible. Impregna todo el guion de giros altamente violentos, ilustrando el cambio de actitud del padre sobreprotector de su hija. La película de Baltasar Kormákur, director y protagonista de la cinta, plantea el complicado dilema para los padres de hasta qué punto el destino de sus hijos les pertenece. Que cada uno saque las consecuencias que quiera al verla.

VIVIR Y OTRAS FICCIONES (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Vivir y otras ficciones

Director: Jo Sol

Duración: 81 minutos

Reparto: Pepe Rovira, Antonio Centeno, Arántzazu Ruiz y Ann Perelló

País: España

Género: Drama

Sinopsis: Pepe ha salido del psiquiátrico tras cumplir condena por robar para trabajar. Su necesidad de encajar en un mundo sin sentido se convierte en una tarea desesperada. Antonio, escritor tetrapléjico, lucha por el derecho al acceso al propio cuerpo y por la sexualidad de las personas con diversidad funcional, despertando los prejuicios de su entorno más cercano. La amistad entre Antonio y Pepe interpela nuestra mirada sobre la vida y nos invita a reconocernos como anomalía.

En este día de reivindicaciones en la Sección Oficial, no podía faltar el grito de “aquí estamos, somos personas como todos los demás” de la película de Jo Sol. El filme catalán consigue meter al espectador en ese mundo de una persona tetrapléjica y un hombre que ha salido del psiquiátrico y buscan su lugar en el mundo.

La película lo que relata, básicamente, es la búsqueda de la felicidad por parte de sus protagonistas. No se trata de una búsqueda material. No intentan tener una casa más grande, ni más dinero. La búsqueda de la felicidad puede venir de algo tan cotidiano como que te hagan una paja o poder cantar una canción. Y este es el mensaje que Pepe Rovira y Antonio Centeno transmiten mejor, el de que vivir es cosa de pequeñas cosas que hacen  que nos sintamos humanos.

La cinta navega entre los momentos tragicómicos y la emoción absoluta. Especialmente intensas son las escenas donde Pepe Rovira aguanta la cámara mientras suena la música. De nuevo, también, pocos medios, pero un momento que consigue condensar con gran acierto la emoción que requiere esta historia.

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Días de Festival 1: ‘La doctora de Brest’, ‘Orpheline’ y ‘Manda huevos’
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Asier Manrique | 19-09-2016 | 17:41| 0

Había muchas ganas de volver al Festival de Cine de San Sebastián. Tras una primera experiencia en 2015 llena de grandes recuerdos no podía faltar en esta ocasión tampoco a uno de los eventos más importantes de nuestra ciudad. De nuevo me presento en el Festival de San Sebastián con ganas de repasar las películas de la Sección Oficial y alguna que otra joyita que pueda caer de Perlas y Nuevos Directores.

LA DOCTORA DE BREST

Título original: La Fille De Brest / 150 milligrams

Directora: Emmanuelle Bercot

Duración: 128 minutos

Reparto: Sidse Babett Knudsen y Benoît Magimel

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Basada en el libro Mediator 150 mg., de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

La película de apertura del 64 Festival de San Sebastián es un arranque positivo con lo mejor y lo peor del cine francés. Con cierto aire a TV movie, la cinta gala explora el complicado mundo de las farmacéuticas y la lucha que unos pocos valientes emprenden contra ellas.

Robando el protagonismo al resto del elenco, la danesa Sidse Babett Knudsen, a la que hemos visto en la serie ‘Borgen’, se hace con la película, ganando el favor del público y buscando la complicidad dentro de una trama complicada. Son, precisamente, los momentos más distendidos, en manos de Knudsen, los que hacen grande a la película.

La propia lucha contra las farmacéuticas deriva en un recorrido previsible que no despierta el suficiente interés entre el público. Absténganse de verla personas que se impresionen fácil al ver vísceras, órganos, cuerpos, sangre… ya saben.

En definitiva, una película correcta, interesante de ver y con subidas y bajadas. Lo mejor y lo peor del cine francés condensado en dos horas de película que no se hacen pesadas, pero que tampoco se quedarán en la memoria del espectador.


ORPHELINE

Título original: Orpheline / Orphan

Director: Arnaud des Pallières

Duración: 111 minutos

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar y Rayan Rabia

País: Francia

Género: Drama

Sinopsis: Cuatro momentos en las vidas de cuatro personajes femeninos. Una niña que vive en el campo y cuyo juego del escondite se convierte en tragedia. Una adolescente atrapada en una interminable sucesión de huidas, hombres y contratiempos, porque cualquier cosa es mejor que su desolado hogar familiar. Una joven que se muda a París y roza el desastre. Y finalmente una mujer adulta de éxito que se pensaba a salvo de su propio pasado. Poco a poco estos personajes se unen para formar una sola protagonista.

Cuatro historias y ninguna me mueve más que el dolor y el sufrimiento. Bien dirigida y bien actuada, pero complicada de resistir. Es una película desasosegante, dura, cruel y directa.

Película de festival, que puede tener predicamento en círculos más minoritarios, pero complicada de salir de ahí. Su narración no ayuda nada. Se hace complicada, dura, difícil y pesada. Las historias no capturan y así es imposible interesarse por la cinta.

La película cuenta con un reparto femenino de excepción, pero también destaca el catalán Sergi López (Un día perfecte per volar), que no falta a su cita habitual con el Festival de Cine de San Sebastián.

Ningún aplauso en el pase de prensa.

 

 

MANDA HUEVOS (Sección oficial – Proyección especial)

Título original: Manda huevos

Director: Diego Galán

Duración: 95 minutos

País: España

Género: Documental / Comedia

Sinopsis: Manda huevos sería la lógica prolongación del documental ‘Con la pata quebrada’. Utilizando sólo fragmentos de películas, Con la pata quebrada intentó sintetizar con ritmo narrativo y buen humor cómo el cine español había representado a la mujer española desde los años 30 hasta nuestros días y, con ello, su evolución en la sociedad. Del mismo modo, con similar tratamiento, cabe contar cómo las películas españolas han contemplado al varón español, o al menos a ciertos prototipos. Lo que quedará esbozado finalmente es un retrato sociológico desde la posguerra hasta el presente, o lo que es lo mismo, el reflejo de una parte significativa de la historia de nuestro país.

Para cerrar la primera jornada, la última de las proyecciones de la Sección Oficial correspondientes a este día. ‘Manda huevos’ es una película para verdaderos amantes del cine. Llena de multitud de escenas sacadas de películas españolas de todas las épocas, la cinta de Diego Galán, otrora director del Zinemaldia, es un deleite para los amantes de la ironía.

Pero, sobre todo, es una forma de retratarse a uno mismo lo que muestra Galán en su documental.  Se trata de un documento que retrata lo absurdo y tonto del cine de la dictadura, del cambio radical con el paso de los años y del empleo del humor para caricaturizarlo todo. Seña de identidad, ésta última, de la sociedad española.

No nace con pretensión de ser un documental sesudo y definitivo sobre el cine español y el papel del hombre en él, nace con la pretensión de que el espectador quede ojiplático.

En comparación a ‘Orpheline’, y con el Teatro Principal sin llenar en el pase de prensa, ha recibido bastantes más aplausos.

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‘Café Society’, refinado y mordaz
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Asier Manrique | 16-09-2016 | 23:08| 0

CAFÉ SOCIETY

Título original: Café Society

Año: 2016

Duración: 96 minutos

País: Estados Unidos

Director: Woody Allen

Guion: Woody Allen

Fotografía: Vittorio Storaro

Reparto: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Jeannie Berlin, Ken Stott, Anna Camp, Gregg Binkley, Paul Schneider, Sari Lennick y Stephen Kunken

Productora: Amazon Studios

Género: Comedia / Romántica

Los Ángeles, años 30. En la meca del cine, el joven recién llegado Bobby Dorfman, sobrino de un poderoso agente y productor de Hollywood, se enamora de Vonnie, la guapa secretaria de su tío Phil. (FilmAffinity)

Woody Allen vuelve en estado de gracia con una película donde demuestra de nuevo su capacidad para narrar historias cotidianas llenas de mordacidad, pero sin perder el refinamiento.

‘Café Society’ es una rara avis en el cine actual. Las comedias han pasado a ser bastas y toscas, pero Allen consigue mantener ese aire refinado que hace grande a esta película. Ocurre algo similar a lo que pasaba en El gran hotel Budapest de Wes Anderson. Se agradecen las comedias que no toman al espectador por idiota y tratan de hacer reír con el típico “caca, pedo, culo, pis”.

La película es una comedia adulta, para gente con cierta edad y que disfruta de una historia madura y amable. Amable, a pesar de retratar a lo peorcito de la alta sociedad estadounidense de finales de los 30. Personajes variopintos, excéntricos y deslumbrantes a pesar de su oscuro fondo y forma. Grandes estrellas de Hollywood rodeadas de glamour y de apariencia. Gángsters de corbata, ejecutivos de dudosa moral y la sociedad que no para de aparentar.

Al igual que ocurría en la cinta de Anderson, Allen construye un relato muy básico, sin necesidad de grandes escenarios o derroches creativos. Se trata de una historia de un amor no correspondido y del fuego que quedó de lo que pudo haber sido y no fue. A caballo entre Nueva York y Hollywood y con un abanico de personajes disparatados.

Jesse Eisenberg (Ahora me ves), consigue llevar bien el peso del protagonista. Tiene esa vis cómica que recuerda mucho al propio Woody Allen. En frente tiene a Steve Carell (Pequeña Miss Sunshine), siempre en forma, y Kristen Stewart, que no me convence por su frialdad y pasotismo en cada toma.

El ritmo de la película va en ascenso. Después de un comienzo dubitativo, pasa a mostrarnos un tercio final muy en forma y altamente entretenido, sobre todo gracias al hermano mafioso del protagonista. Pequeños gags y chistes escondidos en un guion sencillo y fácil de seguir.

Si eres de los espectadores que disfrutan de comedias más trabajadas, menos simplonas, esta es tu película. Un Woody Allen con el mejor toque personal, en plena forma y con fuerza para seguir contando más historias como las de este café que bien merece la pena una entrada de cine.

Lo mejor: es humor de alta clase, refinado y mordaz, sin zafiedades y tosquedades.

Lo peor: Kristen Stewart.

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Sobre el autor Asier Manrique
Comunicador, periodista y blogger. Amante de la música, el cine, la televisión... Escribo El Fotograma para compartir mi pasión por el cine, cine clásico y actual, de todos los géneros.

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